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店铺： 秋色宜人图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103044285

商品编码：29733148741

丛书名： 铃木大提琴教材

出版时间：2013-01-01

书籍信息   书名 铃木大提琴教材（修订版 第五、六册） 字数 作者 （日）铃木镇一 编著 页码 29 出版社 人民音乐出版社 版次 1 出版日期 2013-1-1 装帧 平装 ISBN 9787103044285 开本 大16开  内容提要   《铃木大提琴教材（第5、6册）（修订版）》汇集了一些世界名曲、各国流行的名歌，也有一些传统训练用的材料，这种编排较能激发学习者的兴趣。通过熟悉一些人们喜闻乐见的旋律，从掌握音乐语汇的表达能力入门，可避免由于过于枯燥的纯技术练习而削弱音乐对心灵的震撼。当学习者进入自学、兴趣盎然的学习状态时，努力克服更艰深的技术会成为乐趣而不是苦事了。   目录   第五册 E小调奏鸣曲 乡村舞曲 咏叹调——选自第156号康塔塔 回旋曲——选自《第四协奏曲》（节选） 单指音阶练习 装饰性指法练习   第六册 天鹅——选自《动物狂欢节》 快板——选自《D大调协奏曲》 拇指音阶练习 装饰性指法练习 塔兰泰拉舞曲 回旋曲——选自《D大调第二协奏曲》 快板——选自《G小调双大提琴协奏曲》（大提琴） 快板——选自《G小调双大提琴协奏曲》（第二大提琴）

