上海音乐出版社 浪漫时期钢琴名作演奏指导附CD两张五线谱介绍作曲家和钢琴曲钢琴学习参考书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807512561

商品编码：29525853698

出版时间：2017-01-01

商品详情

音乐史的宏伟画卷：从巴洛克到二十世纪的键盘艺术探索 一本超越时空界限的键盘音乐精选与深度解析 本书并非专注于浪漫主义时期，而是旨在为所有热爱键盘音乐的探索者们提供一份跨越数个世纪的、详尽的、兼具学术深度与演奏实践指导的综合指南。我们拒绝将视野局限于单一乐派，而是力求勾勒出从巴洛克早期到二十世纪现代主义的宏大音乐发展脉络。 第一部：早期键盘音乐的根基——巴洛克时代的辉煌与严谨 本卷首先深入巴洛克时期（约1600-1750年）的键盘音乐世界。我们聚焦于这一时期对复调技巧、对位法以及固定指法实践的奠基性贡献。 1. 意大利的阳光与即兴： 详细剖析多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）的单乐章奏鸣曲。本书着重分析其独特的“西班牙风味”和对键盘演奏技巧的突破性要求，例如对快速音群、跨越和声的精准控制。我们不会提供现成的演奏指导，而是通过分析其记谱法，引导学习者理解当时哈普西科德（羽管键琴）的物理特性如何塑造了这些作品的演奏技法。 2. 德意志的理性与信仰： 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）是本部分的核心。不同于浪漫派的自由诠释，我们着重于巴赫作品中严密的结构逻辑。 《平均律钢琴曲集》（Well-Tempered Clavier）： 本书将其视为键盘音乐的“旧约”。我们将深入探讨平均律的意义，以及如何通过精确的声部进行来揭示赋格（Fugue）的内在逻辑。对于赋格的演奏，我们强调清晰的声部线条分离，而非强调踏板的运用（这在当时极为有限）。 组曲与帕蒂塔： 探讨巴洛克舞曲形态（如阿勒曼德、库朗特、萨拉班德、吉格）的起源和特点，帮助演奏者理解速度与装饰音的古典风格处理。 3. 英国与法国的精致： 简要回顾亨利·珀塞尔（Henry Purcell）和弗朗索瓦·库普兰（François Couperin）的作品。重点在于法式键盘音乐中对音色和复杂装饰音的偏好，以及如何理解这些装饰音（如震音、回音）在羽管键琴上应有的动态处理，这与后来的浪漫主义的“自由发挥”有着本质区别。 第二部：古典主义的平衡与清晰——奏鸣曲式的主导地位 进入十八世纪中后期，键盘音乐的重心转向了钢琴（Pianoforte）的出现，以及奏鸣曲式的确立。 1. 海顿的幽默与结构： 探讨约瑟夫·海顿（Joseph Haydn）的奏鸣曲，将其视为古典主义风格的典范。我们分析奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的完美结构，以及海顿如何运用节奏的突然变化和诙谐主题来达到幽默效果。本书强调古典时期对“清晰度”和“触键的精准性”的要求，这与浪漫派追求的连绵音色形成对比。 2. 莫扎特的优雅与歌唱性： 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（W.A. Mozart）的作品被视为钢琴艺术的极致体现。本书着重分析其作品中歌唱性的旋律线条与精妙的织体安排。我们探讨莫扎特钢琴协奏曲中钢琴与乐队的对话，以及其奏鸣曲中对踏板的极度谨慎使用——通常仅用于加强乐句的结尾或转调部分。 3. 贝多芬的桥梁作用： 路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven）是连接古典与浪漫的巨人。本书将详细分析其早期、中期和晚期的奏鸣曲。 早期： 继承海顿莫扎特的清晰结构。 中期（“英雄”时期）： 展现更宏大的结构、更剧烈的对比和对踏板的更广泛实验。 晚期： 深入探讨如降B大调第29号“哈尔蒙尼亚”（Op. 106）中对曲式结构的颠覆以及对键盘音域的极限拓展，这为后世浪漫主义作曲家提供了无限的想象空间。 第三部：二十世纪的革新与多元化——打破传统的声音景观 本书的最后一部分将把焦点从十九世纪的浪漫高潮中抽离，直接跳跃到二十世纪，展示键盘音乐如何应对工业革命、两次世界大战以及新的音乐理论体系的冲击。 1. 印象主义的色彩与氛围： 克劳德·德彪西（Claude Debussy）和莫里斯·拉威尔（Maurice Ravel）对键盘音色的革命性探索。我们分析他们如何运用全音阶、五声音阶和复杂的和声色彩来描绘自然景象，而非叙事。本书将讨论如何通过对钢琴触键的精微控制（如“极轻柔”或“水滴般”的音色）来实现这些“印象”。 2. 原始主义与新古典主义： 斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）对节奏的重塑，以及他作品中对新古典主义的回归。探讨其作品如何重新审视巴洛克和古典的形式，但以极度不和谐的和声和僵硬的节奏呈现。 3. 序列主义与先锋探索： 简要介绍第二维也纳乐派（勋伯格、贝尔格、韦伯恩）的十二音体系及其对传统调性的解放。分析如安东·韦伯恩（Anton Webern）钢琴曲中极度精简和片断化的音乐语言，以及约翰·凯奇（John Cage）对“机会音乐”和“静默”的探讨，例如对《4分33秒》的理论分析，展示键盘音乐如何拓宽其哲学边界。 总结： 本书力求提供一个全面且对比鲜明的键盘音乐历史地图。它侧重于结构分析、风格演变、以及不同历史时期对键盘乐器性能和演奏美学的理解差异。读者将通过本书建立起对整个键盘音乐传统——从赋格的严谨到序列主义的解构——的深刻认识，从而更全面地构建自己的音乐素养和演奏视野。本书不提供任何特定作品的“速成秘诀”，而是致力于提供理解音乐的底层逻辑和历史背景的坚实工具。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调这本书的文献价值，尤其对于那些对古典音乐史感兴趣的读者来说，它提供的背景资料远超一本普通的练习指南。关于各位作曲家的生平片段，选取得非常精准，没有冗长拖沓的传记叙述，而是直击那些对他们的音乐创作产生决定性影响的“瞬间”——比如巴赫对早期浪漫主义钢琴音色观念的冲击，或者勃拉姆斯如何在这种浪潮中坚守德奥传统。更精彩的是，它将某些作品的创作动机和当时的社会思潮紧密联系起来，使得理解作品不再是孤立的行为。比如，书中对德彪西早期作品中对德加画作的“视觉化”模仿的分析，虽然德彪西严格来说属于印象派，但书中将其置于浪漫主义晚期影响下讨论，视角独特且富有启发性。这种深厚的文化底蕴，让每一次翻阅都像是一次小型的音乐史漫步，让人在练习琴键的同时，也能丰富自己的知识库，对演奏的诠释维度有了更广阔的延展。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计确实很用心，封面采用了柔和的米白色调，配上手绘风格的复古图案，一下子就把人拉进了那个充满诗意与激情的浪漫时代。内页的纸张质地摸起来也很舒服，油墨的印刷清晰度极高，即便是标注最细微的演奏记号，也能看得一清二楚，长时间阅读或练习也不会感到眼睛疲劳。我特别欣赏的是它在章节划分上的匠心独运，不仅仅是简单的曲目罗列，而是将不同作曲家的作品进行了主题性的串联，比如有一部分专门探讨了肖邦夜曲中的“呼吸感”处理，另一部分则聚焦于舒曼钢琴幻想曲里那些捉摸不定的情绪转折。这种结构安排，让学习者在钻研具体技巧的同时，也能对整个浪漫主义钢琴音乐的审美取向有一个宏观的把握，而不是仅仅停留在“弹会”某个音符的层面，这对于培养深层次的音乐理解力至关重要。而且，随书附赠的那两张CD，音质处理得非常专业，收录的演奏版本既有古典大师的权威诠释，也有当代演奏家充满个性的解读，为学习者提供了绝佳的听觉参照系，这对初期摸索作品风格的初学者来说，简直是如获至宝。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余钢琴爱好者，我过去在攻克一些德奥浪漫派的“大部头”时，常常感到力不从心，不是因为技术难度本身，而是对作曲家内心世界的揣摩总是不得要领，感觉自己像是在机械地移动手指。这本书的“演奏指导”部分，可以说完全击中了我的痛点。它没有用那些高深莫测的术语来吓唬人，而是用非常具象化的描述，比如引导你去想象“秋日午后洒在琴键上的光影”来处理某个延音的和声色彩，或者用“像讲述一个秘密的低语”来指导揉弦的力度变化。这种“情景代入式”的教学方法，极大地降低了理解音乐深度的门槛。我尝试着按照书中对李斯特《爱之梦》中琶音处理的建议，着重去感受“水波纹”的流动性，而不是单纯追求速度，结果发现原本僵硬的段落竟然奇迹般地变得流畅而富有歌唱性。这套书真正做到了“授人以渔”，它教我的不是某一个技巧，而是如何去“听”和“感受”作曲家想要表达的情绪，这种内在驱动力的建立，比死记硬背指法有效得多。

