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鍾大豐 著

圖書標籤:

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• 電影教學
• 電影文化
• 藝術
• 傳媒

齣版社： 東方齣版社

ISBN：9787506098236

版次：1

商品編碼：12335348

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2018-03-01

用紙：純質紙

頁數：160

編輯推薦

適讀人群 ：文學愛好者、白領階層、醫患群體、社會各階層。

本書包含瞭影戲劇本的方方麵麵，具有極其珍貴的價值，對我們瞭解電影早期劇本有重要意義。

內容簡介

本書包括影戲學、編劇學、導演學、攝影學四大部分，各部分又有細分，影戲學從影戲（即電影）一詞的源頭開始講起，講瞭影戲的曆史、原質、使命、優點、劣點、前途等，編劇學部分講瞭電影的創作、幕錶分寫法、影戲的內容、劇本的本來麵目等內容，導演學主要講導演的任務、導演的職能、設計準備、演員的支配、開拍前的練習、怎樣對待演員、導演的分場以及注意事項等，攝影學則主要介紹瞭我國電影發展初期的攝影場、攝影機的構造、攝影術和反片、正片。

作者簡介

編者鍾大豐，曾四次獲省部級奬，作者是 *一批電影專業碩士之一，1985 年起在北京電影學院文學係任教至今，其在在中國電影研究的領域內的研究在國內外都産生瞭較大的影響。

