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黎炯宗 著

图书标签:

• 歌曲写作
• 流行音乐
• 音乐创作
• 音乐理论
• 歌曲结构
• 作词
• 作曲
• 编曲
• 音乐教学
• 音乐入门

出版社： 武汉大学出版社

ISBN：9787307145924

版次：1

商品编码：11617368

包装：平装

开本：16开

出版时间：2014-12-01

用纸：胶版纸

页数：343

字数：440000

正文语种：中文

内容简介

　　《歌曲写作基础教程》除比较系统地介绍了词、曲写作的基本知识及各种不同类型的歌曲在写作上的不同之外，还谈到了乐曲旋律的修辞、歌曲写作中的“倒字”问题及回避、乐曲旋律中“彩句”的运用等一些迄今为止尚无任何同类书提到过的问题及解决办法。《歌曲写作基础教程》内容翔实，通俗易懂，除可作为歌曲写作课的入门教材外，还可作为从零开始学习歌曲写作的广大读者的自学参考书。

目录

上编 乐理概述
第一章 乐音
第一节 声音的种类及乐音
第二节 音符、音高和乐音体系
第三节 音域、音区
第二章 简谱
第一节 音的高低和长短
第二节 节奏、节拍
第三节 音的强弱与不完全小节
第四节 旋律的行进方向与速度
第五节 简谱记谱中的部分常用记号
第三章 旋律
第一节 乐句、乐段、乐章
第二节 音程
第三节 和弦
第四章 音调与歌曲的节奏
第一节 音调
第二节 歌曲的节奏
第五章 调式
第一节 调式音阶
第二节 大、小调式
第三节 五声调式
第四节 曲调线
第六章 曲式
第一节 歌曲曲子结构的构架原则
第二节 各种曲式的构成
第七章 曲风
第一节 民族歌曲的风格特点
第二节 流行歌曲的风格特点

下编 歌曲写作
第八章 歌词
第一节 歌词的构成与常见的结构形式
第二节 歌词的格调
第三节 歌词写作的选题与立意
第四节 各种不同结构形式的歌词的写作
第五节 歌词的起承转合与篇章 构架
第六节 歌词的用韵与修辞
第九章 乐曲写作概说
第一节 乐曲写作的基本常识
第二节 旋律的酝酿
第三节 旋律的开篇
第四节 旋律的发展
第五节 高潮的推进与全曲的收束
第六节 前奏、引子、间奏、尾奏的写作
第十章 歌曲写作中的“倒字”问题和旋律“彩句”的运用与修辞
第一节 歌曲中的“倒字”问题及回避
第二节 乐曲旋律中“彩句”的运用
第三节 乐曲旋律的修辞
第十一章 各种不同演唱方式的歌曲乐曲的写作
第一节 独唱歌曲与齐唱歌曲乐曲的写作
第二节 男女声对唱与混合唱歌曲乐曲的写作
第三节 盘唱与逞唱歌曲乐曲的写作
第十二章 各种不同功用的歌曲乐曲的写作
第一节 叙事歌曲乐曲的写作
第二节 抒情歌曲乐曲的写作
第三节 进行曲的写作
第四节 舞曲的写作
第五节 给特定的演唱者演唱用的歌曲的写作
第十三章 各种不同风格的歌曲乐曲的写作
第一节 民歌乐曲的写作
第二节 流行歌曲乐曲的写作
第三节 民通歌曲乐曲的写作
后记
参考文献

