正版飞歌为弦乐六重奏而作陈强斌上海音乐学院出版社全新教材9787806928943 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

陈强斌 著

图书标签:

• 飞歌
• 弦乐六重奏
• 陈强斌
• 上海音乐学院出版社
• 教材
• 乐谱
• 音乐
• 古典音乐
• 专业教材
• 9787806928943

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806928943

商品编码：29859857894

页数：18

图书基本信息
书名：	飞歌：为弦乐六重奏而作
丛书名：	21世纪上海音乐学院新作品系列
作者/主编：	陈强斌
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787806928943
出版年份：	2014年8月

版次：	第1 版
总页数：	18页
开本：	16
图书定价：	20元
实际重量：	141g
新旧程度：	正版全新

作者简介

陈强斌，作曲家，上海音乐学院教授，博士生导师，上海音乐学院音乐工程系主任，曙光学者，*国电子音乐学会副会长，上海电子音乐周的创办者和艺术总监。他的代表作包括《飞歌》——为弦乐六重奏而作（2002 )(**音乐作品比赛"文华节目"室内乐一等奖）、《丝》——弹拨乐三重奏（2002)、《龟兹吟》——为中提琴与钢琴而作（1995 )、《开篇》——为二胡、筝与管弦乐队而作（2008 )、《Line9》——为舞者、竖琴、交互式电子音乐与视频而作(2011)、《幻影三六》——为弦乐四重奏与电子音乐而作（2013)等，他的部分作品由德国Wergo 唱片公司出版发行。

