谭延闿书风

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程重赓,郭伟,袁融 著
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出版社: 重庆出版集团 , 重庆出版社
ISBN:9787229014896
版次:1
商品编码:10416719
包装:平装
丛书名: 中国历代书风系列
开本:16开
出版时间:1999-05-01
页数:16
正文语种:中文

具体描述

内容简介

谭延闿(1880—1930),湖南茶陵人,字祖庵,祖安,号无畏,1904年中进士,授翰林院编修。1909年任湖南省咨议局议长,为湖南立宪派首脑人物。武昌首义后,提出“文明革命”主张,先后任湖南议院院长,湖南都督。1922年投奔孙中山,先后任大元帅大本营内政部长、建设部长、秘书长等职。1924年起历任国民党历界中央执行委员,国民政府成立后,历任国民政府常务委员兼军事委员会委员、国民革命军第二军军长、国民政府代主席等职,1928年任国民政府主席,10月改任行政院长。1930年9月22日在南京病故。
谭延闿书法取意颜真卿,得浑厚灵逸之妙,为中国20世纪代表性书法家之一,本集所编为其给友人的书信和诗稿。

前言/序言



《书学典范:宋元明清书法流变与风格探析》 内容简介 《书学典范:宋元明清书法流变与风格探析》是一部旨在系统梳理和深入剖析中国书法艺术自宋代至清代近千年间发展脉络、流派更迭及风格演变的重量级学术著作。本书立足于宏大的历史视野,结合具体的墨迹文本与碑刻实例,精细地描摹了这一时期中国书法由文人书风确立、至学院派规范的形成,再到碑学与帖学分野的复杂历程。全书结构严谨,论证详实,力求揭示隐藏在不同时代书家笔墨之下的时代精神、文化思潮与审美取向。 第一部分:宋代——文人书风的勃兴与个性解放 本书首先聚焦于宋代,将其视为中国书法史上一个至关重要的转折点。宋代书法彻底摆脱了唐代“尚法”的严格规范,迈入了“尚意”的审美高峰。 一、宋初的过渡与文人书风的奠基: 详细考察了“宋四家”——苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄——的艺术实践及其对后世的影响。苏轼的丰腴醇厚,追求天真烂漫与意趣,被视为开创文人书风的里程碑。黄庭坚的奇崛劲健,其“长枪大戟”之势,体现了对笔势结构的高度自觉。米芾的潇洒飞扬,则将“刷字”的动态美推向极致,展现了极强的个人主观色彩。本书细致辨析了他们如何将学问、人品与笔墨融为一体,确立了“书为心画”的理论基础。 二、宋代书学的理论构建: 深入剖析了宋代理学兴起对书法理论的影响。探讨了以苏轼为代表的“我书意造”与以黄庭坚为代表的“结字因时,用笔千古”等核心命题的内涵。对比分析了宋人对唐人书法的评价体系,揭示了他们如何通过推崇晋韵、贬抑唐法,完成了对审美范式的根本性转变。 三、宋代书体的流变: 考察了宋代楷书的“宋体”形成过程,以及行草书在士大夫阶层中的普及,探讨了手札(尺牍)这一书体在宋代地位的提升,及其对民间书风的渗透作用。 第二部分:元代——复古思潮中的继承与创新 元代书法承接宋意,但在政治环境的变迁下,呈现出一种在复古与创新之间寻求平衡的复杂面貌。 一、“书必有法”的回归倾向: 探讨了元初书家如赵孟頫如何倡导“复归晋唐”,试图以法度来约束宋代的“恣肆”。赵孟頫的温润秀美,其集古之大成的理论与实践,标志着帖学体系在技法层面的又一次高峰,为后世书家提供了规范化的学习范本。本书批判性地分析了赵氏复古背后的时代需求与审美取向。 二、文人书派的延续与区域特色: 关注了“吴门书派”的早期萌芽,以及如鲜于枢、邓文原等书家在继承宋人笔意基础上的独特探索。深入分析了元代书家如何在不完全抛弃宋人意趣的前提下,重新确立对线条质感和结字结构的重视。 