音乐听力考级教程(多媒体版)第1级 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵易山 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807514879

商品编码：1064252046

出版时间：2010-05-01

作  者:赵易山 著作 赵易山 主编 定  价:58 出 版 社:上海音乐出版社 出版日期:2010年05月01日 装  帧:平装 ISBN:9787807514879 ●课
●  上半节《旋律与伴奏练习曲》
●  下半节《玩具》
●第二课
●  上半节《小白船》
●  下半节《春之歌》
●第三课
●  上半节《很久很久以前》
●  下半节《小兔儿乖乖》
●第四课
●  上半节《小白菜》
●  下半节《圣者的行列》
●第五课
●  上半节《八月桂花遍地开》
●  下半节《卖报歌》
●第六课
●  上半节《扎红头绳》
●  下半节《扬基歌》
●第七课
●  上半节《平安夜》
●部分目录

内容简介

    《音乐听力考级教程》是一套专为社会音乐水平“器乐考级服务”而编写的教程(共五册)。编写者在内容设置、进度安排和考级方法上充分考虑到业余学习器乐演奏学生的实际需要，紧紧抓住了音乐基础学习中的核心——听力训练，从钢琴、小提琴、电子琴考级教材曲目中遴选二百多首拥有代表性、旋律动听且含视唱练耳技术重点和乐理知识要点的经典名曲，凸现了练习曲目的技术含量和艺术含量，十分有助于拓展学生的音乐视野，增强学生对音乐的感性积累；同时，全教程还将“熟知、熟记、熟用”经典音乐作品作为教学主题，反复贯穿于五册之中，并配置以同步的音响资料，使乐理和视唱真正成为以听力为基础的乐理和视唱。每册二十课，每一课分成上下半节，各以一首名曲为课题，围绕“名曲”设计出七个具有教学系统特征的训练模块(即：聆听感受——诵读乐谱——乐理要点——节奏练习——视唱练习——全曲赏析——书写及听写等