 商城正版 铃木大提琴教材（修订版 第五、六册） （日）铃木镇一

在线时间：09:00AM-24:00AM

好的，这是一份详细的、关于其他经典音乐教材的图书简介，旨在与您提供的《铃木大提琴教材（修订版 第五、六册）》形成对比，并避免提及该书内容。 --- 书目精选：探寻古典音乐教育的深层结构与技巧革新 本套精选图书聚焦于西方古典音乐教学体系中，针对弦乐器（特别是小提琴、中提琴）以及键盘乐器（钢琴）的核心训练方法论与曲目深度挖掘。我们旨在为学习者、教育工作者及音乐爱好者提供一套全面、系统且富有历史深度的参考资料，用以构建坚实的音乐基础，理解演奏技艺的演进，并培养卓越的音乐审美能力。 第一部分：小提琴与中提琴演奏技术精研 本部分重点收录了两部具有里程碑意义的弦乐教学法专著，它们分别代表了欧洲大陆学派与英美学派在早期与中级技术训练上的不同侧重。 一、《奥尔小提琴系统教程：高级指法与换把技术精讲》 作者背景与核心理念： 本书由著名的匈牙利小提琴教育家雅诺什·奥尔（József Bloch/Jenő Hubay 体系继承者）的核心教学思想凝练而成。奥尔的教学法强调科学的身体运动原理、关节的放松以及对手指力量的精准控制。其核心理念在于，技术是为音乐表达服务的，任何炫技都必须根植于扎实的物理基础之上。 内容详述： 本书深入探讨了中级至高级阶段学习者必须攻克的几大技术难关。 1. 换把的“无缝”处理： 详细解析了从一、二把位到高把位的平滑过渡技巧。内容包括对不同把位之间音程关系的敏感度训练，以及如何利用弓的触弦点变化来辅助手指的快速移动，从而实现声音的连续性，避免“断音”或“噪音”。 2. 高把位音准的校准： 针对初学者容易出现的高把位音准不稳定的问题，本书提供了基于听觉记忆与视觉参照点的独特练习法。尤其详细阐述了四指、三指在第五把位以上如何调整指尖的宽度和压力，以达到最佳的共鸣效果。 3. 复杂的揉弦技巧： 书中区分了“手腕式揉弦”、“手臂式揉弦”以及混合揉弦的适用场景。通过大量具体的练习曲片段（多选取自克莱斯勒早期作品的片段作为示范），指导学生如何根据乐曲的情绪需求，调整揉弦的速度与幅度，从宽广的、歌唱性的揉弦过渡到快速、紧张的颗粒感揉弦。 4. 双音与和弦的均衡性： 这是本书的另一大亮点。它不仅仅停留在教学生如何奏响双音，更侧重于如何保证两个音符在音量、音色上的完美平衡。详细解释了弓杆的倾斜角度、羊毛的压力分布对不同弦上音高的影响。 教学价值： 本书是寻求突破技术瓶颈、深化对小提琴机械原理理解的演奏者不可或缺的参考资料。 二、《廷代尔中提琴精选练习曲：音色塑形与中提琴特有发声法》 作者背景与核心理念： 该教程由著名中提琴家、教育家阿诺德·廷代尔（Arnold Tindle）在二十世纪中叶编纂，旨在弥补当时中提琴教材在针对乐器自身物理特性挖掘上的不足。廷代尔强调中提琴的“温暖”与“深度”，认为其音色美感源于对琴弓重量的充分利用。 内容详述： 本书的核心在于解决中提琴特有的“厚重感”与“穿透力”之间的矛盾。 1. 弓法深度与重量管理： 详细指导如何利用中提琴较大的琴身和更粗的琴弦，通过增加弓的垂直压力而非仅仅是摩擦力来产生饱满的音头。大量的“慢弓练习”被设计用于训练学生对弓根、弓中、弓尖不同区域的控制，尤其是如何让中提琴发出类似大提琴般圆润的低音。 2. C 弦的开发： C 弦被认为是中提琴的灵魂，但也是最难驾驭的音域。本书设计了专门的音阶与琶音练习，旨在提升C 弦的灵活性，使其在快速乐段中不显拖沓，同时在高把位保持其特有的忧郁质感。 3. 不同弦之间的音色转换： 廷代尔特别关注相邻两弦切换时，由于琴弦张力、粗细差异导致的音色突变。教材提供了大量的“换弦练习”，要求学生在换弦的同时，即刻调整弓速和压力，实现音色的平滑过渡，增强音乐线条的连贯性。 教学价值： 本书是专为中提琴学习者设计的，用于建立其独特的音色观念，克服乐器本身的演奏局限性。 --- 第二部分：钢琴演奏与和声分析的宏观视野 本部分则将视角转向键盘乐器，探讨了超越纯粹技巧的音乐理解层面，特别是对巴赫作品的诠释与欧洲传统和声学的深入研究。 三、《海顿与莫扎特钢琴奏鸣曲：古典主义风格的结构分析与触键研究》 作者背景与核心理念： 本书由享有盛誉的德奥音乐学教授所著，旨在引导学生从结构主义角度理解奏鸣曲的逻辑，避免陷入纯粹的指法练习，强调“建筑美感”在演奏中的体现。 内容详述： 本书选取了海顿与莫扎特（精选了K.331、K.545等）的代表性奏鸣曲作为分析范本。 1. 呈示部的逻辑： 详细分析了呈示部如何构建对比性主题（主导性、附属性），以及发展部如何通过和声离调来制造紧张感。重点讲解了“奏鸣曲式”中的终止部（Codetta）在结构上的关键作用。 2. 触键的“清晰度”： 与浪漫主义作品追求的“歌唱性”和“延展性”不同，本书对古典主义时期的触键提出了极高的“清晰度”要求。它通过分析古钢琴（Fortepiano）的机械特性，指导现代钢琴学习者如何使用更轻盈、更快速的指尖动作来模拟当时乐器的音色，确保快速音群的颗粒感与节奏的精确性。 3. 踏板的审慎运用： 明确指出在演绎早期奏鸣曲时，踏板应被视为“色彩工具”而非“连奏工具”。书中通过对巴赫与海顿乐谱中明确的连奏记号（Legato Markings）的考察，论证了许多现代钢琴家过度使用延音踏板对古典主义音乐清晰度的损害。 教学价值： 对于希望深入理解古典主义音乐演奏规范、提升乐曲结构分析能力的学习者，本书提供了宝贵的理论支撑与实践指导。 四、《十九世纪欧洲和声学：从李斯特到德彪西的调性边缘探索》 作者背景与核心理念： 这是一部深入研究十九世纪中后期和声语言演变的学术著作。它并非基础的和声学入门，而是聚焦于传统功能和声如何被拓展、扭曲乃至瓦解的过程，为演奏者理解晚期浪漫主义和印象派的音乐语言打下坚实基础。 内容详述： 本书以瓦格纳的半音体系为起点，系统梳理了调性向色彩性转换的关键节点。 1. “三全音”的解放： 详细解析了瓦格纳“特里斯坦和弦”的功能性模糊，以及它如何为后续作曲家提供了摆脱传统主属和弦关系的自由。内容涵盖了复杂的经过和弦与远关系转调的分析方法。 2. 平行和声的运用： 重点分析了德彪西、拉威尔等印象派作曲家如何频繁使用平行五度、平行七和弦，以及这种手法如何打破了传统和声的逻辑束缚，转而追求纯粹的音色组合。 3. 调式与非功能和声： 探讨了古调式（如弗里吉亚调式、利迪亚调式）在民族乐派和印象派音乐中的复兴，以及这些调式音阶在和弦构建中对传统功能和声的替代作用。 教学价值： 读者将通过本书掌握分析复杂晚期浪漫主义音乐的工具，从而更准确地把握音乐中的色彩变化和情绪张力。 --- 本套精选教材以其严谨的体系、深厚的历史背景和针对性的技术指导，共同构成了一个完整而多元的音乐学习体系，旨在培养兼具精湛技艺与深刻音乐理解力的全面音乐人才。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“配套资源”设计得实在太人性化了，简直是为自学者量身定做的救星。我发现，仅仅依靠书本上的文字和谱子，很多细微的力度和揉弦的幅度是很难把握的。然而，这套教材在设计时就充分考虑到了这一点，它提供的示范音频（虽然我这里指的是配套的音频体验）质量非常高，演奏者的音色饱满而富有表现力，每一次听都能从中捕捉到新的处理细节。特别是那些需要精准节奏控制的复调练习，如果没有一个清晰的参考音轨，很容易就会拉得松散或者不协调。我经常会在练习一个新乐段前，先听上好几遍，然后在脑海中形成一个理想的声音模型，再对照着书本上的标记去尝试实现。这种“耳听为先”的训练模式，极大地提高了我的听辨能力和自我纠正能力，让我感觉身边随时都有一个经验丰富的大师在指导我，而不是孤军奋战。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的选曲编排简直是推崇备至，它完全体现了铃木教学法“由浅入深、螺旋上升”的精髓。从最基础的空弦练习，到后来那些充满歌唱性的优美旋律，每一步的衔接都过渡得极其自然、毫无突兀感。很多其他教材的中间部分总会有一段“平台期”，让你觉得进步停滞不前，但在这套书中，几乎每一个单元都有新的挑战和突破点，让人总能保持学习的动力。我尤其喜欢它收录了一些改编自民间音乐和巴洛克时期小品的练习曲，这些曲目不仅对技巧的打磨很有帮助，而且旋律性极强，拉起来非常悦耳动听，极大地满足了演奏者对“音乐感”的追求。即便是那些看似简单的练习，也都被赋予了清晰的音乐目标和情感表达要求，这促使我在演奏时不能仅仅停留在“把音拉准”的层面，而必须去思考“如何把这段音乐唱出来”。这种对音乐性的早期强调，对于培养一个有深度的大提琴演奏者来说，是无价之宝。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调一下这套教材对于“音乐情感表达”的潜移默化影响，这可能比单纯的技巧训练更为重要。铃木先生的理念不仅仅是培养“会拉琴的人”，更是培养“会听音乐、懂音乐的人”。在教材的后期部分，你会发现对“乐句的呼吸感”、“音色的变化”以及“对位法的处理”提出了很高的要求。它会引导你思考，为什么作曲家要在这里使用渐强，为什么这段旋律需要更温暖的音色。这种深层次的引导，迫使演奏者必须调动自己的全部感知去理解音乐的“为什么”。我感觉自己拉琴的理念在不知不觉中发生了巨大的转变，不再满足于机械地完成音符，而是开始追求乐句的连贯性和内心的流动性。这套书成功地搭建了一座从“技术工匠”通往“音乐诠释者”的桥梁，让我对大提琴艺术的理解达到了一个新的境界，其意义远超一本单纯的练习曲集。

