卡爾·阿爾伯特·萊施霍恩:進階鋼琴練習麯18Op.67:18 Etudes For pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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圖書標籤:

• 鋼琴麯
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• 古典音樂
• 鋼琴教學
• 進階
• Op
• 67
• 練習麯
• 技術練習
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齣版社： 上海教育齣版社

ISBN：9787544477406

商品編碼：29721481379

商品基本信息，請以下列介紹為準
商品名稱：	卡爾·阿爾伯特·萊施霍恩:進階鋼琴練習麯18Op.67:18 Etudes For
作者：	陳學元
定價：	42.0
齣版社：	上海教育齣版社
齣版日期：	2018-03-01
ISBN：	9787544477406
印次：	1
版次：	1
裝幀：	平裝
開本：	8開

內容簡介

這本練習麯其程度大緻相當於車爾尼作品299到作品740。此次齣版的《萊施霍恩不錯進階鋼琴練習麯18：作品67》)編訂時陳學元修改瞭該版中的部分錯誤。本書的18練習麯分彆針對不同的技術要點進行瞭專項訓練，富有鏇律感。

好的，這是一份圍繞“卡爾·阿爾伯特·萊施霍恩:進階鋼琴練習麯18Op.67:18 Etudes For”這個標題，但內容完全不涉及該練習麯集的圖書簡介： --- 探索二十世紀早期歐洲的音樂生活與思潮：從維也納的咖啡館到巴黎的沙龍 一部深度考察1900年至1930年間歐洲大陸音樂文化生態的專著 導言：一個巨變的時代背景 本書旨在深入剖析二十世紀前三十年，即“美好年代”的黃昏與兩次世界大戰陰影下的歐洲音樂景觀。這是一個技術飛速發展、社會結構經曆劇變，同時藝術思潮以前所未有的速度迭代的時期。古典音樂不再是貴族和宮廷的專屬，它走進瞭音樂廳、咖啡館，乃至新興的錄音室。 我們聚焦的地理核心是中歐的文化動脈——維也納、柏林，以及西歐的藝術之都巴黎。這些城市不僅是音樂傢和作麯傢匯聚的熔爐，更是新舊觀念激烈碰撞的前沿陣地。本書將超越對具體作品的純粹分析，轉而探究在技術進步、政治動蕩和哲學轉嚮的宏大敘事下，音樂是如何被創作、傳播、接受和被遺忘的。 第一部分：維也納的終結與新聲音的萌芽（1900–1918） 1.1 世紀之交的文化遺産與焦慮 維也納，作為十九世紀浪漫主義的最後堡壘，在進入新世紀時，卻充滿瞭深刻的焦慮感。本書將首先考察這種“末世情結”是如何滲透到音樂創作中的。我們分析瞭馬勒（Mahler）晚期作品中對宏大敘事解構的嘗試，以及施特勞斯（Strauss）在調性邊界上進行的探索。 重點章節將討論那些在德奧體係內徘徊，尋求突破卻又難以割捨傳統的“中間一代”作麯傢。他們麵對的是一個既需要創新又恐懼徹底決裂的矛盾處境。 1.2 調性革命的先驅：席勒與肖恩堡的早期影響 本部分將詳盡梳理阿諾德·勛伯格（Arnold Schoenberg）在形式和和聲上邁齣關鍵性步伐的階段。我們考察瞭其在私人教學和小型室內樂團中的實踐，分析瞭《晴朗的一夜》（Verklärte Nacht）所引起的保守派的抵觸，並探討瞭這些早期探索是如何為日後十二音體係的誕生埋下伏筆。 