具体描述
●画油画的必备用品10
●在画板上固定画布14
●准确把握色彩17
●第二章跳出纯净鲜艳的色彩29
●第三章光与影的家族41
●第四章简化形体对学画油画来说是一个好的开始53
●第五章静物写生：来自室内的挑战75
●第六章外光派绘画：室外的观察89
●第七章速写：小乔而精彩105
●第八章工作室作画：开阔你的视野119
●结论：全新的起点139
●参考阅读140
●索引141
内容简介
油画的起步，要从学会欣赏美丽的色彩开始。本书将教你用艺术家的眼光去审视色彩以及作画的步骤，这会建立你学好油画的信心。你将学会如何调出想要的颜色，如何表现油画中的光和影，如何确定简洁而又有感染力的构图，如何随心所欲地使用多种作画工具，如何用丰富而干净的色彩作画，以及如何一种全新的眼光去观察自然。大量图例、通俗的原理介绍、详细的案例解析，这几大特点使得本书在欧美畅销多年，在靠前也广受油画学习者的喜爱 (美)凯文·D.麦克弗森(Kevin D.Macpherson) 编著；赵春园,张晓怡 译 凯文·D.麦弗森是一位广受欢迎的画家兼老师，他直接从自然中习得户外绘画艺术的技巧，能够发自本能地迅速捕捉色彩和光线的真实效果。
在新泽西州长大的凯文早在童年时代就表现出一股艺术家的激情，二年级的时候就获得了少有艺术奖项。然而尽管艺术一直以来都是他生活的核心部分，但直到进入北亚利桑那大学他才开始接受正规的培训。获得艺术学士学位毕业后，凯文在亚利桑那首府凤凰城开始了他的插画家生涯。
毕业一年后，凯文与在大学认识的恋人温达结了婚。之后，两人前往不列颠群岛开始了为期六个月的旅行，凯文就在沿途画些水彩素描支付旅途费用，而这些水彩素描成为了他后来创作“户外”一画的预演。回到美国后，凯文夫妻等
用户评价
这本书给我的最大感受，就是它打破了我之前对油画创作的一些固有观念，让我看到了一个更加自由、更具创造性的可能性。作者在书中强调，光与色不仅仅是写实的工具，更是艺术家表达情感、传递意念的载体。我记得有一章是关于“非写实的光色运用”，作者分析了一些表现主义画家的作品，他们打破了客观世界的色彩规律，用夸张、扭曲的色彩和光影来表现内心的感受。比如，蒙克的《呐喊》，那种扭曲的色彩和强烈的光线， perfectly captures the feeling of intense anxiety and fear. 这让我意识到，原来绘画的自由度是如此之大，只要你对光色的理解足够深入，就可以随心所欲地运用它们来创造属于自己的艺术语言。书中还探讨了不同文化背景下对光与色的理解差异，比如东方艺术对留白的运用，以及西方艺术对明暗对比的强调，这些对比都让我对艺术的多样性有了更深的认识。我一直觉得自己的画作缺乏“灵魂”，看了这本书之后，我才明白，原来是因为我太过于拘泥于模仿现实，而忽略了用光与色去表达我自己的情感和想法。现在，我开始尝试在我的画作中注入更多的个人情感，用色彩来“说话”。
评分这本书的阅读体验，就像是踏上了一场穿越时空的艺术寻宝之旅，每一次翻页都充满了惊喜。我特别喜欢作者在分析大师作品时所展现出的那种“庖丁解牛”般的精准和深刻。他不仅仅停留在对画面表面的描绘，而是深入挖掘艺术家在光与色运用上的独到之处，以及这些手法背后所蕴含的艺术理念。例如，在分析鲁本斯的作品时，作者会着重强调他对肉体表现的细腻描绘，以及如何通过柔和的光线和丰富的暖色调来营造出那种饱满、健康的生命力。而在分析伦勃朗的光影时，则会深入剖析他对“伦勃朗光”的独特运用，如何通过戏剧性的明暗对比来塑造人物的性格和情感，营造出强烈的艺术感染力。书中还穿插了许多关于不同时期油画材料和技法的介绍，比如早期艺术家如何使用天然矿物颜料，以及印象派画家对新发明颜料的运用，这些细节的补充，让我对油画艺术的发展脉络有了更清晰的认识。我曾经对某些油画大师的作品感到困惑，不明白他们为何那样处理光与色，看了这本书之后，很多疑问都迎刃而解，我开始能够从更深层次去欣赏和理解这些伟大的艺术品。
