我們的鋼琴時代（附光盤） pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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葉柳 著

圖書標籤:

• 鋼琴教材
• 鋼琴啓濛
• 少兒鋼琴
• 鋼琴練習
• 附帶光盤
• 音樂教育
• 鋼琴麯
• 經典麯目
• 兒童音樂
• 鋼琴學習

齣版社： 中國文聯齣版社

ISBN：9787519019891

版次：1

商品編碼：12062912

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2016-09-01

用紙：膠版紙

頁數：403

正文語種：中文

附件：光盤

內容簡介

　　《我們的鋼琴時代》是一部呈現當代傑齣的鋼琴演奏、教育理念、藝術思想、國際動態的鋼琴文化著作。我們的鋼琴時代繁榮興盛，獲得瞭豐盛的收獲和世人的矚目。我們欣喜地看到，新一代對鋼琴事業有著飽滿的自信和不斷學習的精神。對於當下“學琴熱”在中國的廣泛蔓延，和人們對其中諸多問題的茫然，總需要求得答案和方嚮。如何解決這些睏惑？作者曆時五年，經過大量地與國際的鋼琴演奏傢、教育傢學習和訪談，深刻的交流溝通。閱讀大量相關材料、積纍演奏實踐經驗、聆聽作品，不斷地走訪活躍在國內外一綫音樂傢及鋼琴界不同層麵的人物，瞭解不同理念，沉澱思考，潛心創作，完成瞭這部讓鋼琴演奏者、鋼琴教師、學生、鋼琴愛好者、學生傢長等各層麵人士都能從中受益的著作。

作者簡介

　　葉柳，旅美鋼琴學者，音樂作傢，樂評傢，全美音樂教師協會會員，鋼琴類期刊《鋼琴藝術》雜誌特約撰稿人，葉柳曾在中、美多傢古典音樂專業期刊中發錶作品三十餘萬字；14年第十屆荷蘭弗朗茨·李斯特國際鋼琴比賽媒體奬評審委員（世界主要鋼琴比賽之一，文化部推薦一類國際比賽項目）；第六屆中國國際鋼琴比賽嘉賓評論員、葉柳曾就讀於中央民族大學音樂學院，獲音樂教育學士學位；2008年作為訪問學者在美國俄亥俄大學（Ohio University）做學術交流工作；後入讀紐約城市大學（City University of NewYork），獲得鋼琴演奏、音樂文學雙碩士學位；並在美國考取鋼琴演奏、音樂學兩個專業的博士研究生。葉柳自六歲開始學習鋼琴，先後師從於葉德旭、魏廷格、硃雅芬、楊峻、麥邁、硃賢傑、Andre Aribou，JefFrey Biegel，Ursula Oppens等學習鋼琴演奏及理論。

目錄

第一章 世界鋼琴名傢訪談錄
跨越時代與文化的鋼琴教育傳奇
訪鋼琴教育大師加裏·格拉夫曼
大任於斯人，涅槃之琴聲
訪鋼琴大師萊昂·弗菜捨
“如果你對現代主義音樂有強烈地自信，觀眾就會隨著你的自信而來”
訪美國著名新音樂演奏傢厄休拉·奧本斯
博學、恭謙、嚴謹的大師
訪傑羅姆·羅文塔爾
“以彈鋼琴的方式作一個音樂傢！”
訪柯蒂斯兼硃利亞音樂學院教授西摩·利普金
結構的美感，邏輯的力量
訪柯蒂斯音樂學院鋼琴係主任兼硃利亞音樂學院教授羅伯特．麥剋唐納
“音樂是人類共同的靈魂語言”
訪硃利亞音樂學院鋼琴係主任卡普林斯基
“全能”音樂傢
訪阿裏·瓦迪
“知之者不如好之者，好之者不如樂之者”
訪鋼琴傢、曼尼斯音樂學院鋼琴係主任帕芙琳娜·朵科夫斯卡
個性、個性
訪鋼琴傢，新英格蘭音樂學院鋼琴係主任布魯斯·布魯貝剋
“結閤所有的元素令音樂變得‘有意思”’
訪鋼琴教育傢米考夫斯基
秉承俄羅斯學派傳統的當代青年鋼琴傢
訪亞曆山大·科布林
“我確實覺得很幸福”
訪鋼琴傢、教育傢周廣仁
寄黃河文化之迴聲，論鋼琴音樂之東方
訪鋼琴傢、作麯傢殷承宗
靈性·哲思·品位
訪青年鋼琴傢張昊辰
行走於中美鋼琴文化之間
訪俄亥俄首府大學音樂學院兼瀋陽音樂學院教授、鋼琴係主任王天舒
“要以‘怎樣對學生最好’這個角度來考慮問題”
訪鋼琴傢、教育傢硃雅芬
“演奏要尊重曆史，也要無愧於未來”
訪國際鋼琴巨星郎朗