前言/序言

《光影煉金術：解析敘事結構與視聽語言的百年實踐》 圖書簡介 這是一部深入剖析電影製作核心技藝的專業著作，旨在為電影學研究者、編劇、導演、剪輯師以及所有對電影藝術抱有深厚熱情的愛好者，提供一套係統、全麵且極具實踐指導意義的知識框架。本書聚焦於“如何講好一個故事”以及“如何通過影像高效地傳達情感與信息”這兩個電影藝術的基石，摒棄空泛的理論說教，著重於對百年電影史上那些被反復驗證的敘事結構、鏡頭運用和聲音設計的經典範例進行拆解與重構。 全書結構嚴謹，分為四大核心闆塊，層層遞進，力求構建起一座從概念到執行的完整橋梁。 --- 第一部：敘事內核與結構矩陣——故事的骨骼構建 本部分著重探討電影敘事作為一種藝術形式的內在邏輯與外在錶現。我們不滿足於對“三幕劇”的簡單復述，而是深入挖掘其背後隱藏的結構哲學，並將其置於更廣闊的敘事譜係中進行考察。 第一章：原型結構與敘事心理學 本章首先追溯神話、史詩與民間傳說在現代電影敘事中的迴響，分析約瑟夫·坎貝爾的“英雄之旅”在不同文化背景下的變奏與挑戰。重點剖析非綫性敘事（如倒敘、閃迴的精準介入時機）如何服務於人物的內在衝突，而非僅僅是風格上的炫技。我們將通過分析費裏尼、昆汀·塔倫蒂諾等導演的作品，探討如何通過破碎的時間軸來增強懸念和主題的復雜性。 第二章：衝突的密度與張力管理 電影的驅動力在於衝突。本章細緻區分瞭外部衝突（人與人、人與環境）和內部衝突（人與自我）的層次性。探討如何通過“高概念”設定來確立初始衝突的強度，並精妙地設計“層疊衝突”——即在主要情節綫索推進的同時，輔以次要人物的情感糾葛，確保故事的每個片段都具備足夠的張力。詳細分析“劇情的轉摺點”（Plot Points）是如何精確地調整觀眾的預期，實現敘事節奏的疾徐變化。 第三章：人物弧光與動機的透視 優秀的角色是故事的載體。本章超越瞭對人物性格的簡單描述，轉嚮對“人物弧光”（Character Arc）的動態構建。我們運用心理學模型，解析角色的“需求”（Need）與“渴望”（Want）之間的內在矛盾，以及環境壓力如何迫使角色做齣關鍵選擇，從而實現不可逆轉的轉變。重點案例分析將涉及對復雜反派和灰色人物的塑造，探討如何通過微妙的動作和對白來暗示其未被言明的動機。 --- 第二部：視聽語言的語法——鏡頭、運動與空間構建 敘事是骨架，視聽語言則是賦予骨架血肉的媒介。本部分將電影視為一種高度濃縮的視覺語言，拆解其基礎語法和高階錶達技巧。 第四章：鏡頭的內在含義與功能 本章對各種景彆（特寫、中景、全景等）的心理學效應進行量化分析。探討焦距的選擇（廣角、標準、長焦）如何扭麯或固化空間感，進而影響觀眾對場景的感知。特彆關注“不可見”的鏡頭語言——何時應該使用長鏡頭以體現時間流逝的真實感和錶演的完整性，何時應該使用跳切來製造衝擊或錶達主觀感受。 第五章：運動的節奏與調度哲學 鏡頭運動不僅僅是跟隨，它本身就是一種敘事行為。本章係統梳理瞭平移（Pan）、橫滾（Tilt）、跟拍（Tracking）、搖攝（Dolly）等基本運動的用法。深入研究“運動與靜止”的辯證關係——例如，在緊張的對話場景中，極其細微的推拉鏡頭如何捕捉到人物情緒的波動。對“視綫內空間”（Mise-en-scène）的調度進行深入探討，解析如何利用前景、中景、後景的層次關係來引導觀眾的注意力焦點。 第六章：場麵調度與空間心理學 本章聚焦於如何在二維畫麵中創造三維空間的可信度與情感張力。解析如何利用布景、燈光和演員的相對位置，在不使用任何對白的情況下，暗示權力關係、情感疏離或親密連接。我們將分析特定類型的空間（如走廊、密室、開闊地）對敘事情緒的特定影響，以及如何通過空間設計來預示角色的命運。 --- 第三部：聲音的維度——聽覺世界的建築師 聲音在電影中常常被低估，但它卻是構建沉浸感和操控情感最直接的工具之一。本部分將聲音設計提升到與畫麵同等重要的地位進行研究。 第七章：對白、音樂與環境音的交響 本章區分瞭三類聲音元素的功能：對白（信息傳遞）、音樂（情感渲染）和環境音（真實感構建）。重點解析“音樂的潛颱詞”——如何通過配樂的調性、節奏變化來強化或反諷畫麵內容。我們將分析“無聲時刻”的力量，即刻意的寂靜如何放大聽覺感知，製造極端的壓迫感或內心戲。 第八章：聲音的層次與空間定位 聲音的混閤與平衡是聲音設計的核心。本章詳細介紹瞭聲音的層次化處理（Foreground, Midground, Background）。通過對白聽的案例，研究如何通過混響、延遲和聲像定位（Panning）技術，在聽眾的腦海中構建齣逼真的三維聲場，使觀眾能夠“聽見”物體的位置和移動，從而極大地增強鏡頭的寫實力。 --- 第四部：剪輯的魔力——時間的重塑者 剪輯是電影製作的最終“煉金術”，它決定瞭影片的呼吸、速度和意義的最終生成。 第九章：連續性與非連續性剪輯 本章係統梳理瞭“180度法則”等經典連續性剪輯的規則及其存在的理由。隨後，著重探討打破規則的藝術——跳切、L型剪輯、J型剪輯在不同類型片中的應用，以及它們如何服務於主題錶達。分析節奏的控製，即通過剪輯點的長短來精確調控觀眾的心跳頻率。 第十集：主題的視覺聚閤與濛太奇的哲學 本章將剪輯提升至哲學層麵，探討愛森斯坦的“衝突濛太奇”如何創造齣高於單個鏡頭的全新意義。重點分析通過“對比濛太奇”和“平行濛太奇”來建立復雜的對比和象徵意義。最終，本部分總結瞭剪輯師如何作為“終極作者”，在數韆個鏡頭碎片中，將導演的意圖塑造成一個統一且震撼人心的光影整體。 --- 本書力求以紮實的理論為基石，輔以大量來自全球影史的經典案例分析，確保讀者在掌握電影語言的“詞匯”和“語法”的同時，更能理解如何運用這些工具，實現富有個人洞見和藝術衝擊力的電影錶達。它不是一部關於“如何使用軟件”的技術手冊，而是一部關於“如何思考影像”的深度指南。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版和設計簡直是視覺享受，拿在手裏就捨不得放下。封麵設計很有質感，內頁的插圖和圖錶也非常精美，看得齣來齣版社在裝幀上下瞭大手筆。更重要的是，內容的組織結構非常清晰流暢，章節之間的過渡自然得就像電影場景的無縫切換。我特彆欣賞作者在講解一些比較晦澀的電影理論時，會配上非常直觀的示意圖或者手繪草圖，這極大地降低瞭理解門檻。比如，它對場麵調度（Blocking）的講解，如果不是配上那些詳細的舞颱布局圖，我可能光靠文字描述是很難想象的。這本書完全顛覆瞭我對“教科書”的刻闆印象，它更像是一本精心製作的藝術畫冊，充滿瞭對電影的熱愛和敬意。我甚至已經開始期待作者的下一部作品瞭，希望也能有這樣精美的製作水準。

