舞蹈评论形态分析教程(上下)/南艺舞学丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐

ISBN：9787552315257

商品编码：29698779811

出版时间：2018-05-01

基本信息

• 商品名称：舞蹈评论形态分析教程(上下)/南艺舞学丛书
• 作者：编者:于平//叶笛//邱宇|总主编:于平
• 定价：228
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552315257

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-05-01
• 印刷时间：2018-06-08
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 包装：平装
• 页数：1339
• 字数：1280千字

内容提要

于平、叶笛、邱宇编著的《舞蹈评论形态分析教 程(上下)》是舞蹈高等教育教学用书。“舞蹈评论” 写作，是舞蹈学专业的主干课程，舞蹈编导专业也应 重视这方面能力的培养。选择对舞蹈作品进行“形态 分析”的评论来组织教学，在于“舞蹈评论”的写作 无论运用何种方法，都要着眼于评论对象的特质，都 要立足于评论对象的本体。本“教程”主要是通过“ 文选”的研读来掌握“形态分析”的艺术观念和技术 原理，并且要落实为作品的表意解读和语体阐释。“ 教程”选文注重有机构成，使看似独立的作品由孤单 的“岛屿”形成了绵延的“岛链”，使我们的教学可 以从具体的舞评写作走向系统的舞理研究。
    

目录

上卷
序
绪论
**单元 舒巧舞剧创作评论的形态分析
单元概述
单元文选
一、方元：《画皮》是用“舞蹈程式”来结构的舞剧
二、赵国政：舞剧《玉卿嫂》《黄土地》辨思
三、于平：雪，为什么是红的?——舞剧《红雪》的人性剖析与人格建构
四、蓝凡：《胭脂扣》的舞剧审美意义
五、于平：台北·撒哈拉·六号车站——舞剧《三毛》与舒巧的人生“情结”
六、张平：评舞剧《青春祭》中的双人舞
第二单元 杨丽萍舞剧创作评论的形态分析
单元概述
单元文选
一、于平：《雀之灵》之“灵”——由舞坛“杨丽萍现象”引发的思考
二、赵国政：杨丽萍和她的舞蹈世界
三、聂乾先：杨丽萍与云南“原生态舞蹈”
四、吴德铭：美妙和谐的天籁之音——赏评《云南的响声》
五、慕羽：从“杨丽萍效应”中解读“原生态悖论”
六、于平：舞剧《孔雀》的“灵”与“殇”
第三单元 张继钢舞剧创作评论的形态分析
单元概述
单元文选
一、张华：张继钢问题手记——大型舞蹈诗《献给俺爹娘》观后
二、吴子连：黄土的情感厚度——大型舞蹈诗《献给俺爹娘》观后谈
三、张华：莲花绽放，直指人心——大型舞剧《千手观音》断想
四、于平：大爱无疆、大爱无终、大爱无痕——张继钢与大型舞剧《千手观音》
五、吴枫：清新华美，雅俗共赏——观回族舞剧《花儿》兼议回族舞蹈特征
六、于平：天地的大美不言的歌——3D舞蹈诗《侗寨人家》观后
第四单元 门文元舞剧创作评论的形态分析
单元概述
单元文选
第五单元 林怀民、王玫舞剧创作评论的形态分析
第六单元 隆荫培、傅兆先舞蹈评论如何“形态分析”
第七单元 胡尔岩、杨少莆舞蹈评论如何“形态分析”
第八单元 冯双白、欧建平舞蹈评论如何“形态分析”
第九单元 张华、刘青弋舞蹈评论如何“形态分析”
第十单元 张萍、刘春舞蹈评论如何“形态分析”
第十一单元 黄惠民、张麟舞蹈评论如何“形态分析”
第十二单元 龚倩、董丽舞蹈评论如何“形态分析”
第十三单元 整体舞蹈赛事的形态分析(上)
第十四单元 整体舞蹈赛事的形态分析(下)
第十五单元 年度舞蹈创作的形态分析
第十六单元 跨年度舞蹈创作的形态分析
第十七单元 “见微知著”舞蹈评论的形态分析
第十八单元 “取精用宏”舞蹈评论的形态分析
下卷
**单元 舞蹈家个人作品晚会的形态分析
第二单元 中芭“创意工作坊”系列的形态分析

