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店铺： 蔚蓝书店

出版社： 暨南大学出版社

ISBN：9787566821560

商品编码：29721842748

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	音乐高考新谱视唱 音乐 书籍
作者：	管佩鸿
定价：	43.0
出版社：	暨南大学出版社
出版日期：	2017-08-01
ISBN：	9787566821560
印次：
版次：	1
装帧：	平装-胶订
开本：	大16开

内容简介

本书主要针对各音乐院校、师范院校相关专业的入学考试。全书共分为三个部分：*部分为无调号、无变音记号的基础级新谱视唱；第二部分为无调号、有临时变音记号的提升级新谱视唱；第三部分为一个升降记号的强化级新谱视唱。全书侧重新谱视唱中的难点：大跳与临时变音记号。本书实性强，作者、精编 800 道练习题，旨在提高考生视唱学习的效率与质量，增强考生的实战能力。

目录

前言 第二部分   新谱视唱（提高篇） 第三部分   新谱视唱（强化篇）

好的，这是一份关于其他音乐类书籍的详细简介，旨在涵盖广泛的音乐学习领域，但不涉及您提到的《音乐高考新谱视唱 音乐 书籍》的内容： --- 音乐学习与探索：从古典精髓到现代潮流的深度导览 本套精选音乐读物汇集了对音乐理论、历史、实践以及跨文化音乐现象的深度剖析。我们旨在为音乐爱好者、学生、教育者以及专业人士提供一个全面且富有启发性的知识宝库，涵盖从巴洛克时期的严谨结构到二十一世纪电子音乐的无限可能。 第一辑：西方古典音乐的殿堂与脉络 1. 《和声的逻辑与织体：从对位法到赋格的构建》 本书深入探讨了西方古典音乐的核心——和声学和对位法。它并非仅仅罗列规则，而是通过分析巴赫、莫扎特、贝多芬等大师的作品，揭示和声进行背后的情感逻辑和结构功能。 内容详述： 第一部分详述了功能和声的演变，从三和弦到复杂的七和弦、九和弦的运用，以及调性转换的技巧。第二部分聚焦于十八世纪的对位艺术，详细解析了严格对位（Species Counterpoint）的原则，并以大量实例展示了二部、三部、四部对位在不同声部间的张力与平衡。最终，本书以巴赫的《平均律键盘曲集》和《音乐的奉献》中的赋格为例，系统讲解了主题的呈示、展开、再现以及各种赋格技巧（如倒影、增值、减值）。 目标读者： 音乐理论专业学生、作曲系本科生、对深入理解古典音乐结构有浓厚兴趣的演奏家。 2. 《浪漫主义的狂想：情感、民族与交响诗的诞生》 本卷聚焦于19世纪，一个充满个人英雄主义、民族意识觉醒和极致情感表达的时代。书中细致考察了李斯特、瓦格纳、马勒等巨匠如何打破既有形式，用音乐语言描绘宏大的叙事和深刻的内心世界。 核心议题： 书中对“主导动机”（Leitmotif）理论进行了细致的梳理，探讨了它在歌剧和交响诗中的叙事功能。同时，对民族乐派（如德沃夏克、穆索尔斯基）如何吸收民间曲调、建构本民族音乐身份进行了深入的案例分析。关于配器法，本书特别分析了浪漫主义时期管弦乐队的扩张，以及瓦格纳对铜管乐器和音色的革命性使用。 特色章节： 特别收录了关于“音乐中美的界限”的哲学探讨，对比了德彪西印象主义音乐对传统浪漫主义的反思。 3. 《20世纪的音乐语言：从无调性到序列主义的探索》 本书是理解现代音乐“陌生感”的钥匙。它清晰地梳理了从瓦解调性到构建全新音乐体系的复杂历程。 理论框架： 从勋伯格的无调性实践开始，系统阐述了十二音体系（Dodecaphony）的规则和其实际运用。随后，深入剖析了韦伯恩（Webern）的序列主义如何将十二音原则推向更精密的组织结构。中间穿插对斯特拉文斯基（Stravinsky）的原始主义（Primitivism）和巴托克（Bartók）民族音乐融合手法的比较研究。 实践指导： 附带了大量现代作品的片段分析，帮助读者理解非传统节奏、复调织体和非常规演奏技法的听觉感受。 第二辑：演奏技巧与艺术实践 4. 《键盘演奏的百年技艺：从哈农到当代钢琴家的指法研究》 这是一本面向所有键盘演奏者的实用指南，旨在弥合技术练习与艺术表现之间的鸿沟。 