評分☆☆☆☆☆

哇，這本書真是齣乎我的意料！我本來以為會是一本枯燥的理論堆砌，結果發現它簡直就是一本通往電影世界的“百科全書”。作者的敘事方式太有感染力瞭，感覺不是在看書，而是在跟著一位經驗老到的導演在片場手把手教你。從最基礎的鏡頭語言到復雜的剪輯技巧，每一個知識點都被講解得深入淺齣，而且還穿插瞭大量的經典案例分析，讓你在學習的同時，還能欣賞到電影藝術的魅力。我尤其喜歡它對“濛太奇”的闡述，那種層層遞進的分析，讓我對電影敘事有瞭全新的認識。讀完之後，再看任何一部電影，都會有一種豁然開朗的感覺，仿佛打開瞭上帝視角，能看透導演的每一個精心設計。對於那些想從“觀眾”晉升為“內行”的朋友來說，這本書絕對是不可多得的寶藏。它不僅僅是教你怎麼“看”電影，更是教你怎麼“思考”電影，那種思維上的提升，是其他同類書籍很難給予的。

評分☆☆☆☆☆

我得說，這本書的深度和廣度都令人印象深刻，它絕不是那種隻停留在皮毛的入門讀物。作者似乎對世界電影史瞭如指掌，從早期默片時代的實驗，到好萊塢黃金時代的敘事規範，再到歐洲藝術電影的革新，每一個流派和思潮都被巧妙地串聯起來，形成瞭一張宏大的電影發展脈絡圖。我特彆贊賞作者的批判性思維，他不僅介紹瞭各種技術和理論，更引導讀者去思考這些技術背後的文化動因和社會背景。讀到關於“作者論”的那一章時，我簡直被那種對導演主體性的深刻挖掘所震撼。這本書的價值在於，它能拓寬你的視野，讓你不再局限於某一種固定的觀影模式，而是能夠以更加多元和包容的心態去接納和欣賞不同地域、不同時代的電影作品。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格非常活潑，一點也不“學院派”，讀起來輕鬆愉快，完全沒有傳統理論書籍那種讓人昏昏欲睡的感覺。作者仿佛是一位你身邊的資深影迷朋友，用最接地氣、最幽默的語言，跟你分享他多年來看片的心得和體會。我尤其喜歡那些帶有個人色彩的點評，比如他對某位特定導演的偏愛或者偶爾流露齣的“小吐槽”，這些都讓閱讀過程充滿瞭趣味性。它沒有刻意去拔高自己的身段，而是真誠地想把知識分享給每一個人。對於像我這樣，雖然喜歡看電影，但對技術細節不太敏感的“普通愛好者”來說，這種沒有距離感的講解方式簡直是福音。它讓你覺得，原來電影藝術並非高不可攀，隻要有熱情，人人都可以走近它。

評分☆☆☆☆☆

這本書最讓我感到驚喜的是，它非常注重實操性和案例的可操作性。它沒有僅僅停留在理論層麵，而是深入探討瞭從前期策劃到後期發行的各個環節中，關鍵決策是如何做齣的。書中提供的許多“場景模擬”和“決策樹分析”特彆實用，讓我對一部電影的誕生過程有瞭立體化的認知。比如，它詳細分析瞭某部著名商業大片在劇本修改階段，製片方是如何權衡藝術錶達與市場接受度的，這種幕後的博弈過程讀起來引人入勝。對於有誌於投身影視行業的朋友來說，這本書提供的不僅僅是藝術知識，更是一份行業生態的指南。它教會你如何在理想和現實之間找到平衡點，這種商業與藝術的結閤探討，是許多純粹理論書所缺乏的寶貴視角。