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☆☆☆☆☆

钟大丰 著

图书标签:

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• 视听语言
• 电影教学
• 电影文化
• 艺术
• 传媒

出版社： 东方出版社

ISBN：9787506098236

版次：1

商品编码：12335348

包装：平装

开本：16开

出版时间：2018-03-01

用纸：纯质纸

页数：160

编辑推荐

适读人群 ：文学爱好者、白领阶层、医患群体、社会各阶层。

本书包含了影戏剧本的方方面面，具有极其珍贵的价值，对我们了解电影早期剧本有重要意义。

内容简介

本书包括影戏学、编剧学、导演学、摄影学四大部分，各部分又有细分，影戏学从影戏（即电影）一词的源头开始讲起，讲了影戏的历史、原质、使命、优点、劣点、前途等，编剧学部分讲了电影的创作、幕表分写法、影戏的内容、剧本的本来面目等内容，导演学主要讲导演的任务、导演的职能、设计准备、演员的支配、开拍前的练习、怎样对待演员、导演的分场以及注意事项等，摄影学则主要介绍了我国电影发展初期的摄影场、摄影机的构造、摄影术和反片、正片。

作者简介

编者钟大丰，曾四次获省部级奖，作者是 *一批电影专业硕士之一，1985 年起在北京电影学院文学系任教至今，其在在中国电影研究的领域内的研究在国内外都产生了较大的影响。