前言/序言

《旋律的密码：现代音乐编曲实战指南》 图书简介 本书是一本专为有志于深入探索现代音乐制作与编曲技巧的实践者而编写的深度指南。它旨在打破理论与实践之间的壁垒，为读者提供一套系统化、可操作的编曲思维框架和技术工具箱，尤其侧重于当下主流音乐风格（如流行、电子、R&B、独立摇滚等）的核心要素构建。 我们相信，优秀的编曲绝非天赋的随机爆发，而是对音乐元素之间复杂关系的深刻理解与精准控制。本书将带领你从零开始，拆解一首完整歌曲的骨架与血肉，解析不同声部（鼓组、贝斯线、和声铺陈、主导乐器）如何协同工作，以达到情感共鸣与结构张力的最佳平衡。 第一部分：节奏的驱动力——鼓组与律动的构建 本部分深入探讨了节奏在现代音乐中的核心地位。我们不会止步于基础的四四拍讲解，而是聚焦于如何根据歌曲的情绪和风格，设计出具有“人性化”和“推进感”的鼓组模式。 鼓组的音色选择与混响处理： 详细剖析不同风格的底鼓（Kick）、军鼓（Snare）和嗵鼓（Toms）音色库的选择标准，以及如何运用空间效果（如板式混响、房间模拟）使鼓组在混音中占据恰当的位置，既有冲击力又不混乱。 律动与Groove的雕刻： 剖析Swing、Shuffle、Triplet等律动风格的数学原理与听觉感受。重点讲解如何通过微调MIDI音符的时值（Timing）和力度（Velocity）——即“量化”（Quantization）的艺术——来赋予鼓点自然的呼吸感和驱动力，摆脱机械重复的陷阱。 复杂的打击乐层级： 探讨如何引入打击垫（Percussion）、高频镲片（Hi-Hats）和叠音（Fills）来增加节奏的细节和变化，确保在歌曲的不同段落（主歌、副歌、桥段）中，节奏都能提供适宜的能量释放或引导。 第二部分：和声的骨骼——构建情感的基础 和声是音乐的建筑蓝图。本章将超越基础的三和弦知识，专注于现代编曲中更具色彩感和功能性的和声进行。 替代和弦与色彩扩展： 详细介绍如何运用七和弦、九和弦、挂留和弦（Sus chords）以及借用和弦来丰富和声色彩。例如，在流行音乐中，如何巧妙地使用降三级和弦（bVI）来制造情绪的突然转折。 功能性和声的灵活运用： 阐述传统的功能和声（Tonic-Subdominant-Dominant）在现代音乐中的变体应用，特别是如何使用二级属和弦（ii-V-I）的变种来创造更流畅、更具爵士或R&B色彩的进行。 编曲中的和声层次划分： 讨论在多声部进行时，如何分配和声任务给不同的乐器（例如，贝斯演奏根音，钢琴或合成器演奏复杂的内声部），以避免频率冲突，确保和声清晰度。 第三部分：低频的支撑——贝斯线的叙事艺术 贝斯不仅仅是连接和声与节奏的桥梁，它更是歌曲律动感和厚度的关键。 风格化贝斯设计的核心原则： 针对不同风格（如Funky、Dubstep、Acoustic Ballad），设计出适应性强的贝斯线。内容包括如何根据鼓的重音来设计贝斯线的切入点。 合成器贝斯的塑形： 深入解析低频合成器（Sub Bass, Synth Bass）的波形选择（正弦波、锯齿波、方波）及其滤波（Filter）和包络（Envelope）设置，以确保贝斯在小音箱和小耳机中依然保持清晰的“存在感”。 贝斯与底鼓的相位协调： 讲解低频段的混音技术，特别是如何通过侧链压缩（Sidechain Compression）或相位对齐来确保底鼓的瞬态冲击力不会被贝斯淹没，实现清晰有力的“低频碰撞”。 第四部分：旋律的延伸与烘托——乐器编配的策略 本部分聚焦于如何使用丰富的音色资源来烘托主旋律，并使歌曲的段落之间具有明确的区分度。 人声的伴奏策略： 探讨伴奏乐器在主歌（Verse）、副歌（Chorus）和桥段（Bridge）中的动态变化。如何通过递增或递减乐器数量、改变织体密度，来实现“由弱到强”的能量递增。 合成器的纹理与动态： 详细介绍如何使用琶音器（Arpeggiators）、LFO调制和效果器链来创造动态变化的合成器垫底音（Pads）和音效，避免平铺直叙。 动态空间的处理： 讲解如何利用延迟（Delay）和混响的预延迟时间（Pre-Delay）来构建清晰的空间感，使前景乐器（如主唱）与背景音效之间保持明确的前后层次，增强三维听感。 第五部分：结构解构与情绪流向控制 一首成功的歌曲，其结构必须服务于情感的表达。本书提供了拆解和重构歌曲结构的实用工具。 “不落俗套”的段落设计： 分析经典流行歌曲的 AABA 结构、Verse-Chorus-Drop 结构等，并指导读者如何灵活应用这些模板，通过引入过门（Interlude）、加长预副歌（Pre-Chorus）等方式来制造新鲜感。 节奏与和声的密度变化： 讲解如何通过改变每小节的和弦更换速度（Chord Density）或鼓组的复杂性，来自然地标记段落的开始与结束，引导听众的注意力。 母带前准备： 在进入混音阶段之前，讨论如何进行“预混音”的平衡检查，确保所有声部在音量、动态和频谱分布上已经达到了一个健康的工作状态，为后续的最终母带处理打下坚实基础。 《旋律的密码》旨在成为编曲者案头的“作战手册”。它不依赖任何特定的数字音频工作站（DAW），所传授的原则和技巧是跨平台的。通过系统学习和大量实践，读者将能更自信地将脑海中模糊的音乐概念，转化为结构完整、情感饱满、技术精良的现代音乐作品。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我拿到《歌曲创作基础教程》的时候，并没有抱太高的期望，毕竟这类书籍市面上很多，质量参差不齐。但这本书却给我带来了巨大的惊喜。它的语言风格非常亲切，不像一些学术性的书籍那样枯燥乏味，读起来就像和一位经验丰富的音乐人聊天一样。作者用非常接地气的语言，将一些复杂的音乐概念解释得通俗易懂，即使是没有任何音乐基础的初学者，也能轻松理解。我特别喜欢它在讲解歌曲结构时，提出的“故事线”和“情绪弧光”的概念，这让我明白了为什么有些歌曲听起来很有力量，而有些则显得平淡。书里还提供了很多小练习，比如“情绪联想”练习，让我通过文字和画面来激发旋律灵感，这对我帮助很大。而且，它还强调了“倾听”的重要性，鼓励我们多听不同风格的音乐，从中汲取养分。这本书就像一位耐心细致的导师，它不仅教你“怎么做”，更重要的是教会你“为什么这么做”，让你真正理解歌曲创作背后的逻辑和艺术。我感觉这本书的价值远不止于教程本身，它更是一种创作理念的传播，一种音乐精神的启迪。