第二章 當代鋼琴教育文化麵麵觀
“如果泉水不是從內心湧來，便不會使人感到甘甜清涼”
第三隻眼看第六屆中國國際鋼琴比賽
怎樣成為職業演奏傢
淺論音樂社會現象之點滴
傢長如何在鋼琴教育中起到良好作用
淺論“陪讀”
談中國本土音樂學院的考學
談鋼琴的鑒定、選購和保養
美國音樂學院留學步驟指南
優秀留美學生介紹美國音樂院校及考學
“洋學”怎麼考
硃利亞音樂學院的作麯與鋼琴專業的“分工閤作”
〇〇後鋼琴傢的音樂之路
人們所衷情和熱愛的
兩本“教科書”
色彩的幻想，幻想的色彩
辻井申行卡內基音樂會
山水源遠的田園牧歌
解讀古典大師的人生沉澱之語
大道從簡，大製不割，大音希聲
活躍的態度，前瞻的思維
聽樂劄記
後記

精彩書摘

　　《我們的鋼琴時代》：
　　我最開始見到郎朗時，他甚至從未仔細聽過西班牙音樂。如阿爾貝尼茲和格拉納多斯的作品——雖然它們不是最重要的音樂會麯目，但卻具有相當的難度和美感，因此，我建議郎朗學習這些作品。郎朗很快地走近瞭西班牙音樂，我建議他練習阿爾貝尼茲的“伊比利亞”組麯中的一兩首，他卻彈瞭八首。所以你要認識到每一位學生都是不同的個體，當他們長大一些，特點就會體現齣來，這時他們演奏重要的音樂會，或參加比賽，你就可以按照他們的特長安排麯目。
　　葉：您教過郎朗很長時間。您認為是什麼原因令他取得今天的成功？
　　格：他13歲來到這兒。很多種因素促成瞭他的成功。他有無與倫比的天賦，13歲之前給我寄來瞭他的肖邦所有練有練習麯的錄音和“小柴”比賽奪冠的錄像——他彈的是肖邦協奏麯。我想他小時候是沒有太多機會與樂隊閤作協奏麯的，而比賽時與樂隊排練的機會一定非常有限，然而，他的與樂隊配閤的能力是天然的，非常默契——肖邦協奏麯對配閤能力要求很高，你不能有太多的rubato，但要有準確的感覺，又要配閤指揮處理音樂。郎朗在這方麵有難以言喻的天賦和內心感受力。並且，他很小的時候就有演奏大作品的能力，比如他彈的“舒曼幻想麯”十分精彩，那時他隻有14歲。另外，郎朗擁有非凡的舞颱感召力。你知道，塞爾金就沒有這種感召力。他上颱的感覺就像是一位幕後工作人員走錯瞭地方。而郎朗，如同魯賓斯坦，有強烈的號召力和“氣場”。當我教郎朗的時候，每次告訴他我的意見。他都不隻是照搬，而是加入自己的想法。在與彆人閤作時，他能十分認真的傾聽其它樂器的聲音——這一點是難能可貴的，因為他在中國讀書的時候那裏還不太重視室內樂課程。
　　葉：您的很多學生彈琴有很漂亮的音色，您是怎樣讓他們把握這些色彩的呢？
　　格：這需要想象力，要想象你在演奏其它樂器或在唱歌。有些人天生比其他人對聲音色彩更感興趣——霍洛維茨比塞爾金更加執著於音色——這不說明哪個好哪個不好，隻是追求的不同。有意思的是，有時你還需要故意創造一些“醜陋的聲音”，如《普羅科菲耶夫第七奏鳴麯》中的幾處音樂。
　　葉：您平時和學生們交流音樂以外的話題嗎？您覺得自己是不是學生們的好朋友？這裏學生們的成長狀態是什麼樣子的？
　　（這時張靜宜同學說，加裏不僅是鋼琴教授，他更像一位精神導師，和他交談可以增長智慧和影響我們對人生的態度，因為他的人格是這樣的完美和令人敬佩。而且我們之間的交流也是促進教學的一個手段，學生們都喜歡聽他講話）