技术核心： 详尽分析了古典主义、浪漫主义以及二十世纪钢琴文献对指法和触键（Touch）的不同要求。书中并非简单复述既有练习曲，而是探讨如何将练习曲的机械性训练转化为音乐的呼吸感。 案例剖析： 对比了肖邦练习曲中对柔韧性和重音的控制，以及德彪西作品中对音色层次和踏板模糊感的处理。书中特别包含了对演奏姿势、手型稳定性的生物力学分析，帮助演奏者建立健康且高效的演奏习惯。 5. 《管弦乐配器法：色彩的调配与声部的平衡艺术》 本书是配器学习的经典教材，侧重于对不同乐器家族特性的深刻理解和舞台声学效果的模拟。 乐器特性与音域： 详细介绍了木管、铜管、打击乐和弦乐各自的最佳表现范围、连奏与断奏的能力，以及特殊的演奏技巧（如泛音、颤音、多音）。 织体构建： 重点讨论了如何处理对位织体中的声部清晰度，尤其是在大型管弦乐队中，如何确保低音区的支撑、中声部的饱满和高声部的穿透力。书中提供了大量从海顿到马勒的配器片段对比，直观展示了不同时代对“管弦乐色彩”的不同理解。 第三辑：音乐的社会、文化与跨界视野 6. 《爵士乐的根源与即兴的自由：从布鲁斯到比波普》 本书追溯了爵士乐在美国的起源，分析了其复杂的节奏结构、和声语言和即兴哲学的形成过程。 历史演进： 详细介绍了早期新奥尔良的集体即兴、摇摆乐时代的和声简化与编曲标准化，以及比波普（Bebop）如何引入复杂和弦延伸和快速的旋律线条，标志着爵士乐从娱乐音乐向艺术音乐的转型。 即兴解析： 深入分析了布鲁斯音阶、调式即兴以及“替代和弦”（Chord Substitution）的技巧。通过对查理·帕克、迈尔斯·戴维斯等大师独奏的乐谱化分析，揭示了天才即兴背后的结构美感。 7. 《全球音乐学导论：田野调查与民族音乐的当代视野》 这是一本侧重于人类学视角的音乐书籍，探讨音乐如何在不同的文化和社会结构中被创造、传承和使用。 方法论： 详细介绍了民族音乐学的田野调查方法，包括录音技术、访谈技巧和文化语境的记录。 文化案例： 分析了非西方音乐体系（如印度斯坦尼古典音乐的拉格系统、非洲鼓乐的复节奏结构）的内在逻辑，并讨论了全球化背景下，传统音乐如何应对商业化和媒介传播带来的挑战与机遇。书中关注音乐在仪式、劳动和身份认同中所扮演的角色。 8. 《流行音乐产业的幕后：词曲创作、制作与版权生态》 本书将视角转向当代音乐产业，解析一首热门歌曲从概念到面市的全过程。 创作流程： 探讨了流行歌曲的结构（AABA、Verse-Chorus-Bridge）的有效性，以及如何利用简单的和声模进创造抓耳的旋律。 录音棚技术： 解释了现代音乐制作中的关键环节，如效果器（混响、压缩器、均衡器）的使用原理，以及如何通过混音来塑造人声和乐器的空间感与冲击力。同时，对数字音频工作站（DAW）的操作逻辑和现代母带处理技术进行了入门级介绍。 法律与商业： 概述了音乐版权（词曲版权与录音版权）的基本概念，以及流媒体时代下音乐人如何维护自身权益。 --- 本套书系力求全面覆盖音乐学习的各个层面，从古典艺术的精深理论到现代音乐的实践操作，为求知者提供一个结构严谨、内容丰富的知识体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的体量之大，内容之深，远超出了我对一本“高考辅导”用书的预期，它更像是一部系统化的音乐基础理论与实践结合的专著。我花了大量时间去研究其中关于曲式结构分析的部分，发现作者在剖析那些经典乐曲结构时，所采用的分析框架非常独到和透彻。他不仅仅是简单地标出“呈示部”、“发展部”，而是深入挖掘了旋律动机在不同区域的演变和重组规律，这一点对于提高我的音乐理解力和即兴创作能力非常有启发性。而且，书中的“自测”与“回顾”环节设计得非常巧妙，它们并非孤立的测试题，而是巧妙地与前面的知识点形成互文关系，能够有效巩固刚刚学到的内容，真正做到了学以致用。我特别喜欢它对“音乐思维”的培养引导，作者多次强调，技术是为表达服务的，这使得学习过程不仅仅是机械地记忆音符和节奏，而是逐渐提升到一种更具人文关怀和审美深度的层次。这本书为我打开了一扇理解音乐深层逻辑的大门，感觉像是拥有了一个私人的、全天候待命的音乐顾问。