评分☆☆☆☆☆

终于读完了这本《歌曲创作基础教程》，心情真是五味杂陈。这本书的内容涉及面非常广，从最基础的和声理论讲起，一直延伸到复杂的编曲技巧，简直就像一个行走的音乐百科全书。我特别喜欢它在讲解和弦进行时，举出的那些经典流行歌曲的例子，比如如何用最简单的I-V-vi-IV进行创造出无数脍炙人口的旋律，这让我醍醐灌顶。书里对旋律创作的部分也下了不少功夫，它不仅仅告诉你“写什么”，更强调“怎么写”，比如如何利用音程的跳跃和级进的平稳来制造情感的起伏，如何巧妙地运用动机发展来让旋律更加动听和有记忆点。我尝试着跟着书里的练习，写出了一些自己的旋律片段，虽然还很稚嫩，但能明显感觉到比以前进步了很多。而且，它还花了很大篇幅去讲歌词的创作，这在很多同类书中是比较少见的。作者不厌其烦地分析了押韵、意象、叙事结构等元素，并且提供了很多切实可行的练习方法，这对于我这样觉得写歌词比写旋律还难的人来说，简直是福音。我尤其欣赏的是，它并没有止步于理论的堆砌，而是反复强调实践的重要性，鼓励读者不断去尝试、去犯错、去修改。这本书就像一位循循善诱的老师，它不仅仅传授知识，更重要的是点燃了你创作的激情，让你相信自己也能写出属于自己的好歌。