同時，我們也將目光投嚮瞭那些在和聲模糊化方麵做齣貢獻，但最終並未完全步入無調性領域的作麯傢，如早期的信德和魏本的早期作品，他們的“半途而廢”反而構成瞭對既有秩序的有力質疑。 1.3 歌劇院的政治化：從理查·施特勞斯到民族主義的張力 歌劇院在德語區不僅僅是藝術場所，更是民族認同和政治風嚮標的競技場。本書分析瞭如何通過歌劇劇本的選擇、審查製度的鬆緊，來觀察和衡量帝國的文化控製力。這部分內容著重於對新興劇作傢的分析，他們如何以古典神話或民間故事為載體，暗中錶達對現有體製的疏離感。 第二部分：巴黎的“聲音解放”與印象主義的擴展（1900–1925） 2.1 印象的捕捉與色彩的運用 巴黎作為對德奧體係持批判態度的藝術中心，其音樂風格呈現齣截然不同的麵貌。本書細緻考察瞭德彪西（Debussy）對音樂“質感”和“氛圍”的追求，尤其關注他如何從日本浮世繪、象徵主義詩歌以及自然現象中汲取靈感，構建齣一種聽覺上的“光影變幻”。 我們不僅僅重述其著名作品，而是深入分析其配器技巧的創新——特彆是對木管樂器和打擊樂的精妙使用，這些創新極大地拓展瞭傳統管弦樂隊的錶現力邊界。 2.2 新古典主義的萌芽與對“過度情感化”的抗拒 隨著“美好年代”的虛幻感被戰爭打破，巴黎的音樂傢們開始尋求一種更清晰、更注重形式的錶達方式。這構成瞭新古典主義思潮的開端。本書探討瞭拉威爾（Ravel）如何在繼承法國浪漫主義傳統的同時，融入對巴赫和莫紮特時期清晰結構的迴溯，以及他對節奏的革新性處理，使其作品既有現代的銳利感，又不失優雅的骨架。 第三部分：戰後歐洲的重塑與國際影響（1918–1930） 3.1 東方主義、爵士樂與跨文化對話 一戰後，歐洲對異域文化的接受度空前高漲。爵士樂（Jazz）作為一種新興的、充滿活力的節奏形式，開始滲透到歐洲的嚴肅音樂創作中。本書記錄瞭巴黎的“爵士熱”，分析瞭作麯傢如何將切分音、不協和和弦以及搖擺節奏“古典化”，融入到他們的交響詩或芭蕾音樂中。 同時，我們考察瞭對俄國“五人團”和斯特拉文斯基的早期作品中“原始主義”（Primitivism）的藉鑒，這些外部影響如何共同推動瞭歐洲音樂擺脫其十九世紀的桎梏。 3.2 錄音技術與音樂傳播的革命 在本書研究的這段時間，留聲機和廣播開始進入尋常百姓傢。我們探討瞭技術革新對音樂接受度的影響： 演奏實踐的標準化： 錄音迫使演奏傢開始追求更精準的節奏和更統一的詮釋，這在某種程度上削弱瞭即興創作的空間，但也提升瞭作品復雜性的再現能力。 作麯傢的自我認知： 作麯傢第一次有機會聽到自己的作品以“客觀”的形式留存下來，這對他們的自我批評和後續創作産生瞭微妙的反饋作用。 3.3 音樂教育的範式轉變 最後，本書關注瞭音樂教育體係在戰後如何應對新的創作趨勢。傳統的“和聲學”和“對位法”教學麵臨挑戰，新的音樂語匯如何被納入學院體係，以及那些拒絕接受新潮的保守派教師和學派所采取的抵製策略。這一轉變是理解後繼二十世紀下半葉音樂發展的基礎。 結語：在斷裂與延續之間 二十世紀的第一個三十年，是歐洲音樂史上一次劇烈的“斷裂”。本書力圖展現，這種斷裂並非憑空齣現，而是建立在對十九世紀晚期復雜思潮的繼承、反思與最終的決裂之上。通過對特定時間、特定地點的文化環境的細緻描繪，我們得以更清晰地理解，那些今天被奉為經典的現代音樂作品，是如何在那個動蕩而充滿創造力的時代中，掙紮著走嚮成熟的。 ---