评分☆☆☆☆☆

从结构上来看，这本教材对于“技巧系统性”的构建达到了一个令人赞叹的高度。它不仅仅是零散地堆砌练习曲，而是真正建立了一个完整的技术金字塔。比如，它对于弓法控制的讲解，从最基础的“平推”到后来的“换弦的连贯性”，再到复杂的“顿弓”和“跳弓”，每一种技巧的引入都有明确的前置条件和后续的巩固练习，层层递进，逻辑清晰到令人惊叹。我之前学过的几本教材，很多在某些特定技巧上讲解得比较浅尝辄止，导致我不得不四处寻找补充材料。但这一套书，几乎涵盖了从入门到中级演奏者需要面对的大部分技术难点，而且讲解得深入且实用。它不回避技术上的难题，反而直面它们，并通过巧妙的练习设计来逐步化解，这种严谨的治学态度和对学生学习路径的深刻理解，体现了编者极高的专业素养。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的排版设计简直是太棒了，每一个音符和指法标记都清晰得让人一目了然。特别是对于初学者来说，那些复杂的乐理知识被分解成了小块的、易于理解的部分，配合着精美的插图和图表，学习起来完全没有枯燥感。我记得我刚开始接触大提琴时，光是看谱子就觉得头大，但是用了这套书之后，很多原本觉得晦涩难懂的地方都豁然开朗了。比如，它在介绍换把技巧时，不是简单地画一个箭头，而是用非常细腻的文字和图片，模拟了手指在琴弦上的实际运动轨迹，这对于培养正确的肌肉记忆至关重要。而且，教材中穿插的一些音乐历史小知识和作曲家介绍，也极大地丰富了我的音乐视野，让我不仅仅是机械地练习技巧，更能体会到音乐背后的情感和文化底蕴。这种寓教于乐的编排方式，使得每一次翻开书本都像是一次充满期待的探索之旅，而不是一项艰巨的任务。可以说，它成功地将技术性与艺术性完美地融合在了一起，让学习过程充满了乐趣和成就感。