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陈师曾 著

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店铺： 紫云文心图书专营店

出版社： 民主与建设出版社

ISBN：9787513918404

商品编码：25462628677

包装：精装

开本：32

用纸：80g书纸

页数：229

编辑推荐

★齐白石“伯乐”、民国美术“第1人”陈师曾扛鼎之作，中国绘画史开山之作。
★添加数十条绘画技法术语专业注解，解读中国绘画基因
★精选百余幅各时期传世名画，构建中国绘画史脉络
★内附名画《千里江山图》卷精美海报  

内容介绍

《中国绘画史》是陈师曾先生1922年在济南主讲“中国美术小史”课程的讲座记录稿。
《中国绘画史》提纲挈领地介绍了三代至明清中国绘画艺术的历史，梳理历代画史脉络、技法沿革、题材变迁以及重要的画派、画家等，内容全面、语言凝练，是一本中国绘画的简明通史。
《中国绘画史》为中国绘画史研究开山之作。陈师曾先生一生致力于中国美术普及教育，旨在将“中国传统文化”的艺术成就推广给国人，本书便是先生这一教育信念的结晶。  

作者介绍

《中国绘画史》是陈师曾先生1922年在济南主讲“中国美术小史”课程的讲座记录稿。
《中国绘画史》提纲挈领地介绍了三代至明清中国绘画艺术的历史，梳理历代画史脉络、技法沿革、题材变迁以及重要的画派、画家等，内容全面、语言凝练，是一本中国绘画的简明通史。
《中国绘画史》为中国绘画史研究开山之作。陈师曾先生一生致力于中国美术普及教育，旨在将“中国传统文化”的艺术成就推广给国人，本书便是先生这一教育信念的结晶。  

目录

目录
第 一 编　上古史
第一章　三代之绘画｜ 002
第二章　汉代之绘画｜ 006
第三章　六朝之绘画｜ 011
第四章　魏晋之绘画｜ 015
第五章　南北朝之绘画｜ 019
第六章　隋朝之绘画｜ 025
第 二 编　中古史
第一章　唐朝之绘画｜ 032
第二章　五代之绘画｜ 061
第三章　宋朝之绘画｜ 072
第四章　元朝之绘画｜ 112
第 三 编　近世史
第一章　明朝之绘画｜ 128
第二章　清朝之绘画｜ 169
附　 录
清代山水之派别｜ 200
清代花卉之派别｜ 207
文人画之价值｜ 212
中国人物画之变迁｜ 220
绘画源于实用说｜ 226

文摘文人画之价值
何谓文人画？即画中带有文人之性质，含有文人之趣味，不在画中考究艺术上之功夫，必须于画外看出许多文人之感想，此之所谓文人画。或谓以文人作画，必于艺术上功力欠缺，节外生枝，而以画外之物为弥补掩饰之计。
殊不知画之为物，是性灵者也，思想者也，活动者也；非器械者也，非单纯者也。否则直如照相器，千篇一律，人云亦云，何贵乎人邪？何重乎艺术邪？所贵乎艺术者，即在陶写性灵，发表个性与其感想。而文人又其个性优美，感想高尚者也，其平日之所修养品格，迥出于庸众之上，故其于艺术也，所发表抒写者，自能引人入胜，悠然起澹远幽微之思，而脱离一切尘垢之念。然则观文人之画，识文人之趣味，感文人之感者，虽关于艺术之观念浅深不同，而多少必含有文人之思想；否则如走马看花，囫囵吐枣，盖此谓此心同、此理同之故耳。
世俗之所谓文人画，以为艺术不甚考究，形体不正确，失画家之规矩，任意涂抹，以丑怪为能，以荒率为美；专家视为野狐禅，流俗从而非笑，文人画遂不能见赏于人。而进退趋跄，动中绳墨，彩色鲜丽，搔首弄姿者，目为上乘。虽然，阳春白雪，曲高寡和，文人画之不见赏流俗，正可见其格调之高耳。