前言/序言

《光影炼金术：解析叙事结构与视听语言的百年实践》 图书简介 这是一部深入剖析电影制作核心技艺的专业著作，旨在为电影学研究者、编剧、导演、剪辑师以及所有对电影艺术抱有深厚热情的爱好者，提供一套系统、全面且极具实践指导意义的知识框架。本书聚焦于“如何讲好一个故事”以及“如何通过影像高效地传达情感与信息”这两个电影艺术的基石，摒弃空泛的理论说教，着重于对百年电影史上那些被反复验证的叙事结构、镜头运用和声音设计的经典范例进行拆解与重构。 全书结构严谨，分为四大核心板块，层层递进，力求构建起一座从概念到执行的完整桥梁。 --- 第一部：叙事内核与结构矩阵——故事的骨骼构建 本部分着重探讨电影叙事作为一种艺术形式的内在逻辑与外在表现。我们不满足于对“三幕剧”的简单复述，而是深入挖掘其背后隐藏的结构哲学，并将其置于更广阔的叙事谱系中进行考察。 第一章：原型结构与叙事心理学 本章首先追溯神话、史诗与民间传说在现代电影叙事中的回响，分析约瑟夫·坎贝尔的“英雄之旅”在不同文化背景下的变奏与挑战。重点剖析非线性叙事（如倒叙、闪回的精准介入时机）如何服务于人物的内在冲突，而非仅仅是风格上的炫技。我们将通过分析费里尼、昆汀·塔伦蒂诺等导演的作品，探讨如何通过破碎的时间轴来增强悬念和主题的复杂性。 第二章：冲突的密度与张力管理 电影的驱动力在于冲突。本章细致区分了外部冲突（人与人、人与环境）和内部冲突（人与自我）的层次性。探讨如何通过“高概念”设定来确立初始冲突的强度，并精妙地设计“层叠冲突”——即在主要情节线索推进的同时，辅以次要人物的情感纠葛，确保故事的每个片段都具备足够的张力。详细分析“剧情的转折点”（Plot Points）是如何精确地调整观众的预期，实现叙事节奏的疾徐变化。 第三章：人物弧光与动机的透视 优秀的角色是故事的载体。本章超越了对人物性格的简单描述，转向对“人物弧光”（Character Arc）的动态构建。我们运用心理学模型，解析角色的“需求”（Need）与“渴望”（Want）之间的内在矛盾，以及环境压力如何迫使角色做出关键选择，从而实现不可逆转的转变。重点案例分析将涉及对复杂反派和灰色人物的塑造，探讨如何通过微妙的动作和对白来暗示其未被言明的动机。 --- 第二部：视听语言的语法——镜头、运动与空间构建 叙事是骨架，视听语言则是赋予骨架血肉的媒介。本部分将电影视为一种高度浓缩的视觉语言，拆解其基础语法和高阶表达技巧。 第四章：镜头的内在含义与功能 本章对各种景别（特写、中景、全景等）的心理学效应进行量化分析。探讨焦距的选择（广角、标准、长焦）如何扭曲或固化空间感，进而影响观众对场景的感知。特别关注“不可见”的镜头语言——何时应该使用长镜头以体现时间流逝的真实感和表演的完整性，何时应该使用跳切来制造冲击或表达主观感受。 第五章：运动的节奏与调度哲学 镜头运动不仅仅是跟随，它本身就是一种叙事行为。本章系统梳理了平移（Pan）、横滚（Tilt）、跟拍（Tracking）、摇摄（Dolly）等基本运动的用法。深入研究“运动与静止”的辩证关系——例如，在紧张的对话场景中，极其细微的推拉镜头如何捕捉到人物情绪的波动。对“视线内空间”（Mise-en-scène）的调度进行深入探讨，解析如何利用前景、中景、后景的层次关系来引导观众的注意力焦点。 第六章：场面调度与空间心理学 本章聚焦于如何在二维画面中创造三维空间的可信度与情感张力。解析如何利用布景、灯光和演员的相对位置，在不使用任何对白的情况下，暗示权力关系、情感疏离或亲密连接。我们将分析特定类型的空间（如走廊、密室、开阔地）对叙事情绪的特定影响，以及如何通过空间设计来预示角色的命运。 --- 第三部：声音的维度——听觉世界的建筑师 声音在电影中常常被低估，但它却是构建沉浸感和操控情感最直接的工具之一。本部分将声音设计提升到与画面同等重要的地位进行研究。 第七章：对白、音乐与环境音的交响 本章区分了三类声音元素的功能：对白（信息传递）、音乐（情感渲染）和环境音（真实感构建）。重点解析“音乐的潜台词”——如何通过配乐的调性、节奏变化来强化或反讽画面内容。我们将分析“无声时刻”的力量，即刻意的寂静如何放大听觉感知，制造极端的压迫感或内心戏。 第八章：声音的层次与空间定位 声音的混合与平衡是声音设计的核心。本章详细介绍了声音的层次化处理（Foreground, Midground, Background）。通过对白听的案例，研究如何通过混响、延迟和声像定位（Panning）技术，在听众的脑海中构建出逼真的三维声场，使观众能够“听见”物体的位置和移动，从而极大地增强镜头的写实力。 --- 第四部：剪辑的魔力——时间的重塑者 剪辑是电影制作的最终“炼金术”，它决定了影片的呼吸、速度和意义的最终生成。 第九章：连续性与非连续性剪辑 本章系统梳理了“180度法则”等经典连续性剪辑的规则及其存在的理由。随后，着重探讨打破规则的艺术——跳切、L型剪辑、J型剪辑在不同类型片中的应用，以及它们如何服务于主题表达。分析节奏的控制，即通过剪辑点的长短来精确调控观众的心跳频率。 第十集：主题的视觉聚合与蒙太奇的哲学 本章将剪辑提升至哲学层面，探讨爱森斯坦的“冲突蒙太奇”如何创造出高于单个镜头的全新意义。重点分析通过“对比蒙太奇”和“平行蒙太奇”来建立复杂的对比和象征意义。最终，本部分总结了剪辑师如何作为“终极作者”，在数千个镜头碎片中，将导演的意图塑造成一个统一且震撼人心的光影整体。 --- 本书力求以扎实的理论为基石，辅以大量来自全球影史的经典案例分析，确保读者在掌握电影语言的“词汇”和“语法”的同时，更能理解如何运用这些工具，实现富有个人洞见和艺术冲击力的电影表达。它不是一部关于“如何使用软件”的技术手册，而是一部关于“如何思考影像”的深度指南。