评分这本书就像一位博学多才的向导，带领我在油画的殿堂里进行了一次奇妙的探索之旅。我一直觉得，油画中最具魔力的地方，就在于它能够捕捉并重现光影的变幻和色彩的微妙之处。而这本书，恰恰就是将这种“魔力”的奥秘一一揭示出来。作者并没有回避油画创作中那些看似复杂的技术问题，而是用一种非常清晰、易懂的方式进行讲解。我记得书里有一章专门讲如何处理阴影，它不是简单地说“阴影是黑色的”，而是深入分析了阴影的色彩构成，以及如何通过添加补色来让阴影更具层次感和真实感。书中列举了委拉斯开兹作品中那些深邃而富有色彩的阴影，让我对阴影的理解不再是单一的色块。另外，关于如何表现物体表面的反光，书中也给出了非常实用的方法，比如如何通过高光的大小、形状和色彩来区分不同材质的物体，如金属、玻璃、皮肤等。这些细节的讲解，对于我这样喜欢写实风格的爱好者来说，简直是如获至宝。我曾多次尝试画一些带有金属质感的器物，但总是觉得不够逼真，看了这本书之后，我才恍然大悟，原来是忽略了对反光的细致观察和表现。这本书不仅教会我“画什么”，更重要的是教会我“怎么看”，怎么去观察光影和色彩在现实世界中的真实形态。
评分这本书对我来说，不仅仅是一本关于油画光与色的书，更是一次对视觉感知和艺术创作的深度启蒙。我非常欣赏作者在讲解过程中所展现出的那种“化繁为简”的能力。他能够将一些复杂的光学原理和色彩理论，用非常生动、形象的语言解释清楚，让我这个非专业人士也能轻松理解。我记得书中有一章专门讲“色彩的幻觉”，作者通过分析一些经典作品，揭示了艺术家是如何利用色彩的对比、邻近色和互补色的关系，来创造出视觉上的深度、体积感甚至动态感。比如，他分析了如何用红色和绿色这对互补色来加强画面的对比度和视觉冲击力，以及如何用明暗对比来模拟物体在三维空间中的形态。这些讲解让我意识到，原来色彩不仅仅是表面的装饰，更是构建画面结构和空间的重要元素。书中还提到了很多关于色彩的情绪和心理暗示，比如蓝色常常让人联想到宁静和忧郁，黄色则代表着阳光和快乐，这些都让我对色彩的运用有了更丰富的想象空间。我曾经总觉得自己的画作缺乏“亮点”，看完这本书后，我才明白，原来是我的色彩运用太过单一和保守。
评分这本书的阅读体验，就像是置身于一个充满智慧和灵感的艺术工作室，每一段文字都充满了启迪。我非常喜欢作者在剖析色彩时所展现出的那种“细节控”的精神。他会关注到色彩最细微的变化，以及这些变化所带来的视觉效果。比如，在讲解如何表现水的光泽时，他会细致地分析水面反射的光线，以及不同角度的光线在水面形成的色彩斑斓的虹彩。他会告诉你，如何在画面中加入一些细小的、高饱和度的色彩点，来模拟水的透明感和光泽感。又比如，在描写金属的质感时，他会强调冷色调的反光和高光的重要性，以及如何通过精炼的笔触来塑造金属的硬朗和光滑。书中还引用了许多不同时期、不同流派的艺术家的作品作为范例，通过对比分析，展现了光与色在油画艺术中的多样化运用。我曾经在画一些容易反光的物体时感到非常头疼，看了这本书之后，我才发现，原来只要抓住光线和色彩的关键点，就能将这些复杂的物体描绘得栩栩如生。这本书不仅提升了我对油画的理解，更重要的是，它激发了我对艺术创作的热情，让我愿意去不断地探索和尝试。
评分这本书就像是一本被精心打磨过的宝石，每一页都散发着智慧的光芒。我尤其喜欢作者在阐述光与色的关系时，所展现出的严谨而又不失诗意的笔触。他并没有将光与色割裂开来，而是强调它们之间的相互依存、相互影响。比如，在讲解如何用色彩来“塑造”光线时，作者分析了印象派画家如何通过对不同时间、不同天气下色彩变化的捕捉，来表现光源的微妙之处。他详细解释了为什么在阳光明媚的早晨，物体会呈现出偏暖的色彩，而在阴雨天，色彩则会变得更加冷峻。这些细致入微的观察和分析，让我对光线有了更深刻的感知。同时，他也讲述了色彩如何反过来影响我们对光线的感知，比如，在冷色调的环境中，我们更容易觉得光线是温暖的，反之亦然。书中还引用了大量不同时代、不同风格的绘画作品作为例证，从意大利文艺复兴时期的经典写实，到巴洛克时期的戏剧性光影，再到印象派对自然光色的探索，这些案例的选择都非常恰当，能够全面地展现光与色在油画艺术中的发展和演变。我曾经在画一些复杂的光影场景时感到力不从心，看了这本书之后，我才明白，原来问题的根源在于我对光线和色彩之间关系的理解不够透彻。