三、碑学初现的端倪: 简要提及了元代晚期,由于印刷术的推广和对古碑的整理,一些书家开始注意到金石文字的笔法意趣,为清代的碑学兴起埋下了伏笔。 第三部分:明代——帖学鼎盛与流派纷呈 明代是中国书法艺术发展最为繁荣的时期之一,以帖学为中心,形成了多个风格鲜明的书派。 一、台阁体与官方审美: 详细介绍了明初“台阁体”的形成背景及其对书法“程式化”的影响。分析了其作为宫廷和官方文书标准书体的意义,以及它对书法创造性的潜在束缚。 二、吴门书派的兴盛与代表人物: 重点剖析了以祝允明、文徵明、唐寅、仇英为代表的“吴门四家”对明代书坛的决定性影响。祝允明的狂放不羁,文徵明的温润精到,展示了帖学在不同情境下的兼容性。本书着重分析了他们如何将前代诸家笔法熔铸一炉,形成了各自成熟的风格体系。 三、晚明书风的转向与创新: 考察了晚明时期,以董其昌为代表的书家如何倡导“淡雅”一路,推崇“江南趣味”,强调书法的文人气质与笔墨的内敛性。同时,也关注了如徐渭等人的“狂怪”书风,他们以强烈的个人情感和怪异的笔法,挑战了既有的审美规范。 四、碑学的觉醒: 详述了明代中后期对金石学的重视,如杨慎、李贽等对北碑的关注,标志着碑学力量开始从帖学的阴影中挣脱出来,为清代的“碑帖之争”积蓄了能量。 第四部分:清代——碑帖交融与书法的自觉转向 清代是中国书法史上碑学最终超越帖学,实现艺术范式大转折的关键时期。 一、碑学的全面崛起: 深入论述了乾隆、嘉庆年间碑学兴起的社会文化动因,包括对宋学、考据学的推崇,以及对帖学僵化的反思。重点分析了邓石如在篆隶方面的开创性贡献,他如何以古籀笔意入隶楷,打破了南帖北碑的传统藩篱。 二、帖学的坚守与演变: 虽然碑学声势浩大,但帖学并未消亡。本书分析了以王铎、傅山为代表的书家,他们在继承明代笔法的基础上,将行草书的体势和力量感推向了一个前所未有的高峰,其“欹侧多姿”的风格与碑学的浑厚形成了鲜明的对比。 三、中晚清书法的集大成与分野: 探讨了包世臣、康有为等人对碑学理论的系统化阐释,以及他们如何将北碑书风推向极致。同时,也分析了如吴昌硕等书家在篆隶基础上,最终走向融汇篆、隶、楷、行、草于一炉的综合性艺术境界,预示着中国书法进入了新的探索阶段。 结语:千年流变中的永恒主题 本书最后总结了宋元明清四代书法发展的内在逻辑:即从宋代的“尚意”到元代的“守法”,再到明代的“尚态”,最终到清代的“尚势”与“求变”的螺旋式上升过程。通过对笔墨语言、时代精神与审美哲学的多维度交叉分析,本书旨在为读者提供一套全面、深入理解中国书法史中关键发展阶段的学术框架。它不仅仅是一部风格流变史,更是一部关于艺术个性解放与规范重建的文化史诗。 --- (注:本书内容涵盖宋、元、明、清四朝的书法流派、理论建构及主要书家风格分析,对谭延闿所处的晚清民国时期及其个人书风未作探讨。)

用户评价

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这本书给我的震撼,主要来自于它对于“气韵生动”这一抽象概念的具象化解读。很多书法理论书籍往往将“气”与“韵”描述得飘渺难懂,但这本书却提供了一套非常实用的观察和感知体系。作者似乎有一种天赋,能将那些难以言喻的内在生命力,通过精妙的比喻和具体的案例分析,清晰地呈现在读者面前。我特别留意了其中关于墨色变化和章法布局的章节,作者强调的“虚实相生”不仅仅是画面上的黑白对比,更是一种内在张力的体现。读完后,我尝试重新审视自己的习作,惊讶地发现,过去只是机械地模仿字形,而现在开始能感受到线条背后流淌的情绪。书中引用的古代碑帖的图片质量极高,每一处细节都经过了细致的考量和标注,这极大地帮助了我理解理论是如何在实践中落地的。它不是一本教你如何“写得像”的书,而是一本教你如何“写出感觉”的指南,这种由内而外的引导,对于真正想在书法上有所突破的人来说,价值是无可估量的。