评分☆☆☆☆☆

当我开始真正深入研读这本书的某些章节时，那种由内而外散发出的“实战性”立刻抓住了我的注意力。这绝不是那种停留在纸面上的空泛理论集合，它更像是一位经验丰富的声乐或器乐导师，直接将他多年积累的“诀窍”和“捷径”毫无保留地倾注在了字里行间。特别是关于视唱练耳部分，它提供的练习材料种类极其丰富，从最基础的音程辨识到复杂的变拍子和不协和音程的快速捕捉，难度梯度设置得非常科学合理。我注意到书中巧妙地融入了一些现代音乐的元素和节奏型，这在传统的教材中是比较少见的，极大地拓宽了我的音乐视野，让我不再局限于古典体系的思维定式中。作者在讲解某些技巧时，所用的比喻和类比都非常生动形象，常常能一语道破困扰我已久的练习难点。举个例子，书中对于如何快速稳定地找到高音区的“支点”，用了一个关于“空气柱支撑”的比喻，一下子就让我找到了感觉，这种直击痛点的教学方式，效率实在太高了。

评分☆☆☆☆☆

我非常欣赏这本书在资料的广度和深度上所体现出的那种近乎偏执的追求。它不仅仅关注了高考本身可能涉及的曲目范围，而是将视野拓展到了更广阔的音乐领域，这对于任何一个真正热爱音乐的人来说都是一种享受。书中引用的示例曲目，跨越了不同的历史时期和不同的音乐风格，既有巴赫的严谨，也有浪漫主义时期的抒情，甚至还隐约触及到一些现代作曲家的技法。这种全面的熏陶，极大地提升了我对音乐作品的鉴赏力和敏感度。更令人感到惊喜的是，书中对于一些历史上著名的音乐家或教育家的教学理念，也进行了恰到好处的穿插介绍，这使得原本平面的练习内容变得立体起来，充满了历史的厚重感和人性的光辉。这本书的价值远超其标价，它不仅仅是应试的工具书，更是一本可以陪伴我度过音乐学习生涯的、不断可以重新审视和学习的“宝典”，每次翻阅都能发现新的闪光点，这是我遇到的最好的音乐学习资源之一。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太吸引人了，封面选用的那种略带磨砂质感的深蓝色，配上烫金的标题字体，散发着一种低调而又不失专业的古典美感。我原本以为这会是一本内容上比较枯燥的教材，但翻开内页后，惊喜地发现排版布局极其用心。乐谱的印刷清晰度达到了教科书级别的标准，即便是那些复杂的五线谱和节奏记号，在微小的细节上也处理得非常到位，没有出现任何模糊或重影的现象。纸张的厚度适中，光线反射柔和，长时间阅读下来眼睛不容易疲劳。侧边还设计了一个巧妙的书签带，方便随时标记学习进度。更值得称赞的是，它在章节的过渡处理上非常流畅，不同主题之间的逻辑衔接自然流畅，让人感觉作者对整体内容的掌控力极强，不仅仅是知识的堆砌，更像是一次精心编排的音乐旅程的引导手册。我尤其欣赏它在细节信息展示上的严谨性，比如在介绍某些特定调式或复杂的和声进行时，都会附带一些非常精炼的理论注解，既保证了学术的严谨性，又避免了过度冗长，对于自学者来说，这种平衡感是极其宝贵的。

评分☆☆☆☆☆

与其他市面上那些充斥着大量枯燥图表和晦涩术语的音乐书籍相比，这本书在语言风格上做出了非常成功的转变。作者的叙述方式非常口语化，读起来亲切自然，完全没有那种高高在上的学术腔调。即便是对于初学者来说，那些相对专业的概念，比如“和声功能”、“对位法基础”等，也被作者用极其精炼和贴近生活的语言进行了解释，使得学习过程中的挫败感大大降低。我感觉作者非常懂得读者的心理，他知道我们会在哪里感到迷茫，因此总是在关键节点提供及时的“心理按摩”和方法指导。比如，在处理一些需要极高协调性的练习时，书中会插入一些关于如何进行“微小目标分解”的心态调整建议，这些非技术性的指导，对保持学习的热情起到了关键作用。这本书的成功之处在于，它成功地搭建了“理论知识”与“实际操作”之间的桥梁，让每一个知识点都找到了它在实际演奏或演唱中的具体落脚点，真正体现了知行合一的教育理念。