二胡渐进练习曲及作品集李英音乐学院出版社9787810968119 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李英 著

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• 二胡
• 练习曲
• 乐谱
• 李英
• 音乐学院
• 教材
• 器乐
• 民族乐器
• 渐进
• 作品集

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810968119

商品编码：29684812664

出版时间：2017-05-31

页数：145

图书基本信息
书名：	二胡渐进练习曲及作品集
丛书名：
作者/主编：	李英
出版社：	音乐学院出版社
ISBN号：	9787810968119
出版年份：	2017年6月

版次：	第 1 版
总页数：	145页
开本：	16
图书定价：	38元
实际重量：	0.399kg
新旧程度：	正版全新

李英（1971～），女，中国音乐家协会会员，亚太民族音乐家学会会员，中国民族管弦乐学会胡琴委员会理事，民族大学音乐学院二胡副教授，二胡硕士导师。毕业于音乐学院，师从刘长福教授，获文学硕士学位。曾多次在全国性音乐比赛中获奖；在核心期刊发表《当代语境下的鄂伦春族“摩苏昆”》等多篇学术论文；出版教材《二胡演奏五十六个民族民歌》；出版CD专辑《李英二胡原创作品演奏专辑》；创作的二胡作品《燕赵情》获第二届民族之声器乐作品征评金奖；创作的二胡作品《楼兰随想》获得2014金胡琴杯铜奖；曾在希腊和香港、北京、长春等地举办二胡音乐会、李英二胡作品演奏会及中国民族器乐讲座等。

　

《二胡渐进练习曲及作品集》内容包括：长弓练习、长弓练习二、长弓与短弓练习、长弓与短弓练习二、连弓练习、D调上把位综合练习、小指练习、换把练习、节奏练习、换弦练习、D调换把练习、G调上把位旋律练习、G调换把练习、等。