評分☆☆☆☆☆

我是一個非常注重“版本”和“演奏傳統”的鋼琴學習者。在選擇教材時，我會花大量時間去研究不同版本間的細微差彆，以及演奏大師們是如何處理特定段落的。對於萊施霍恩的作品，這本《18首進階練習麯》最棒的地方在於，它提供瞭一個非常紮實、幾乎不可動搖的“基礎框架”。它不像那些過於前衛的二十世紀練習麯那樣充滿不確定性，也不像早期古典練習麯那樣在某些方麵略顯單薄。它提供的是一種非常成熟、符閤聲學原理的“如何把聲音從鋼琴裏完美提取齣來”的方案。我花瞭很長時間去研究那些被標記為“速度與精準度”的段落，我發現作麯傢對力度變化的標記（從pp到ff之間的過渡）是極其細緻入微的。這迫使我必須重新審視我的觸鍵方式——從指尖到指根的每一個肌肉群的參與度。最終的效果是，不僅我的技術得到瞭提升，我的音樂理解力也得到瞭一個側麵的深化，因為它教會我，最偉大的技術錶達，往往源於最微小的力度控製。這本書是工具書，但更是藝術的入門指南。

評分☆☆☆☆☆

我給《卡爾·阿爾伯特·萊施霍恩:進階鋼琴練習麯18首，作品67》打五星，純粹是因為它成功地拓寬瞭我對鋼琴演奏中“聲部平衡”的理解。我過去常犯的錯誤是，總是不自覺地把右手鏇律彈得太響，而左手的伴奏或者內聲部總是顯得蒼白無力，或者乾脆被右手完全掩蓋。萊施霍恩的這套練習麯，尤其是中間幾首涉及大量復雜復調結構的練習，簡直是一堂堂生動的“聲部雕刻課”。他似乎總是將一個技術難題隱藏在一個需要清晰劃分不同力度的聲部結構裏。比如有一首練習，左手需要同時處理分解和弦的低音、中聲部的和聲填充，以及偶爾探齣頭來的對鏇律的呼應，如果處理不好，聽起來就是一團漿糊。我用瞭將近一周時間，專門練習如何用不同的觸鍵深度和重量來區分這些聲部，效果立竿見影。現在我再彈奏肖邦或舒曼的作品時，突然之間，那些原本模糊不清的內聲部綫條開始清晰地浮現齣來瞭，像是霧氣散開，整個音樂的立體感瞬間增強瞭。這本書不隻是讓你彈快，它讓你彈“清楚”，讓你聽到音樂中每一個細微的層次變化。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，我最初購買這本練習麯，是衝著“Op.67”這個編號去的，希望能找到一些相對冷門的、但學術價值很高的麯目來充實我的麯庫。然而，我的期望值被這本書的“實用性”遠遠超越瞭。市麵上很多“進階”練習麯，要麼難度跨度太大，要麼風格過於單一，讓人很難找到持續練習的動力。萊施霍恩的作品則展現齣一種驚人的平衡性。這十八首麯子，從技術涵蓋麵上看，幾乎囊括瞭浪漫主義晚期到二十世紀初對鋼琴演奏傢提齣的所有核心挑戰：快速的音階和琶音、復雜的節奏型、雙手的交叉與獨立、以及對踏闆的精確控製。最讓我印象深刻的是，他沒有采用那種德奧體係裏常見的嚴謹到近乎教條的結構，而是用一種更自由、更抒情的筆觸來包裝這些技巧。這意味著，在完成艱苦訓練的同時，我完全可以把它當作小型音樂會麯目來準備。我的老師也高度贊揚瞭這一點，認為它能很好地銜接巴赫和更現代的李斯特/拉赫瑪尼諾夫之間的技術鴻溝。

評分☆☆☆☆☆

這本《進階鋼琴練習麯18首，作品67》簡直是為我這種正處於技術瓶頸期的中高級學習者量身定做的“救星”。我之前總覺得自己的手指在某些快速跑動和復雜的和弦轉換上像是被什麼無形的力量束縛住瞭，速度上不去，清晰度也總是有欠缺。翻開這本厚厚的樂譜，第一印象就是排版非常清晰，雖然是德文原版印刷的注釋（我買的是進口版），但音符本身的處理就足夠直觀。萊施霍恩這位作麯傢，他的思考角度非常巧妙，不像某些練習麯那樣隻是機械地重復某種技巧，而是將技術難點巧妙地編織在非常具有音樂性和歌唱性的鏇律綫條中。特彆是其中幾首探討八度連續跳躍的麯子，以前我一遇到八度就緊張，感覺手腕要僵住，但讀譜時發現他給齣的指法建議非常人性化，強調瞭放鬆和重心轉移，而不是一味地“用力壓”。我目前正在攻剋第十二首，那段連續的三連音十六分音符的對位練習，簡直是對手指獨立性和耐力的終極考驗。每次練習完都感覺手指像是跑完瞭一場馬拉鬆，酸痛卻又帶著一種“突破自我”的成就感。這本書的價值絕不僅僅在於技術訓練，更在於它引導你如何帶著音樂性去解決技術問題，避免瞭枯燥的機械重復，讓人真正沉浸在對音樂的打磨之中。

評分☆☆☆☆☆

這本書帶給我的最大心理感受是一種“沉浸式的孤獨感”，當然，這裏的“孤獨”是正麵的，指的是一種高度專注的、與自我技藝對話的狀態。我發現，當你真正進入這些練習麯的內在邏輯時，周圍的世界似乎都安靜瞭，隻剩下你和琴鍵之間那場精密的較量。例如，有一首專門針對快速雙音和三度進行進行訓練的練習，它要求你的雙臂必須達到一種近乎冥想般的同步狀態，任何一絲猶豫或緊張都會立刻暴露無遺。我發現自己練習的時候，會不自覺地將速度放慢，不是為瞭偷懶，而是為瞭體會每一次音符的“重量”和“銜接”。這種深度的專注訓練，對於改善演奏中的“慌亂感”極為有效。現在我麵對高難度麯目時，那種生理性的恐慌感減少瞭很多，取而代之的是一種對結構和節奏的內在把握。這本練習麯，與其說是在教你彈奏技巧，不如說是在重塑你對“掌控”樂器的神經連接。