好的，这是一本关于舞蹈评论形态分析的教程的简介，内容将围绕该主题展开，力求详实、深入，同时避免提及您提供的书名本身。 --- 深入解析舞蹈之形：一种结构化的评论视野 在舞蹈艺术的广袤天地中，美感、情感与技巧的交织常常令人目眩神迷。然而，要超越纯粹的感官愉悦，抵达对作品深刻理解的彼岸，一套严谨、系统的分析工具必不可少。本书旨在为舞蹈研究者、评论家、编导乃至所有热爱舞蹈艺术的观众，提供一套系统化的、着眼于“形态分析”的评论方法论。我们相信，舞蹈的意义不仅在于其表现的叙事或情绪，更深植于其内在的结构、形式的组织与运动的逻辑之中。 第一部分：理论基石与分析范式 舞蹈作为一种时间性的、空间的、身体性的艺术，其形态分析必须建立在坚实的理论基础之上。本部分首先梳理了西方及东方传统中对“身体性”（Embodiment）与“空间性”（Spatiality）的不同理解，为后续的分析奠定哲学与美学基调。 我们探讨了从结构主义到后结构主义思潮中，如何将舞蹈视为一套符号系统进行解码。重点分析了符号学在舞蹈语汇构建中的应用，包括动作符号（Kinesign）、空间符号（Toposign）以及时间符号（Chronosign）的界定与辨识。观众在观看一场演出时，究竟看到了什么？仅仅是舞者的动作吗？本书引导读者认识到，每一个姿态、每一次转换、每一次停顿，都携带着特定的意义信息，等待被精确地识别和解读。 形态分析的核心，在于将复杂、流动的舞蹈体验“凝固”并“解构”为可观察、可量化的单元。我们引入了运动学（Kinesiology）的基本概念，但视角侧重于其在舞台呈现中的美学意义，而非纯粹的生理学分析。例如，分析“驱动力”（Initiation）、“流向”（Flow）和“张力”（Tension）如何塑造了动作的质感（Texture），以及这种质感如何服务于整体的形态结构。 第二部分：空间与群体的形态构建 空间是舞蹈的画布，也是形态分析中至关重要的一环。本部分聚焦于舞台空间（Stage Space）的利用与塑造。我们详细区分了“绝对空间”（Objective Space）、“相对空间”（Relational Space）和“心理空间”（Subjective Space）。 在形态的维度上，本书深入探讨了群舞（Ensemble Work）的组织方式。群体的形态绝非简单的数量堆砌，而是复杂的互动网络。我们引入了“群组关系模型”，分析诸如“对位”（Counterpoint）、“统一性”（Unison）、“分离与聚合”（Separation and Convergence）等组织原则如何构建出宏大的视觉叙事。例如，如何通过对空间几何图形的变换（如圆形、直线、螺旋）来表达主题的内在冲突或和谐。群舞的形态分析要求评论者具备快速捕捉空间动态变化的敏锐度，识别出从“集群”到“个体”的视觉焦点的转移机制。 此外，我们还专门设立章节讨论了舞台“景框”（Framing）与“视域”（Vantage Point）对形态感知的影响。舞者在舞台上的具体位置，与观众视线之间的关系，直接决定了形态的力度与清晰度。 第三部分：时间、节奏与运动的内在逻辑 舞蹈的第二维度是时间。本书对时间维度的分析超越了简单的节拍或速度的描述，而深入到节奏的层次结构（Rhythmic Hierarchy）与时间感的构建。 我们考察了“结构性时间”（Structural Time，即音乐或既定节拍）与“身体性时间”（Embodied Time，即舞者内在感受与外在表现的统一或错位）。一种有力的形态往往来自于对这两种时间感的巧妙操弄，例如，通过“延迟性”（Lateness）或“预见性”（Anticipation）来制造戏剧张力。 运动的内在逻辑分析，是形态解读的核心技术。我们从“动作链”（Action Chain）的角度出发，解析一个复杂的动作序列是如何从一个核心意图（Impulse）发展、分支并最终收束的。这种链式分析有助于揭示编舞者在构建运动动机（Motivation）上的精妙布局。我们提供了详细的图示和案例解析，展示如何跟踪一个特定的运动形态（例如，一个旋转或一个跌落）在其生命周期中的变异与演化。 第四部分：形态与风格的关联 形态分析的最终目的，是将具体的、可观察的结构特征，回溯到特定的艺术风格或时代语境之中。本书强调，形态并非孤立存在，而是承载着文化、历史与流派特性的“密码”。 我们通过对比分析不同风格（如古典芭蕾、现代舞、当代舞、特定地域民间舞蹈）中对“平衡”（Balance）、“重心”（Center of Gravity）和“线条”（Line）的不同处理方式，来确立风格的形态指纹。例如，古典芭蕾对垂直轴线的极致追求与当代舞蹈对身体多重重心的探索，构成了两种截然不同的形态哲学。 本书提供的工具箱，旨在帮助评论者和研究者从“它让我感觉如何”的感性层面，提升到“它是如何被构建并如何作用于我的感知”的理性层面。通过对舞蹈形态的细致剖析，我们不仅能够更公正、更深入地评价作品的艺术成就，更能揭示出舞蹈艺术在形式探索上的无穷潜力。这是一场关于观看、理解与阐释的深入旅程。