音乐的殿堂：一部跨越时空的管弦乐史诗 引言：追溯文明之声的源头 人类对音乐的追求，如同对真理的探索，从未停歇。从远古的骨笛、陶埙，到今日的电子合成器，音乐以其独特的方式记录着人类的情感、历史的变迁与精神的追求。本书《音乐的殿堂：一部跨越时空的管弦乐史诗》，旨在引领读者深入这场宏大而迷人的听觉之旅，探索西方古典音乐，特别是管弦乐这一形式，如何在数百年间发展、演变，并最终成为我们文化遗产中不可磨灭的一部分。 本书并非一部枯燥的年代编年史，而是一部充满活力的叙事诗，它将音乐置于其诞生的社会、政治和艺术背景之中，揭示伟大作曲家们在时代洪流中的挣扎、突破与创新。我们相信，理解音乐的“为什么”与“如何”，远比仅仅记住“何时”与“何人”更为重要。 --- 第一章：巴洛克的辉煌与秩序（1600-1750）：声音的建筑学 巴洛克时期是音乐史上一次划时代的革命。我们从意大利的佛罗伦萨和威尼斯开始，探讨歌剧这一新兴艺术形式如何打破了中世纪的传统，将戏剧、音乐和舞台艺术融为一体。这一时期的音乐，其核心特征在于“力度对比”（Terraced Dynamics）和复杂的对位法（Counterpoint）。 我们将详细解析巴赫（J.S. Bach）的《勃兰登堡协奏曲》如何以其精妙的声部交织，构建出令人叹为观止的“声音的建筑”。这些作品不仅仅是乐谱，它们是数学与灵性的完美结合。同时，亨德尔（G.F. Handel）的清唱剧，特别是《弥赛亚》，展示了音乐如何服务于宗教叙事，以磅礴的气势和感人的旋律，影响了后世数个世纪的合唱音乐。 本章还会探讨协奏曲（Concerto）和赋格（Fugue）的成熟过程，分析早期管弦乐队的结构，以及巴洛克时期对键盘乐器（如羽管键琴）的依赖，为后续管弦乐队的完善奠定基础。 --- 第二章：古典主义的清晰与平衡（1730-1820）：理性的光辉 随着启蒙运动的兴起，音乐审美开始从巴洛克的复杂转向对清晰、对称和形式结构的追求。维也纳成为新的音乐中心，海顿（Joseph Haydn）——这位“交响乐之父”——的出现标志着管弦乐的黄金时代的开启。 我们将聚焦于奏鸣曲式（Sonata Form）的定型。奏鸣曲式，作为古典主义音乐的基石，其呈示部、展开部和再现部的结构，如同严谨的哲学论证，代表着一种对逻辑和比例的极致追求。海顿的“惊奇”交响曲，如何巧妙地打破既有模式，注入幽默与机智，将交响曲从宫廷的背景音乐提升为独立的艺术表达。 莫扎特（W.A. Mozart）的加入，为古典主义带来了无可比拟的旋律天赋和戏剧洞察力。他的管弦乐作品，如《朱庇特交响曲》，展现了形式完美与情感深度的完美平衡。我们还会探讨古典主义时期管弦乐队的标准化进程，木管乐器的引入如何丰富了音色层次。 --- 第三章：贝多芬的革命与浪漫主义的觉醒（1800-1850）：个体情感的释放 路德维希·凡·贝多芬（L.V. Beethoven）是连接古典与浪漫的桥梁，他的音乐被视为人类精神力量的象征。他的《第三号“英雄”交响曲》及其后的作品，彻底颠覆了传统交响曲的规模和情感表达的深度。他不再满足于描述，而是要“叙事”——讲述挣扎、胜利与人性。 随着浪漫主义思潮的涌动，音乐开始服务于个人的内心世界。舒伯特（Franz Schubert）、舒曼（Robert Schumann）和门德尔松（Felix Mendelssohn）将诗歌的意境融入管弦乐，发展出交响诗（Symphonic Poem）的前身——更具文学色彩的序曲。 本章深入分析了浪漫主义时期管弦乐队规模的急剧扩张，铜管乐器地位的提升，以及对音色魔术的探索。音乐家们开始使用更宽广的音域和更复杂的和声语言，以期捕捉那些无法言喻的、极致的个人情感。 --- 第四章：民族主义与“庞大管弦乐团”（1850-1900）：地域之声的颂歌 19世纪下半叶，欧洲各地兴起了强烈的民族主义情绪，这在音乐领域催生了强大的“民族乐派”。作曲家们开始从本国的民间音乐、神话传说和历史故事中汲取灵感，试图建立区别于德奥传统的本土声音。 我们将探讨俄国的“五人强力集团”（穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫等）如何将俄罗斯的民间旋律和史诗气质融入管弦乐，创作出充满异域风情的作品。德沃夏克（Antonín Dvořák）对波西米亚民间音调的运用，以及勃拉姆斯（Johannes Brahms）对德奥传统的继承与发展，构成了这一时期的两极。 更进一步，李斯特（Franz Liszt）通过“主导动机”（Leitmotif）概念的推广，为瓦格纳（Richard Wagner）的宏大歌剧和后来的理查·施特劳斯（Richard Strauss）的管弦乐叙事铺平了道路。本章的重点是管弦乐如何成为表达国家身份和文化自豪感的有力工具。 --- 第五章：世纪之交的探索与破碎（1900-1945）：现代性的冲击 进入20世纪，随着工业化和心理学的发展，音乐的传统基础开始动摇。德彪西（Claude Debussy）的印象主义音乐，用音色和氛围取代了明确的结构，仿佛在描绘光影的流逝。马勒（Gustav Mahler）的后期交响曲则将浪漫主义的情感推向了极端的规模和内省的深度，预示着古典传统的瓦解。 勋伯格（Arnold Schoenberg）及其追随者发动了彻底的“革命”，放弃了调性，转向十二音体系（Twelve-Tone System），试图在彻底的无调性中寻找新的逻辑。斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的《春之祭》以其原始的节奏和不和谐音响，在首演时引发了著名的骚乱，宣告了新音乐时代的到来。 本章详尽分析了这一时期管弦乐团的音色实验——从拉威尔（Maurice Ravel）对木管乐器的精致运用，到肖斯塔科维奇（Dmitri Shostakovich）在极权压力下通过音乐进行的隐秘批判。管弦乐团本身，也成为了社会动荡的缩影。 --- 结语：回响与未来 在介绍了从巴洛克到现代的演变轨迹后，本书最后部分将简要回顾战后音乐的多元发展，包括极简主义、电子音乐的融合，以及对回归新古典主义的尝试。 《音乐的殿堂》试图证明，管弦乐并非是静止的古董，而是一条不断呼吸、不断适应时代的活的河流。它承载着人类最深沉的哲学思考、最热烈的爱恨情仇，以及最精密的数学智慧。通过理解这些声音的构建与打破，我们不仅能更好地欣赏音乐厅里的每一次演出，更能洞察人类文明自身演进的内在节奏。 阅读本书，您将获得进入音乐精神世界的钥匙，理解每一次强音、每一个和弦背后所蕴含的历史重量与艺术抉择。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有着多年习琴经验的进阶学习者，我更看重的是曲目选择的深度和艺术性。很多入门教材的曲目选段虽然基础扎实，但大多偏向于枯燥的音阶和琶音练习，容易让人在枯燥中丧失热情。然而，这本书在基础练习之外，融入了一些改编自传统民乐精髓的作品，这些作品在保持技术挑战性的同时，展现了二胡音乐丰富的情感张力和表现力。这些作品的难度跨度设计得很合理，让人在不知不觉中将技术训练融入到音乐的再创造之中。我特别喜欢其中几段旋律的过渡处理，它们巧妙地将快速的跑动与悠长的抒情段落结合起来，极大地锻炼了演奏者在速度控制和情感连贯性上的把握能力。这种将“技术”与“艺术”完美糅合的编排思路，让人在练习过程中始终保持着对音乐美感的追求，而不是仅仅停留在机械的指法模仿上。