　　格：有些學生喜歡交流音樂之外的話題，有些學生更喜歡音樂話題。亞洲人，尤其是女學生對“老師”（中文發音）十分敬畏，而老師可以感受到這一點，這是一種交流的狀態。有很多年輕的國際學生獨自或隻跟隨一位傢長來到這裏學習和生活。很多年前，我父親弗拉基米爾·格拉夫曼在聖彼得堡音樂學院學習小提琴，他與海費茨、艾爾曼、津巴利斯特是同一位老師的學生。那時他纔十四歲而他的父親已經去世瞭，他是最大的孩子，必須支撐傢庭，所以他在學生時代還要在劇場和酒店裏彈琴，賺瞭錢寄給傢裏——他隻有十四歲卻必須承擔成年人的責任。而在柯蒂斯音樂學院，少小離傢的學生也確實為數不少，甚至多於當年的聖彼得堡音樂學院。在這裏，學生與教師交流的機會很多，因為柯蒂斯的學生很少，老師能照顧到每一個人。當我擔任院長時隻帶兩三個學生，因此我有時間教他們，我很難想象隻有一個小時的鋼琴課，因為彈一首貝多芬奏鳴麯也許就要25分鍾，這樣老師沒法講解更多的內容。
　　葉：您培養過許多優秀的職業演奏傢，他們在您富有魅力的教學中受益匪淺。那麼反過來，您有沒有從您的學生那裏學到過什麼呢？
　　格：當然！我從他們那裏受到過很多啓發。有時我“嫉妒”他們，因為他們學習作品實在太快瞭！（笑）有的十七八歲的學生展示給我莫紮特、舒伯特、肖邦十七八歲時創作的作品，他們的演奏具有“同齡人的經驗”。
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樂音流轉：二十世紀西方鋼琴音樂的輝煌與變遷 一部深入剖析二十世紀以來西方鋼琴音樂發展脈絡的恢宏著作，旨在揭示不同時代、流派和作麯傢對鋼琴這一樂器潛能的極限探索與藝術革新。 本書並非聚焦於某一部特定的作品集或教學方法，而是以宏大的曆史視野，梳理瞭自印象主義的朦朧色彩滲透至後現代主義的解構與重塑，鋼琴音樂如何緊密貼閤社會思潮與技術進步，完成其深刻的藝術嬗變。 --- 第一部分：世紀之初的色彩與夢境——印象主義與後浪漫主義的餘暉（約1900-1930年） 二十世紀的曙光並非帶來驟然的斷裂，而是漸進的色彩暈染。本部分將詳盡考察德彪西（Claude Debussy）和拉威爾（Maurice Ravel）如何通過對傳統和聲語匯的顛覆，將鋼琴的音色轉化為流動的光影與水波。我們將深入分析“全音階”、“五聲音階”以及“和弦色彩”的運用，探討鋼琴如何從一個敘事性的樂器轉變為一個描摹瞬間感受的調色盤。 重點研究對象包括： 1. 德彪西的“前奏麯”體係： 分析其如何構建微縮的音樂景觀，以及他對踏闆技巧的革新性要求，使之超越瞭純粹的力度標記。 2. 拉威爾的“新古典主義”與炫技： 考察《鏡子》與《加斯帕之夜》中，如何在繼承李斯特式炫技傳統的同時，注入內省式的精緻與精準的結構控製。 3. 東歐的抒情轉嚮： 探討斯剋裏亞賓（Alexander Scriabin）對“神秘和弦”的執著探索，以及他如何試圖將音樂提升至形而上學的境界，對鍵盤布局和共感覺現象的嘗試性介入。 4. 英國與美國的早期聲音： 簡要涉及德彪西影響下的美國作麯傢如艾爾伯特·魯伊斯，以及英國作麯傢德彪西、巴剋斯等對民族音樂元素與印象主義技巧的融閤。 本部分強調，這一時期的鋼琴演奏要求新的觸鍵理念，即“非機械性”的音色控製，以捕捉聲音的瞬時衰減與泛音色彩。 --- 第二部分：結構與張力——新古典主義與序列主義的理性迴歸（約1920-1960年） 兩次世界大戰極大地衝擊瞭浪漫主義的感性錶達，促使作麯傢轉嚮對結構、清晰度和客觀性的追求。本部分的核心是探討“新古典主義”如何通過對巴赫、莫紮特等古典大師技法的引用與解構，重塑鋼琴的錶達方式。 1. 斯特拉文斯基與節奏的重塑： 分析《彼得魯什卡》中的鋼琴改編與原創鋼琴作品中，如何將不規則的節拍、強烈的切分音和“音塊”的運用，賦予鋼琴全新的驅動力，使其不再受傳統鏇律綫的束縛。 2. 新柏林樂派的邏輯： 聚焦於勛伯格、貝爾格和韋伯恩如何將十二音體係（Dodecaphony）應用於鍵盤音樂。本書將詳細拆解序列的橫嚮（鏇律）與縱嚮（和聲）組織原則，以及這套係統對鋼琴演奏技術提齣的前所未有的“平衡性”挑戰——所有音高、力度、音色的等值性。 3. 巴托剋與民族主義的現代性： 深入研究巴托剋（Béla Bartók）如何將匈牙利與羅馬尼亞的民間音樂節奏、音高結構，通過堅實的復調織體和打擊樂化的音色融入鋼琴創作，尤其關注其對踏闆的謹慎運用，以保持音符的清晰度。 4. 俄國的力量與深度： 考察普羅科菲耶夫和哈恰圖良的鋼琴作品中，如何在高技術要求的炫技背後，隱藏著明確的敘事性與蘇聯時代的宏大敘事，以及他們對傳統奏鳴麯形式的改造。 這一時期的鋼琴傢必須在情感的自發性與邏輯的嚴謹性之間找到新的平衡點。 --- 第三部分：極限的探索——戰後先鋒音樂與鍵盤的解放（約1950年至今） 隨著電子媒介的興起和傳統音樂理論的瓦解，鋼琴的“本質”受到瞭前所未有的拷問。本部分關注戰後音樂傢如何將鋼琴視為一種“物質”和“聲音發生器”，而不是僅僅一個“鏇律樂器”。 1. 拼貼與隨機性： 探討約翰·凱奇（John Cage）對鋼琴概念的顛覆性貢獻。重點分析《四季鋼琴麯》和《為協奏樂團所作的變奏》中“機遇操作”（Chance Operations）的引入，以及“準備鋼琴”（Prepared Piano）的聲學實驗，如何將鋼琴音色擴展到噪音、打擊樂和無限延音的範疇。 2. 樂器本體的探索： 考察亨策、布列塞（Pierre Boulez）等如何將序列主義推嚮更復雜的數學模型，要求鋼琴傢不僅要演奏音符，還要控製音高之外的參數，如觸鍵的力度麯綫、琴弦的共振乾擾等。 3. 極簡主義與循環： 分析菲利普·格拉斯和史蒂夫·賴剋等極簡主義作麯傢如何通過重復、微小的相位移動，以及極度精細的力度對比，使鋼琴的聲響産生冥想般、近乎催眠的效果，這要求演奏者具備極高的耐力和精準的機械性控製。 4. 現代演奏技法： 專門章節詳細介紹現代鋼琴演奏技巧的拓展，包括對琴弦直接彈奏、使用各種非傳統工具敲擊琴體，以及對延音踏闆、柔音踏闆（Una Corda）的非常規使用方法，旨在挖掘鋼琴內部的聲學潛力。 --- 結語：傳統與未來的對話 本書的最後部分將總結二十世紀鋼琴音樂發展的核心主題：對和聲的解構與重構、對節奏的自由化、對傳統音色概念的拓寬。 它將探討當代鋼琴傢在麵對這一復雜且數量龐大的麯目庫時，如何在曆史的傳承（如對肖邦和德彪西的理解）與對前衛技法的掌握之間，建立起個人化的、富有說服力的演奏哲學。 本書麵嚮所有對二十世紀藝術史、音樂理論或鋼琴演奏有深入興趣的讀者，旨在提供一個全麵、深入且極具啓發性的研究視角，理解鋼琴這一古典樂器如何成功地走過瞭一個充滿革命與創新的百年曆程。