评分☆☆☆☆☆

拿到书后，首先吸引我的是那种严谨的学术编排，开篇的绪论部分就展现出一种“非此不可”的认真态度，它不像有些理论书那样喜欢用华丽辞藻堆砌，而是直奔主题，开宗明义地界定了“形态分析”在当代舞蹈研究中的核心地位。我注意到作者在构建分析模型时，似乎借鉴了符号学和结构主义的一些概念，这让人非常兴奋，因为它意味着我们终于可以摆脱那种主观臆断的“感觉派”评论了。最让我眼前一亮的是关于“肢体词汇库”的构建尝试，这简直是教科书级别的努力。它似乎试图将那些千变万化的身体姿态，归纳成一组有限且可被识别的“基本元素”。想象一下，如果我们可以像分析文字一样分析舞蹈的句子和段落，那该是多么高效和精准的交流方式？我尤其关注它对“空间关系维度”的划分，特别是对“高低、远近、向背”这些基础变量是如何与情感表达进行精确耦合的。如果这一部分论述扎实，那么对于初学者来说，它就是一本不可多得的入门指南，而对于资深研究者，它则是一个可以用来检验自己现有分析工具箱是否过时的参照标准。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这种宏大的理论著作通常抱有一种敬畏，但也夹杂着一丝审慎的怀疑，因为很多理论书写到最后，往往会陷入一种自我循环的僵局，所有的案例都成了用来佐证既定理论的工具，失去了对鲜活艺术的谦卑。我更希望这本书能展现出一种“自我否定”的勇气，即承认舞蹈艺术的流变性和不可完全被捕捉的本质。例如，在探讨现代舞中“断裂性”和“偶然性”的表达时，理论工具是否足够灵活，能够容纳那些故意打破传统逻辑的美学实验？我最想了解的是，作者如何处理“身体经验”与“文本理论”之间的张力。一个好的理论不应该压抑艺术的生命力，而是应该像一个透镜，让艺术的微妙之处更加清晰可见。如果这本书能提供一些处理“非常规动作序列”的分析路径，比如如何解析那些看似随机、实则蕴含着深层意图的肢体爆发，那它的价值就远超一般的教程了。我需要它教会我如何提问，而不是直接给出所有答案。

评分☆☆☆☆☆

从阅读体验上来说，这套书的排版和图示质量至关重要，尤其是对于这种强调“形态”的著作。如果大量抽象的理论描述没有清晰、精确的图例辅助，很容易让人在脑海中构建出错误的视觉模型，导致理解上的偏差。我非常看重它是否为那些核心概念提供了标准化的示意图，比如某种特定转体的启动与完成的力线分析，或者是不同呼吸模式所导致的躯干起伏差异。如果图示能够做到“一图胜千言”，并且标注详尽，那么学习的效率会大大提升。此外，我也在意它在不同舞蹈文化背景下的应用广度。一个优秀的教程，应该能在分析中国古典舞的圆融流动时，也能有效地解析现代舞的破碎几何，而不是仅仅偏向某一种体系。希望它能像一把万能的瑞士军刀，面对任何一种舞蹈语言的形态，都能找到最恰当的分析角度和工具。这本书是否能成为舞蹈教育者和研究者案头必备的“形态词典”，关键就在于这种平衡性和细节的打磨程度。

评分☆☆☆☆☆

最近的舞蹈界越来越倾向于跨学科合作，从装置艺术到多媒体介入，舞台的边界被不断拓宽，这给传统的形态分析带来了巨大的挑战。我非常关注这套书对“非人体要素”在舞蹈结构中所扮演角色的论述。比如，当灯光不再仅仅是背景照明，而是成为与舞者身体同等重要的叙事主体时，我们该如何将这种“光形”纳入到舞蹈形态的分析范畴内？又或者，当舞者与虚拟影像进行互动时，这种人机耦合的运动轨迹，应该如何被准确地量化和描述？如果它能提供一套整合了视觉艺术、声学结构与形体运动的复合分析模型，那么它无疑走在了时代前沿。否则，它可能就只是一个高效的“古典形体解剖工具”，难以应对当代艺术的复杂性。我期望的分析框架是开放的，能够容纳不断涌现的新技术和新媒介对传统舞蹈语言的渗透与重塑。

评分☆☆☆☆☆

这本大部头的舞蹈理论著作，光是拿在手里就能感受到它的分量，那种沉甸甸的感觉，仿佛是凝结了无数个日夜的学术心血。我一直对舞蹈的深层结构和美学原理抱有浓厚的好奇心，但市面上大多是偏向表演技巧或历史回顾的读物，真正能从“形体语言”本身去剖析其内在逻辑的体系化教材实在稀缺。我特别期待它能提供一套扎实、可操作的分析框架，而不是那种空中楼阁般的哲学思辨。比如，在处理古典芭蕾的“转”与“跳”时，它是否能清晰地勾勒出不同流派在空间运用和时间节奏上的差异化指标？如果能像音乐学那样，建立起一套关于“运动主题”和“结构母题”的识别系统，那对舞蹈编导和评论家来说，无疑是打开了一扇新的大门。我更在意它如何处理“动态中的平衡”与“静止中的张力”，这种辩证关系在舞台上稍纵即逝，需要极其精密的语言去捕捉和固化。希望它不仅仅停留在描述层面，而是能深入到身体力学的逻辑与文化符号的转化之间，为我们提供一把解构舞台奇观的钥匙。读完后，我期望自己能用一种全新的、更具批判性的视角去观看任何一场舞蹈演出，而不是被表面的华丽所迷惑。