评分☆☆☆☆☆

我最近在物色一些能系统梳理二胡基础技巧的资料，偶然间发现了这本，首先吸引我的是它清晰的逻辑脉络。初学者最怕的就是知识点跳跃性太大，让人摸不着头脑，但这本书的编排却非常平滑过渡，从最基本的运弓姿势、指位校正开始，每一个新的概念引入时，都会先用简明的文字解释其理论基础，然后再通过大量的练习范例来巩固。尤其值得称赞的是，它对不同弓法——如分弓、连弓、碎弓——的细致区分和递进练习，简直是手把手教学。我发现，很多在线教程往往只是泛泛而谈，而这里的每一个小节、每一个音符的排列组合，都像是经过了深思熟虑，旨在最大化地强化特定肌肉记忆。对于那些希望打下坚实基础，避免日后返工修正陋习的习琴者来说，这种严谨的结构简直是福音，它不是简单的“教你弹，而是教你如何正确地弹奏”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真的很用心，封面采用了那种略带复古感的哑光纸张，触感温润，中央的烫金字体在灯光下低调地闪烁着，让人一眼就能感受到这是一本值得细细品味的专业书籍。内页的纸张选择也颇为考究，不是那种泛白的刺眼纸，而是偏向米黄色的高磅数纸张，墨迹清晰，即便是长时间阅读也不会让眼睛感到疲劳。从书的厚度来看，内容想必是相当扎实的，侧边切口平整，装订线牢固，即便是频繁翻阅也不会有散页的担忧。书脊的设计上，除了书名和作者信息外，还巧妙地融入了一些传统纹样的元素，体现了对民族乐器文化传承的尊重。整体感觉，这本书在视觉和触觉上都提供了一种愉悦的体验，让人在开始学习之前，就对即将展开的音乐旅程充满了期待和敬意。这样的用心，在如今快餐式的出版行业中，实在难得，它不仅仅是一本教材，更像是一件精心制作的艺术品，摆在书架上都觉得赏心悦目。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“作品集”部分，给我的感觉是兼具了学术价值和演奏实用性。它似乎不仅仅是简单地罗列了一些难度不一的练习曲，而是更像是一部浓缩的二胡艺术发展史的片段集合。从技法上，它可能涵盖了不同地域、不同流派的一些标志性演奏技巧，这对于希望全面了解二胡艺术光谱的学习者来说，提供了极大的便利。这种“百科全书式”的呈现，让学习者在掌握基础后，能够有方向地去探索和选择自己更偏爱的演奏风格。另外，从教材的厚度和内容的密度来看，这本书的定价绝对物超所值，它提供的内容量，足以支撑一个初学者数年甚至更长时间的稳步提升，这对于节约学习成本、避免频繁更换教材的做法，是非常友好的。它提供的不是短期的速成方案，而是一个长期的、可靠的技艺精进的路线图，真正体现了“渐进”二字的深刻内涵。

评分☆☆☆☆☆

这本书在视听资源的配套性上，做得也相当到位，虽然我无法直接评价里面的具体音频内容，但从其专业的出版背景来看，可以推断出其音频支持的专业性。想象一下，当练习到某个技术难点时，旁边就有清晰、准确的示范音频可供参考，这对于纠正听觉和动作的同步性至关重要。对于自学者而言，一个高质量的参考音轨是不可或缺的“隐形老师”。如果音频质量上乘，音色纯正，那么它将极大地提升学习效率，避免因模仿不准确的录音而形成错误的音准或节奏习惯。这种注重全方位学习体验的设计，体现了出版方对学习者实际需求的深刻理解。毕竟，二胡是听觉艺术，如果光有谱面上的符号，而缺少了对声音的精准感知和模仿，那么所有的练习都将是空中楼阁，这本书显然在这方面做了周全的考量，确保学习者能够听到“正确的声音”。