评分☆☆☆☆☆

哇，这本书真是出乎我的意料！我本来以为会是一本枯燥的理论堆砌，结果发现它简直就是一本通往电影世界的“百科全书”。作者的叙事方式太有感染力了，感觉不是在看书，而是在跟着一位经验老到的导演在片场手把手教你。从最基础的镜头语言到复杂的剪辑技巧，每一个知识点都被讲解得深入浅出，而且还穿插了大量的经典案例分析，让你在学习的同时，还能欣赏到电影艺术的魅力。我尤其喜欢它对“蒙太奇”的阐述，那种层层递进的分析，让我对电影叙事有了全新的认识。读完之后，再看任何一部电影，都会有一种豁然开朗的感觉，仿佛打开了上帝视角，能看透导演的每一个精心设计。对于那些想从“观众”晋升为“内行”的朋友来说，这本书绝对是不可多得的宝藏。它不仅仅是教你怎么“看”电影，更是教你怎么“思考”电影，那种思维上的提升，是其他同类书籍很难给予的。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的深度和广度都令人印象深刻，它绝不是那种只停留在皮毛的入门读物。作者似乎对世界电影史了如指掌，从早期默片时代的实验，到好莱坞黄金时代的叙事规范，再到欧洲艺术电影的革新，每一个流派和思潮都被巧妙地串联起来，形成了一张宏大的电影发展脉络图。我特别赞赏作者的批判性思维，他不仅介绍了各种技术和理论，更引导读者去思考这些技术背后的文化动因和社会背景。读到关于“作者论”的那一章时，我简直被那种对导演主体性的深刻挖掘所震撼。这本书的价值在于，它能拓宽你的视野，让你不再局限于某一种固定的观影模式，而是能够以更加多元和包容的心态去接纳和欣赏不同地域、不同时代的电影作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和设计简直是视觉享受，拿在手里就舍不得放下。封面设计很有质感，内页的插图和图表也非常精美，看得出来出版社在装帧上下了大手笔。更重要的是，内容的组织结构非常清晰流畅，章节之间的过渡自然得就像电影场景的无缝切换。我特别欣赏作者在讲解一些比较晦涩的电影理论时，会配上非常直观的示意图或者手绘草图，这极大地降低了理解门槛。比如，它对场面调度（Blocking）的讲解，如果不是配上那些详细的舞台布局图，我可能光靠文字描述是很难想象的。这本书完全颠覆了我对“教科书”的刻板印象，它更像是一本精心制作的艺术画册，充满了对电影的热爱和敬意。我甚至已经开始期待作者的下一部作品了，希望也能有这样精美的制作水准。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是，它非常注重实操性和案例的可操作性。它没有仅仅停留在理论层面，而是深入探讨了从前期策划到后期发行的各个环节中，关键决策是如何做出的。书中提供的许多“场景模拟”和“决策树分析”特别实用，让我对一部电影的诞生过程有了立体化的认知。比如，它详细分析了某部著名商业大片在剧本修改阶段，制片方是如何权衡艺术表达与市场接受度的，这种幕后的博弈过程读起来引人入胜。对于有志于投身影视行业的朋友来说，这本书提供的不仅仅是艺术知识，更是一份行业生态的指南。它教会你如何在理想和现实之间找到平衡点，这种商业与艺术的结合探讨，是许多纯粹理论书所缺乏的宝贵视角。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常活泼，一点也不“学院派”，读起来轻松愉快，完全没有传统理论书籍那种让人昏昏欲睡的感觉。作者仿佛是一位你身边的资深影迷朋友，用最接地气、最幽默的语言，跟你分享他多年来看片的心得和体会。我尤其喜欢那些带有个人色彩的点评，比如他对某位特定导演的偏爱或者偶尔流露出的“小吐槽”，这些都让阅读过程充满了趣味性。它没有刻意去拔高自己的身段，而是真诚地想把知识分享给每一个人。对于像我这样，虽然喜欢看电影，但对技术细节不太敏感的“普通爱好者”来说，这种没有距离感的讲解方式简直是福音。它让你觉得，原来电影艺术并非高不可攀，只要有热情，人人都可以走近它。