《世界音乐史纲要：从远古到二十世纪》 内容简介 本书旨在为广大音乐爱好者、专业学生以及音乐史研究者提供一部全面、深入且兼具可读性的世界音乐发展历程的宏观概述。不同于侧重于某一时期的深度剖析或某一特定地域的音乐研究，本教程立足于全球视角，勾勒出人类音乐文明从史前萌芽直至二十世纪末复杂多元格局的演变脉络。全书结构清晰，脉络分明，力求在广度与深度之间取得精妙的平衡。 第一部分：音乐的起源与古代文明的曙光（约占全书20%） 本部分探索音乐的生物学基础与文化起源，追溯人类最早的声音表达形式。 第一章：史前音乐的图景 声音的诞生与工具的演进： 考察考古学证据，分析骨笛、岩画中描绘的打击乐器，推测远古仪式、狩猎与社交活动中音乐所扮演的角色。讨论人类发声器官在音乐形成初期的局限与潜力。 神话与口头传统： 探讨不同文化中关于音乐起源的神话传说，以及早期吟游诗人、萨满在音乐传承中的地位。 第二章：东方古老的回响 美索不达米亚与埃及的礼仪音乐： 重点介绍苏美尔、巴比伦文明的七音阶雏形，以及古埃及宗教仪式中复杂管弦乐团的配置与文献记载。 印度河流域的早期乐律： 概述吠陀时期颂歌的唱诵形式，初步介绍印度传统音乐体系（Raga与Tala）的萌芽状态。 中国先秦的雅乐体系： 深入探讨《周礼》中记载的“礼乐”思想，分析五音（宫、商、角、徵、羽）的哲学基础，以及编钟、编磬等宫廷乐器的制造工艺与使用规范。 第三章：古希腊的理性之声 毕达哥拉斯与音程的发现： 详述毕氏对音程数学关系的精确测定，这是西方音乐理论的基石。 德谟克利特与“和谐”的哲学： 探讨古希腊人对“和谐”（Harmonia）的理解，包括音阶模式（Dorian, Phrygian, Lydian等）与特定情感气质（Ethos）的关联。 戏剧与音乐的交融： 分析古希腊悲剧、喜剧中合唱队（Chorus）的音乐功能与结构。 第二部分：中世纪的信仰与世俗的张力（约占全书25%） 本部分聚焦于西方基督教音乐的统治性发展，以及与之并存的世俗音乐的觉醒。 第四章：中世纪早期：格里高利圣咏的统一 罗马教会的音乐规范化： 阐述教宗格里高利一世对礼拜音乐的整理过程，介绍不同调式（Authentic/Plagal Modes）的特征。 记谱法的诞生与演变： 详述纽姆记谱法（Neumes）从辅助记忆到精确记录的发展历程，以及“线”的引入如何改变音乐的传播方式。 早期复调的试验： 探讨奥尔加农（Organum）的出现，特别是“自由奥尔加农”与“平行奥尔加农”的技法。 第五章：盛期中世纪：巴黎乐派与世俗之声的崛起 奥尔加农的成熟——圣马夏尔与巴黎圣母院乐派： 重点剖析列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）在二声部、三声部乃至四声部复调中的贡献，如定旋律（Cantus Firmus）的运用。 世俗音乐的歌者： 介绍法国的游吟诗人（Troubadours）、行吟乐师（Trouvères）以及日耳曼地区的吟游歌者（Minnesingers），分析其歌曲的主题（爱情、战争、骑士精神）与曲式结构。 早期器乐实践： 考察中世纪乐器的分类（如Shawms, Vielle, Lute）及其在不同场合的使用。 第六章：中世纪晚期：大闰与走向文艺复兴 “新艺术”（Ars Nova）的革命： 深入分析菲利普·德·维特里和纪尧姆·德·马肖在节拍划分、节奏复杂化上的创新，以及等时性（Isorhythm）的运用。 英国与意大利的音乐： 简述英国乔斯坎的先驱，以及意大利的“狂想曲”（Madrigal Trecentesco）。 第三部分：文艺复兴的和谐与人文主义精神（约占全书20%） 本部分探讨复兴古典精神、追求人本主义的时代如何重塑音乐的结构与情感表达。 第七章：复兴的先声——佛兰德学派的辉煌 约斯坎·德普雷（Josquin des Prez）： 剖析其在对位技巧上的精湛造诣，以及如何实现文本与音乐的完美结合（“表情化”的开端）。 模仿复调的完善： 介绍“模仿”（Imitation）技法在经文歌（Motet）和弥撒曲（Mass）中的普及，以及均衡、清晰的织体美学。 第八章：宗教音乐的改革与世俗音乐的繁荣 宗教改革与反宗教改革： 探讨路德对德语圣歌（Chorale）的提倡，以及特伦托会议后帕莱斯特里那对复调清晰度的坚持。 意大利牧歌（Madrigal）的鼎盛： 分析威尔迪、摩德里戈等人如何通过“文字写景”（Word Painting）手法，将音乐与诗歌意象紧密联系，推动音乐情感的表现力。 第九章：器乐的独立与早期键盘音乐 器乐的自觉： 描述乐器组的标准化进程，以及舞曲集（Dance Suite）的初步形成。 