评分这本书真的是太棒了，我简直爱不释手！作为一个对油画一直充满好奇，但又不知从何下手的小白来说，这本书简直就是一座宝藏。它没有像其他一些过于学术的书籍那样，上来就用晦涩难懂的理论和术语把你轰炸得晕头转向。相反，作者仿佛一位和蔼可亲的老师，一步一步地引导着我，从最基础的光影原理讲起，再到色彩的构成、调和，最后深入到如何运用光色来表现物体的质感和空间感。我尤其喜欢书中那些大量的精美插图，它们不是那种干巴巴的示范图，而是直接截取自大师们的杰作，配以深入浅出的讲解，让你在欣赏艺术的同时，也能领悟到其中的奥秘。比如，书里分析梵高《星夜》中星光的律动，是如何通过大胆的笔触和对比强烈的色彩来传递情感的，我每次看到那里都会被深深震撼。又比如，讲解如何用冷暖色调来营造画面氛围，书中列举了莫奈印象派作品中对自然光色的捕捉，以及伦勃朗作品中戏剧性的光影处理，这些对比让我对色彩的运用有了全新的认识。我曾经尝试过自己画画，但总觉得画面死气沉沉，缺乏生命力，看了这本书之后，我才明白，原来问题出在对光色的理解不够透彻。现在，我开始尝试用书里介绍的方法来画，虽然还很粗糙，但已经能感受到画面有了些许生机。这本书不仅仅是教会我技巧，更是点燃了我对油画艺术的热情，让我看到了一个更广阔、更丰富、更迷人的艺术世界。
评分这本书给我的感觉就像是在一场精心策划的视觉盛宴中，我是一个被邀请的贵宾。它并没有简单地罗列绘画技巧，而是将油画的光与色上升到了哲学和心理学的层面。作者深入探讨了色彩在不同文化、不同时代所承载的情感意义，以及光线如何影响人的情绪和感知。我记得有一章专门讲到“情绪的色彩”，通过分析德加的芭蕾舞系列，揭示了粉色、淡紫色如何营造出梦幻、忧郁的氛围，以及卡拉瓦乔作品中强烈的明暗对比如何烘托出戏剧性的张力。这让我意识到，色彩不仅仅是颜料的混合，更是一种情感的语言，一种与观众心灵对话的方式。书中的案例分析也非常独到，不是简单地告诉你“这样画好看”，而是深入剖析了艺术家是如何通过对光与色的精妙运用，来达到特定的艺术效果。例如，关于如何表现金属的冰冷感，书中引用了安格尔作品中的细节，分析了冷色调和高光是如何营造出那种光滑、坚硬的质感的。又比如，讲解如何表现丝绸的柔软和光泽，书中则对比了不同画家处理丝绒和缎面时的细微差别。这些分析让我大开眼界，原来看似简单的色彩和光影，背后蕴含着如此丰富的学问和艺术家的匠心独运。这本书让我学会了“看”，不仅仅是看画面的内容，更是看画面中的光影流动，色彩的呼吸，以及它们所传达出的情感密码。
评分这本书的价值，我觉得远远超出了一本画册或者一本技法书的范畴，它更像是一本引人深思的艺术评论和创作指南。我尤其欣赏作者在分析光与色时所展现出的深度和广度。他不仅仅局限于油画本身的技法，还将艺术史、光学原理，甚至心理学等领域的知识巧妙地融入其中，构建了一个多维度、立体的理解框架。比如，在探讨如何表现物体在不同光源下的变化时，作者不仅列举了不同画家对晨光、午后阳光、烛光等表现手法，还引用了物理学中关于光谱和色彩混合的理论，让我对色彩的科学性有了更深刻的理解。而当他分析如何用色彩来塑造人物的情感时，则引用了心理学中关于色彩对情绪影响的研究，比如红色代表热情，蓝色代表忧郁，这些都让我对如何通过色彩来引导观者的情感有了更具象的认识。书中的案例选择也非常有代表性，涵盖了从古典大师到印象派，再到现代艺术的各个时期，通过不同时期、不同风格的艺术家对光与色的处理方式，展现了光色运用的演变过程。我特别喜欢书中关于如何表现“空气透视”的章节，作者通过分析透纳和莫奈的作品，讲解了如何利用色彩的冷暖、明暗和饱和度来表现远景的朦胧感和空间的深度，这对我一直以来在画远景时遇到的困难提供了绝佳的解决方案。
评分这本书给我的感觉，就像是拥有了一把开启油画创作之门的钥匙，让我对这个充满魅力的领域有了全新的认识。我特别欣赏作者在讲解光与色时所展现出的那种“循序渐进”的教学思路。他从最基本的光影原理开始，然后逐步深入到色彩的构成、调和，再到如何运用光色来表现物体的体积、质感和空间感，整个过程清晰明了，一点也不觉得枯燥。我记得书里有一章专门讲“冷暖色的对比运用”，作者通过分析伦勃朗和莫奈的作品，展示了冷暖色调在营造画面氛围方面的巨大作用。比如，莫奈作品中那些清冷的蓝色和绿色，如何营造出印象派特有的清新、明快的画面感受；而伦勃朗作品中那些温暖的棕色、红色，则如何烘托出画面厚重、深沉的情感。这些对比让我对色彩的情感表达有了更直观的理解。书中还给出了很多非常实用的练习方法，比如如何通过观察自然光线的变化来练习写生，以及如何尝试用不同的色彩组合来表现同一个物体。这些练习让我能够将书本上的知识真正地运用到实践中去，不断提升自己的绘画技艺。
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