评分☆☆☆☆☆

这本书的整体感觉非常“实在”。它不像一些华而不实的理论书籍，空泛地谈论艺术，而是充满了具体、可操作的建议和技巧。我特别喜欢它在分析流行音乐编曲时，对“留白”和“层次感”的强调。作者通过对比不同编曲版本的歌曲，清晰地展示了如何运用不同的乐器搭配、节奏变化、以及音量动态来营造出饱满而富有呼吸感的音乐空间。这让我意识到，有时候“少即是多”，一个恰到好处的休止，或者一段精炼的旋律动机，往往比复杂的堆砌更能打动人心。书中关于“旋律与和声的互动”的部分也让我大开眼界，它不再是简单地教授和弦与音阶的对应关系，而是深入探讨了旋律如何“挑战”和声，以及和声如何“呼应”旋律，从而产生更丰富的色彩和张力。我跟着书中的示例，尝试着对自己的旋律进行和声的尝试，并且学习如何通过改变和弦走向来改变旋律的情绪，这个过程既烧脑又有趣。这本书就像一个经验丰富的技师，它不仅告诉你工具怎么用，更告诉你如何用工具去创造出更精美的作品，让我对歌曲创作的理解上升到了一个新的高度。

评分☆☆☆☆☆

阅读《歌曲创作基础教程》的过程，与其说是在学习，不如说是在进行一次深入的自我探索。这本书最大的特点在于，它不仅仅关注歌曲创作的“技术层面”，更深入地探讨了“创作的灵魂”。作者在书中反复强调，好的歌曲不仅仅是技巧的堆砌，更重要的是情感的真挚和思想的表达。他通过大量的例子，展示了如何将个人的情感体验、社会观察，甚至是抽象的哲学思考，转化为动人的旋律和富有深意的歌词。我印象深刻的是关于“意象挖掘”的章节，它引导我如何从生活中细微的触动中找到创作的灵感，如何用更具象、更生动的语言来描绘内心的感受。这本书没有给出标准答案，而是鼓励读者去寻找属于自己的声音，去表达独特的视角。它让我明白，歌曲创作不是模仿，而是创造。我尝试着将书里的一些方法应用到自己的创作中，虽然成品还有很多不足，但整个创作过程变得更加充实和有意义。这本书让我意识到，歌曲创作是一场与自己内心对话的旅程，而这本书，就是这场旅程中最可靠的指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版，对于渴望系统学习歌曲创作的乐迷来说，绝对是及时雨。它不仅仅是一本“教程”，更像是一个完整的“修炼手册”。我印象最深刻的是它在结构设计上的匠心独运。作者并没有按照传统的“乐理-旋律-和声-歌词”的线性思维来展开，而是巧妙地将这些看似独立的元素融合在一起，通过实际的歌曲分析来串联。比如，在讲解一个特定的和弦进行时，会立刻引用一首具体的歌曲，分析它的旋律是如何围绕这个和弦进行的，歌词又是如何表达与之匹配的情感，甚至连编曲上的层次感是如何营造的，都一一剖析。这种“项目制”的学习方式，让我感觉不是在枯燥地学习理论，而是像一个初级的音乐制作人，在真实的项目中学习和实践。书中大量的案例分析，都是选取了大家耳熟能详的经典作品，这使得理论的学习不再抽象，而是充满了画面感和代入感。我跟着书里的步骤，尝试去解构我喜欢的歌曲，再试着去模仿创作，这个过程让我受益匪浅。尤其是关于“情绪曲线”的描绘，作者用非常形象的图表展示了歌曲如何通过节奏、力度、和声色彩的变化来引导听众的情绪，这让我对歌曲的情感表达有了全新的认识。这本书的深度和广度都令人惊叹，它为我打开了一扇通往歌曲创作更深层次世界的大门。