键盘乐器的兴起： 关注维吉纳琴、羽管键琴的普及，以及英国“维吉纳学派”的塔布拉图（Tablature）记谱法。 第四部分：巴洛克时代的激情与炫技（约占全书25%） 本部分深入研究巴洛克时期音乐中强烈的情感对比、对位法的极致发展以及歌剧这一全新体裁的诞生。 第十章：歌剧的诞生与早期发展 佛罗伦萨的“速成班”： 考察卡梅拉塔（Camerata Fiorentina）对希腊戏剧音乐的复兴尝试，宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的分离。 蒙特威尔第的开创性贡献： 分析《奥尔费奥》在戏剧张力、和声色彩与情感深度上的突破。 威尼斯学派的商业化： 探讨商业剧院的兴起与“明星歌手”的出现。 第十一章：盛期巴洛克：对位法的巅峰 巴赫的集大成： 详细解读《平均律键盘曲集》中大小调体系的巩固，以及《赋格的艺术》对对位技法可能性的穷尽探索。 亨德尔与清唱剧： 分析其在英格兰发展起来的德语清唱剧（Oratorio）的宏大叙事能力与戏剧性。 协奏曲体裁的成熟： 介绍维瓦尔第对“快-慢-快”三乐章结构的规范化，以及乐队与独奏者（Tutti vs. Solo）之间的戏剧性对话。 第十二章：奏鸣曲与器乐的自由表达 “风格进行曲”的转变： 探讨巴洛克晚期音乐中“情感理论”的运用。 组曲（Suite）的完善： 描述阿尔芒德、库朗特、萨拉班德、吉格等舞曲的标准配置与特征。 第五部分：古典主义的清晰与浪漫主义的激情（约占全书20%） 本部分涵盖了从追求形式完美到释放个人情感的两次重大转向，重点剖析奏鸣曲式与交响乐的发展。 第十三章：古典主义的典范：平衡与结构 洛可可与“敏感风格”的过渡： 简述巴洛克末期向更轻盈、更旋律化的转变。 奏鸣曲式的确立与运用： 深入解析呈示部、发展部、再现部的内在逻辑，以及它如何成为古典时期器乐的组织核心。 维也纳古典乐派三杰： 详述海顿在交响曲与弦乐四重奏中的里程碑式贡献；莫扎特在旋律的完美、歌剧（如《费加罗的婚礼》）中的心理刻画；以及贝多芬对奏鸣曲式的发展与突破（如拓展发展部、引入“英雄”主题）。 第十四章：浪漫主义的个体觉醒与民族色彩 “音乐的文学化”： 探讨诗歌、哲学对音乐的巨大影响，如李斯特的交响诗（Symphonic Poem）。 钢琴的黄金时代： 分析肖邦对钢琴技巧与民族风格的融合，以及舒曼对“幻想曲”的钟爱。 歌剧的革新： 对比威尔第的意大利宏大叙事与瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的理念，包括主导动机（Leitmotif）的系统运用。 第十五章：二十世纪的多元探索 印象派与表现主义的碰撞： 德彪西对音色与氛围的捕捉（非功能和声）与勋伯格的十二音体系（Serialism）的理性回归。 新古典主义与民族乐派： 探讨拉威尔、斯特拉文斯基对古典形式的借鉴，以及东欧作曲家（如巴托克）对民间音乐的深度挖掘。 结语：通向未来的声音 本书最后总结了二十世纪中期至末期音乐的进一步分化，如偶然音乐（Aleatoric Music）、电子音乐的兴起，旨在为读者提供一个完整的历史坐标系，以便更好地理解当代音乐的复杂语境。 本书特点： 1. 宏观视野： 贯穿数千年，将不同地域（欧洲、亚洲）的音乐发展置于同一历史框架下比较分析。 2. 理论与实践结合： 在介绍历史背景的同时，对关键时期的核心音乐术语（如调式、复调、奏鸣曲式）进行清晰的定义和解释。 3. 清晰的章节结构： 每部分均遵循“起源/奠基 -> 发展/冲突 -> 成熟/转型”的逻辑推进，方便自学和梳理知识点。 4. 侧重体系构建： 本书旨在建立一套完整的音乐史知识体系，为进一步深入研究特定作曲家或特定流派打下坚实基础。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对传统教学方法有些审美疲劳的进阶学习者，我更看重教材的“新颖性”和“实用性”。这本书在引入现代音乐元素和听力训练方法上做得非常大胆和成功。它没有完全固守学院派的刻板教条，而是巧妙地将一些现代听力测试中常见的新型题型融入其中，比如对特定音色、配器效果的辨识，甚至是简短旋律的模唱和复述。这让我感觉自己不只是在为通过一个等级考试做准备，更是在为未来更高层次的音乐实践打下坚实的基础。书本附带的资源包里，素材的选择也十分多样化，涵盖了不同时期、不同风格的音乐片段，保证了训练的全面性，避免了听觉上的偏科。这种与时俱进的课程设置，真正体现了教材的生命力。