好的，这是一本关于中国传统建筑园林的图书简介： 《穿越时空的雅韵：中国古典园林建筑艺术精粹》 本书并非描摹笔墨丹青的《中国绘画史》，亦非探究绘画技法的入门指南，更与当代艺术思潮无涉。它将带领读者深入中国古典园林的精妙世界，领略那一砖一瓦、一草一木间蕴含的深厚文化底蕴与独特审美哲学。 第一篇：天人合一的哲学基石 中国古典园林，被誉为“凝固的音乐，流动的建筑”，其核心在于构建一个理想化的微缩自然景观。本篇将从哲学层面剖析园林艺术的根源，探讨“天人合一”思想如何在造园实践中得以体现。我们将追溯先秦时期对自然的敬畏，魏晋玄学的隐逸之风，直至宋代文人对“咫尺之内再造乾坤”的极致追求。 儒释道的交融： 园林布局与空间处理深受儒家秩序感、道家顺应自然以及禅宗空灵意境的影响。探讨假山如何模拟山川的磅礴，水体如何象征生命的流动与感悟。 空间叙事的艺术： 园林并非一览无余的陈列，而是精心设计的序列体验。重点分析“藏、露、移、借”等造园手法，揭示行走其中步移景异的叙事节奏感，如同阅读一部无声的史诗。 第二篇：建筑：骨骼与灵魂的承载 古典园林的建筑，既是点缀风景的“景物”，又是承载居住、游憩功能的实体。本篇聚焦于园林建筑的结构、形制及其文化内涵。 “以景为中心”的建筑观： 与西方建筑强调主体性不同，园林建筑如亭、台、楼、阁、轩、榭，均服务于观赏和休憩的需求。解析亭的轻盈多变，楼的开阔视野，以及轩榭的半开放性，如何巧妙地将室内空间与室外环境融为一体。 构造的智慧与材料的选用： 详细介绍木结构体系在中国园林建筑中的应用，梁枋、斗栱的比例美学。重点对比南方园林（如苏州园林）的精巧细腻与北方园林（如皇家园林）的宏大庄重在材料选择上的差异，例如青砖、黛瓦、白墙的经典配色，如何营造出朴素而高雅的意境。 题咏与匾额的文化意义： 建筑不仅仅是结构，更是文人雅士抒发情怀的载体。分析匾额、楹联中蕴含的典故、诗词，它们如何赋予建筑以生命和精神坐标，提升了建筑的空间意境。 第三篇：山水意境的模拟与再现 园林的核心魅力在于“造景”，即如何在有限的空间内重构无限的自然。本篇深入剖析堆山理水、植物配置等自然元素的运用技巧。 叠石的艺术——假山： 假山是中国园林独有的景观元素。详述“瘦、透、漏、皱”的太湖石审美标准，分析叠山师如何运用凿、搭、插等技法，模拟自然山体的肌理与气势，从山巅的险峻到山谷的幽深。 水的哲学与形态： 水体在园林中具有镜面、动感和声音三重属性。考察曲池、方塘、溪流等不同水景的布局策略，以及漏水、叠水等声音景观的营造，如何调节园林的氛围。 植物的象征意义： 探讨松、竹、梅、兰等“四君子”在中国园林中的象征地位，以及花木配置对四季更迭的体现。例如，如何通过庭院中的花卉布局，在特定时节引导游览者的情绪变化。 第四篇：园林流派的地域特色与发展 中国地域辽阔，不同地域的自然条件、风俗习惯和审美取向孕育出了风格迥异的园林流派。 江南私家园林的精巧： 以苏州、扬州为代表，强调“小中见大”，以精致的文学性和私密性著称。重点分析网师园、拙政园等代表作的空间组织与细节处理。 皇家园林的恢宏： 以颐和园、圆明园（遗址）为代表，体现皇权与礼制，追求气势的磅礴与功能的完备，融合南北园林之长。 岭南园林的通风与色彩： 探讨为适应炎热多雨气候而形成的地域特色，如镬耳屋、满洲窗等建筑元素的应用，以及对通透性和通风性的极致追求。 结语：历史的留声机 本书旨在提供一个深入理解中国古典园林艺术的框架，它超越了对建筑形式的单纯描述，深入挖掘了其背后的文化密码、审美趣味和生活哲思。阅读此书，如同推开了一扇通往古代士大夫精神世界的窗户，感受那个时代人们对居住环境、自然宇宙的深刻思考与浪漫寄托。它所承载的是对传统建造智慧的尊重与继承，是与历史对话的独特媒介。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这种对中国传统文化心生向往，但又苦于找不到系统入门路径的人量身定做的宝典！我一直对那些气韵生动的山水画和神形兼备的人物画充满好奇，每次去博物馆看到那些古老的卷轴，总有一种莫名的震撼。然而，拿起任何一本所谓的“入门”书籍，要么就是术语堆砌，晦涩难懂，要么就是内容过于零散，不成体系。直到我翻开这本，我才真正感受到什么是“引人入胜”。作者的叙述方式极其流畅，仿佛一位经验老到的老先生，带着你一步步走进那个充满墨香与诗意的世界。他没有急着教你如何握笔蘸墨，而是先从宏观的时代背景讲起，让你明白每一笔触背后所蕴含的文化哲学。比如，讲到魏晋时期的画风转变，那种超脱世俗、追求“神韵”的精神内核，通过生动的历史小故事和对代表作品的细致解读，立刻就鲜活起来了。我尤其喜欢它对不同画科（如花鸟、山水、人物）的起源和发展脉络梳理得井井有条，让你能清晰地看到中国绘画是如何从模仿自然走向表达心性，这种历史的纵深感，极大地提升了阅读的厚度和趣味性。对于初学者来说，它建立了一个坚实的知识框架，让你知道自己正在学习的是怎样一个博大精深的体系，而不是孤立的技巧点滴。