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如果用一个词来概括这本书的独特之处,那便是“平衡”。它成功地在学院派的严谨和民间艺术的灵动之间找到了一个完美的平衡点。许多专注于理论的书籍,读起来枯燥乏味,而专注于技法的书,又往往缺乏宏大的视野。然而,此书却将两者结合得天衣无缝。作者在讲解复杂的结构规律时,总能穿插一些生动有趣的书法小故事或者具体到某一笔画的书法家轶事,立刻就能将沉重的学术氛围冲散,让人会心一笑。这种张弛有度的节奏感,使得阅读过程始终保持着愉悦和期待。它既满足了我对专业知识的渴求,也慰藉了我作为一名艺术爱好者的精神需求。读完这本书,我感觉自己对传统文化的理解更立体了,书法不再是一个孤立的技能,而是与历史、哲学、美学紧密相连的有机整体。这本书无疑是近期我所阅读的艺术类书籍中,最能带来全面提升和精神滋养的一部佳作。

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这本书的学术深度和广度,让我不得不对作者扎实的文献功底表示由衷的敬佩。它并非空泛地谈论美感,而是将理论建立在一系列坚实的文献考据之上。阅读过程中,作者引用的那些鲜为人知的古代书论、名人信札中的只言片语,都被巧妙地整合到论述框架中,使得每一个观点都有了历史的注脚和权威的支撑。尤其是关于特定朝代书风形成与社会背景关联的分析,逻辑严密,论据充分,让人不得不信服。我尤其欣赏作者在批判性思维方面的展现,他并不盲从前人定论,而是敢于提出自己的独特见解,并且用充分的论据去支撑这种“逆流而上”的思考。这为我们提供了一个极佳的范例:真正的艺术研究,必须是建立在扎实的基础和批判性审视之上的。这本书不仅仅是知识的传授,更是一种思维方式的训练,引导读者去深挖事物背后的成因,去探究“为什么是这样”,而不是满足于“它就是这样”的表面现象。

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坦率地说,这本书的语言风格对我来说,既是惊喜也是挑战。它不像市面上那些通俗易懂的入门教程,反而带有一种古典文人的清雅与疏朗,行文之间流淌着一种文辞的韵味,阅读过程像是在品鉴一件精美的古董。作者的用词考究,句式多变,时而如山涧清泉般流畅,时而如磐石般坚定有力,这本身就是一种极高的文字艺术展示。我必须承认,初读时需要放慢速度,反复揣摩其中一些典故的深层含义,但正是这种需要“用心去品”的过程,加深了知识的沉淀。书中对于“意在笔先”的阐述尤其令我印象深刻,作者没有将“意”局限在事先构思好的形态上,而是将其拓展到书写者对当下环境、心境的全部感知,这让创作的过程充满了即时性和不可复制性。这种将“心手相应”提升到哲学层面的论述,使得这本书的阅读体验远超一般的技术指导手册,更像是一部关于艺术创作本体论的深度探讨。

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初读这本关于书法的著作时,我最大的感受是,作者似乎与笔墨有着一种跨越时空的对话。他不仅仅是在讲解技法,更像是在引领我们进入一个更为深邃的审美世界。书中对不同书体演变的脉络梳理得极其清晰,从篆隶的古朴雄浑到楷书的端庄秀逸,再到行草的恣意挥洒,作者总能精准地捕捉到每一阶段的时代精神与书家心境的微妙变化。特别是对笔法细节的剖析,简直是入木三分,那些看似轻描淡写的提按顿挫,在作者的描述下,仿佛都拥有了生命力和明确的指向性。我尤其欣赏作者在论述书法与哲学、历史之间联系时的那种深邃洞察力,他没有停留在纯粹的技术层面,而是将书法提升到了一种“修身养性”的高度,让人在研习过程中,不仅是手法的进步,更是心性的锤炼。这本书的结构安排也十分巧妙,论述层层递进,即使是初涉书法领域的读者,也能感到豁然开朗,而对资深爱好者而言,其中蕴含的独到见解无疑是锦上添花。那种娓娓道来却又字字珠玑的叙述风格,让人爱不释手,仿佛身边就有一位经验丰富的老师在耐心指点迷津。

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