评分☆☆☆☆☆

这套书的内容深度和广度处理得相当到位，体现了编写团队深厚的专业素养。它没有陷入那种过度浅尝辄止的局面，也没有堆砌晦涩难懂的术语，而是在恰当的层面上，用最精准的语言对音乐要素进行了剖析。我尤其欣赏它在“理论联系实际”方面的努力。很多章节都会穿插一些历史上著名音乐家的案例或者经典曲目的片段分析，这使得枯燥的乐理知识立刻鲜活起来，让人明白这些规则和概念是如何在伟大的音乐作品中实际应用的。这种案例教学法，极大地激发了我去探索更多音乐作品的兴趣。而且，不同难度的练习题设计梯度非常合理，从基础的音高、节奏识别到更复杂的和声进行听辨，每一步的难度提升都符合心智成长的规律，让人充满完成挑战的成就感。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的排版真是让人眼前一亮，色彩搭配和字体选择都非常考究，学习起来一点也不觉得枯燥。尤其是一些插图和图表的制作，不仅清晰直观，而且艺术性也很高，让人在学习理论知识的同时，也能感受到音乐的美感。编排逻辑也十分清晰，从基础概念的引入到复杂技巧的讲解，循序渐进，每一步都像是精心设计的阶梯，稳稳地把我引向更高的知识层面。我特别喜欢它在关键知识点上的标注方式，使用了不同的颜色和边框设计，让人一眼就能抓住重点，复习的时候效率倍增。而且，书本的装订质量也非常好，拿在手里很有分量感，感觉是一本可以长期使用的工具书，而不是那种翻几次就束之高阁的快消品。对于初学者来说，这种从视觉到内容的全面优化，极大地降低了学习的心理门槛，让原本可能有些抽象的音乐理论变得触手可及，真是设计者的心血之作。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始对这种“多媒体版”的宣传持保留态度的，总觉得很多噱头大于实质。但这本书真的让我刮目相看。它不仅仅是提供了配套的音频文件，更重要的是，它将音频内容与书本的练习紧密地结合起来，形成了一种真正的互动学习体验。例如，在讲解某个特定的节奏型时，书中不仅有详尽的五线谱和文字解释，配套的音频还能让我立刻听到标准范例和不同速度的练习版本，这对于培养精准的听觉辨识能力至关重要。更让我惊喜的是，有些练习环节还设计了互动反馈机制（可能是通过附带的软件或链接），这使得自我纠错变得非常高效，不像传统的教材那样只能靠自己反复摸索。这种线上线下结合的学习模式，极大地提升了学习的代入感和沉浸感，感觉自己不是在“读”一本教材，而是在和一位耐心的老师进行一对一的指导，对于那些需要大量听力训练的科目来说，简直是福音。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“手感”和耐用性，对于一个经常需要翻阅和标记重点的学习者来说，简直太重要了。它的纸张厚度适中，既保证了墨水不会洇开，又方便在上面做大量的笔记和圈画，而且在反复翻阅后，书页边缘也没有出现明显的磨损迹象。装帧工艺看起来相当扎实，即便是像我这样经常把书本放在乐谱架上或随身携带的人，它也能很好地保持原貌。另外，它的开本设计也很人性化，既不会因为太小而显得拥挤，也不会因为太大而不便于携带，正好是那种可以舒服地放在膝盖上阅读的尺寸。这种对物理形态的关注，虽然听起来可能与音乐内容本身关系不大，但对提升长期的学习体验，却是潜移默化的重要因素，足见出版方在细节上的匠心独运，让人愿意长时间地与之相伴。

评分☆☆☆☆☆

是正版图书，质量非常好

评分☆☆☆☆☆

是正版图书，质量非常好

评分☆☆☆☆☆

发货较快，质量还不错。

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钢琴考试用书

评分☆☆☆☆☆

是正版图书，质量非常好

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不错

评分☆☆☆☆☆

不错的，书有折痕，像是正版。

评分☆☆☆☆☆

好

评分☆☆☆☆☆

好