评分☆☆☆☆☆

作为一名希望掌握基础技法的爱好者，我发现这本书在技法入门部分处理得极为精妙，它巧妙地平衡了理论的深度和实操的易上手性。很多入门书上来就要求你学习复杂的“皴法”或“点苔”，让人望而却步。这本书却反其道而行之，它从最基础的“用笔”——即如何控制毛笔的干湿浓淡和行笔速度——开始讲起，甚至细致到如何调配墨汁以达到理想的层次感。书中配有大量高质量的“局部放大图”和“步骤分解图”，清晰地展示了专业画家运笔的轨迹和力度变化。更棒的是，它并不只是枯燥地模仿古人，而是将这些古老的技法置于现代学习者的角度进行了解构和优化。比如，在讲授花卉的“勾、皴、点、染”时，它会提供多种现代化的辅助练习方法，帮助我们快速建立肌肉记忆。我尝试了书里介绍的“米字格”练习法来控制笔锋，效果立竿见影。这种既尊重传统又面向现代学习者的教学态度，让我在练习过程中充满了信心，而不是挫败感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的综合性与系统性，是它区别于市面上大多数同类读物的核心优势。它不仅仅是一本纯粹的绘画史教科书，更像是一张覆盖了中国艺术全景的导航图。从早期的岩画符号，到汉代的画像砖，再到唐宋的恢弘巨制，直至近现代艺术家的探索，它构建了一个完整的时间轴。更难能可贵的是，它在叙述绘画史的同时，巧妙地穿插了关于“书刻印”等相关艺术门类的背景知识，比如对篆刻印章在绘画落款中的意义的解释，以及书法如何影响了中国画的线条审美。这种跨学科的整合视角，使得读者能够更全面地理解中国艺术的“道”与“器”。当我读到关于文人情趣的章节时，我感觉自己仿佛进入了一场跨越千年的雅集，对中国文人阶层的生活方式和审美情趣有了更直观的认识。这本书的价值在于，它提供的知识密度极高，信息量庞大，但组织结构却异常清晰，真正做到了“博采众长，融会贯通”，是任何想要深入了解中国艺术的读者都应该拥有的案头必备之作。

评分☆☆☆☆☆

与其他侧重于技巧讲解的国画教材不同，这本书的“史”的维度做得非常深入且具有思辨性。它不是简单罗列“谁在什么时候画了什么”，而是深入剖析了技术革新是如何被时代精神所驱动的。比如，它详细探讨了元代文人画兴起背后，士大夫阶层对“士气”和“笔墨趣味”的独特追求，以及这种追求如何反过来影响了后世的审美标准。这种将艺术创作与当时的政治、哲学、社会思潮紧密结合的分析角度，让我对中国画的理解从“画什么”上升到了“为什么这样画”的层次。我特别欣赏作者在描述明清时期不同流派（如浙派、吴门画派）的争鸣时，所展现出的中立而又精辟的评判。它没有盲目推崇某一家，而是客观地展示了不同艺术理念碰撞出的火花。这种深度的剖析，让即便是对历史不甚了解的读者，也能轻松理解不同时代画家们内心的挣扎与追求，极大地拓宽了我的艺术视野，让我不再将国画视为一成不变的古老技艺，而是不断演进的、充满生命力的文化载体。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量简直让人爱不释手，拿到手里沉甸甸的，那种厚实的精装本带来的触感，本身就是一种对艺术的尊重。我一直认为，艺术类的书籍，尤其是关于绘画史的，如果只是用廉价的纸张和粗糙的彩印，那是对原作的极大亵渎。然而，这本让我感到物超所值。内页的用纸非常考究，纸张的白度和韧性都恰到好处，即便是复制的宋元名画，其色彩的还原度也相当惊人，很多细节即使用放大镜看，线条的力度和墨色的浓淡变化都能被很好地捕捉。更不用说那些重要的壁画和摩崖石刻的拓片摹本，清晰度高到足以让人想象当时落笔的气势。我花了整整一个下午的时间，仅仅是临摹书中所展示的几张唐代仕女图的线条结构，就感觉自己的手感提升了不少。这绝不是一本你只会放在书架上落灰的工具书，它更像是一件可以时常翻阅、反复品味的艺术品。好的视觉呈现，是激发学习热情的首要条件，这本书完美地做到了这一点，让我有强烈的冲动去拿起画笔，尝试去复刻书中的经典瞬间。