评分☆☆☆☆☆

从实用的教学角度来看，这本书的结构清晰度达到了一个令人赞叹的高度。它似乎是为不同阶段的学习者量身打造的，初级部分侧重于基础的踏板运用和力度控制，比如如何避免踏板的“浑浊感”以及如何区分“渐强”与“突强”之间的层次。而高难度曲目的解析部分，则深入到了和声进行中的“色彩转换”和“主题变形”的处理上。最让我受益匪浅的是它对于指法标记的细致程度。很多乐谱上的指法标记只是一个建议，但这本书的指导性意见，会解释“为什么”要用特定的手指。例如，在处理某个跨越性较大的和弦时，它会指出使用特定指法能更好地保持旋律线的连贯性，这对于那些习惯于沿用固定指法的学生来说，是一个巨大的突破口。我发现，按照它的指导调整了几个关键乐句的指法后，原本觉得“弹不下去”或者“弹出来很别扭”的地方，迎刃而解，这直接体现在了练习效率的大幅提升上。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市面上关于钢琴学习的书籍汗牛充栋，很多都流于表面或者过于偏颇。但《上海音乐出版社 浪漫时期钢琴名作演奏指导附CD两张五线谱介绍作曲家和钢琴曲钢琴学习参考书籍》这本书，成功地在“艺术鉴赏”和“技术指导”之间找到了一个绝佳的平衡点。它没有沦为一本空洞的理论说教集，也没有变成一本枯燥的指法手册。它的语言是富有温度的，即便是面对晦涩的音乐理论概念，也能用非常生动活泼的笔触娓娓道来，这一点尤其难得。我尤其喜欢其中关于“情感释放点”的分析，它教我们如何在乐曲的高潮部分做到“控制之下的爆发”，而不是一味地追求力量。这本书更像是一位经验丰富、循循善诱的良师益友，它不仅指导你的双手如何工作，更重要的是，它在引导你的心灵如何与这些不朽的浪漫主义杰作进行深层对话，这种全方位的提升，是任何单一技术书籍都无法比拟的宝贵财富。