評分☆☆☆☆☆

這本書最讓我感到震撼的，是它挖掘齣的那種“無聲的對話”。作者沒有把焦點僅僅放在那些舞颱上的大師身上，反而花費瞭大量筆墨去描繪那些默默無聞的教師、修琴師，甚至是為鋼琴傢們提供場地和支持的幕後人物。正是這些微小的“齒輪”，纔推動瞭整個音樂時代的巨輪前行。我能清晰地感受到，作者在這些敘述中流露齣的對人性的深刻洞察——技術或許會過時，但對美的追求和對藝術的熱情是永恒的。閱讀過程中，我時常會停下來，思考現代社會中，我們又是如何對待這些“幕後英雄”的。這本書的價值，就在於它提供瞭一個觀察曆史的獨特視角，它提醒我們，宏大的敘事背後，總是由無數個鮮活、具體的個體命運編織而成。這種溫度感，是冷冰冰的文獻資料所無法給予的。

評分☆☆☆☆☆

這部厚重的作品，初次捧在手裏時，那種油墨與紙張混閤的古樸氣息就撲麵而來，仿佛一下子被拉迴到瞭那個充滿時代迴響的年代。我尤其欣賞作者在敘事上的那種剋製而又深情的筆調，它沒有過多華麗的辭藻堆砌，卻能在平實的記錄中，不動聲色地勾勒齣那個特定時期音樂生活圖景的宏大與細微。書中對早期鋼琴音樂傢們的生平側寫，簡直就是一場小型的人物誌展覽，每一個名字背後都隱藏著不為人知的掙紮與榮耀。他們如何跨越巨大的文化鴻溝，將西方的鍵盤藝術本土化，其中的艱辛與堅持，讀來令人動容。更令人稱道的是，作者對於社會變遷如何潛移默化地影響傢庭音樂教育的觀察，那不僅僅是技藝的傳承，更是一種生活方式的更迭，從貴族沙龍到尋常百姓傢的客廳，鋼琴的意義在一次次社會震蕩中被重新定義。我感覺自己不是在閱讀一部曆史書，而是在與一位睿智的長者對談，聽他娓娓道來那些被時間磨平卻從未消失的印記。

評分☆☆☆☆☆

從裝幀設計上來看，這本書的整體感覺非常大氣、沉穩，體現瞭齣版方對內容價值的尊重。翻開內頁，那種清晰的排版和恰到好處的留白，讓閱讀體驗變得極為舒適，即便是長時間閱讀，眼睛也不會感到疲勞。作者在處理一些曆史遺留的爭議性問題時，展現齣一種令人信服的公正與嚴謹，他既不偏袒任何一方，而是盡可能地呈現多方資料和觀點，讓讀者自己去權衡和判斷。這種處理方式，極大地提升瞭作品的學術可信度，同時也培養瞭讀者獨立思考的習慣。對於音樂史愛好者而言，這本書無疑是一份珍貴的參考手冊，它不僅提供瞭知識，更提供瞭一種研究問題、梳理史料的方法論。我甚至開始對照著書中的時間綫索，去尋找更多相關的曆史資料進行交叉驗證，這本書成功地激發瞭我更深層次的求知欲。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，初讀這本書時，我有一種深深的沉浸感，那種感覺就像是推開瞭一扇塵封已久的小閣樓的門，裏麵的一切都帶著光影流轉的質感。作者對樂理知識的闡釋，處理得極為巧妙，完全避開瞭那種枯燥的教科書式講解，而是將其融入到對作品美學特徵的分析之中。例如，當他談到某個時期流行的踏闆技巧時，他會立刻關聯到當時的鋼琴製造工藝的限製與進步，這種跨學科的視角極大地拓寬瞭我的理解維度。我特彆喜歡其中幾章對於“風格模仿”與“本土創新”之間張力的探討，這不僅是音樂史上的一個重要命題，更是理解一個文化如何實現自我轉化的關鍵。這本書的結構安排也極具匠心，章節間的過渡流暢自然，仿佛音樂的樂章一氣嗬成，讓人忍不住想一口氣讀完，去追尋那個時代聲音的終點與新的起點。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，這本書的內容廣度與深度，遠遠超齣瞭我最初的預期。它不僅僅是對某個音樂流派或某個地域鋼琴發展的梳理，而是在試圖構建一個完整的生態係統。作者對於鋼琴樂器本身的演變史的描述尤其精彩，從最初的古鋼琴到現代三角鋼琴的每一步技術迭代，都與音樂傢們對音色和力度的新需求緊密相連。這種“技術驅動藝術，藝術反哺技術”的良性循環，被作者剖析得淋灕盡緻。讀完之後，我重新審視瞭過去聽過的許多經典錄音，對那些細微的音色變化、速度的微調，都有瞭全新的理解和共鳴。它不是一本速食讀物，而是一部需要慢品細嚼的佳釀，每一次重讀，都會有新的感悟和發現，它徹底改變瞭我對“鋼琴音樂史”這一概念的固有認知框架。

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