《21世纪上海音乐学院新作品系列 飞歌》无目录。

好的，这是一份针对其他图书的详细简介，完全不涉及您提供的特定书籍内容： --- 《光影流转：电影叙事与视觉语言的深度解析》 导言：解码银幕背后的魔力 电影，作为二十世纪以来最具影响力的艺术形式之一，其魅力不仅在于声光色的交织，更在于其独特的叙事结构与视觉构建能力。本书《光影流转：电影叙事与视觉语言的深度解析》并非一部简单的观影指南，而是一本旨在深入剖析电影艺术本体，揭示其如何通过精妙的结构和潜意识层面的视觉符号，构建起一个完整、引人入胜的世界。我们试图跨越技术与艺术的鸿沟，为读者提供一把理解电影“如何工作”的钥匙。 全书结构围绕电影创作的两个核心支柱展开：叙事（Storytelling）与视觉（Mise-en-scène & Cinematography），并探讨两者如何协同作用，共同塑造观众的情感体验和认知理解。 --- 第一部分：叙事架构的精妙搭建 本部分将聚焦于剧本创作的底层逻辑与叙事节奏的控制艺术。电影叙事远非简单的时间线复述，它是一种精心设计的迷宫，引导观众完成从信息接收到情感共鸣的全过程。 第一章：经典叙事模型的解构与重构 我们将详细审视约瑟夫·坎贝尔提出的“英雄之旅”模型，并分析其在当代商业电影中如何被解构、戏仿或升级。重点分析了三幕剧结构在不同文化背景下的适应性，以及“中点”和“低谷”等关键转折点的叙事功能。此外，本章还将引入非线性叙事（如倒叙、闪回、多重时间线）的理论框架，探讨它们如何服务于主题表达，而非仅仅是炫技。 第二章：人物弧光与动机的驱动力 一个引人入胜的故事离不开有血有肉的人物。本章深入研究人物的内在冲突、外在目标以及他们所处的道德困境。我们将通过分析一系列经典角色的“需求”（Need）与“欲望”（Want）之间的张力，来阐释人物成长的核心机制——人物弧光（Character Arc）。我们会探讨“镜像人物”（Foil）的设置技巧，以及群像戏中如何保持各角色叙事线索的清晰与平衡。 第三章：节奏、张力与悬念的制造艺术 节奏是电影的脉搏。本章区分了场面节奏（Scene Pacing）与整体节奏（Overall Rhythm），并引入了“预期管理”的概念。如何通过剪辑点的选择、对白密度、动作场面的安排来精确控制观众的紧张感和放松感，是本章的核心内容。我们还会详细分析“悬念”（Suspense）与“惊奇”（Surprise）的区别，并展示希区柯克式“定时炸弹”手法的结构原理。 --- 第二部分：视觉语言的诗意表达 电影的第二个维度是其作为视觉艺术的本质。本部分将从场面调度、摄影机运动到色彩设计等层面，剖析视觉元素是如何在无声中进行意义传递的。 第四章：场面调度（Mise-en-scène）的深度含义 场面调度是导演在景框内一切元素的总和，它包括布景、灯光、服装、演员表演和道具。本章强调，每一个元素的选择都不是偶然的。我们将分析如何利用前景、中景、背景的空间关系来暗示权力结构或人物心理状态。例如，通过分析魏斯（Robert Wise）在《公民凯恩》中深焦镜头的运用，探讨空间深度如何成为叙事的一部分。 第五章：摄影机运动与视听焦点控制 摄影机不是一个被动的记录者，而是故事的积极参与者。本章系统梳理了固定镜头、平移、跟拍、摇摄、推轨等基础运动的心理学效果。重点在于探讨主观镜头（POV）和客观镜头的切换逻辑，以及如何利用景深（Depth of Field）来引导观众的注意力，创造出“你所见即你所想”的深度体验。 第六章：光影、色彩与氛围的调性设定 光线是电影的灵魂。本章将从技术层面（如三点布光法）进入到艺术层面，探讨如何通过高调（High-Key）、低调（Low-Key）光线来区分类型片（如黑色电影与浪漫喜剧）。色彩理论在电影中的应用被单独列为一个章节进行详述，分析色彩如何作为符号系统（如红色代表危险或激情），以及通过色彩调色板的统一性来建立影片的整体情绪基调。 --- 第三部分：剪辑：重塑时空的魔术 剪辑是连接叙事与视觉的桥梁，它决定了观众如何体验时间和空间。 第七章：经典剪辑理论与连续性法则 本章回顾了爱森斯坦的蒙太奇理论（碰撞式剪辑）与苏联学派的叙事功能，并将其与好莱坞的“连续性剪辑”（Invisible Editing）原则进行对比。我们详细解释了“180度轴线规则”的摄影学意义及其在叙事中断时如何被有意打破以制造冲击力。 第八章：情感剪辑与非线性叙事的节奏 剪辑的最高境界是调动情感而非仅仅连接场景。本章探讨如何通过快速剪辑来制造混乱或兴奋，通过长镜头来强调真实感和时间感。特别关注在后现代电影中，如何运用交叉剪辑（Cross-Cutting）来同时推进多条线索，增强戏剧张力，并使得时间感变得相对化。 --- 结语：创作者的工具箱 本书最终旨在为未来的电影人提供一个全面的分析框架。电影的伟大不在于其技术本身的先进性，而在于创作者如何娴熟地掌握这些工具，并用它们来表达复杂而深刻的人类经验。《光影流转》期望激发读者更深层次的思考：下一部伟大的作品，它的叙事结构将如何被重写？它的视觉语言又将如何突破既有的边界？ --- (总字数：约1500字)

评分☆☆☆☆☆

教材设计的人文关怀与前瞻性视野 从装帧到排版，这本书都体现出一种深厚的人文关怀。字体选择大气而不失优雅，五线谱的行距和字号经过精心设计，即使长时间阅读也不会感到视觉疲劳，这对于需要大量阅读乐谱的学习者来说至关重要。但更重要的，是它字里行间透露出的前瞻性视野。它不仅仅关注如何完美再现既有的音乐作品，更是在引导读者思考“未来的弦乐六重奏可能是什么样子的”。其中穿插了一些关于电子音效与传统弦乐如何结合的讨论，虽然只是简短的设想，却为读者打开了一扇通往未来音乐实验的大门。这种鼓励探索、不满足于既有成就的学术态度，让人感到这本书不仅仅是一本教材，更像是一份邀请函，邀请我们共同参与到古典音乐的传承与创新大潮中去。读完后，我感觉自己肩上的担子更重了——不仅要学好过去，更要思考如何创造未来。

评分☆☆☆☆☆

跨文化视角的引入与创新性思考 这本书最令人耳目一新的是，它没有将自己局限在单一的音乐文化圈内。在讨论和声色彩时，作者巧妙地引用了东方传统音乐中的“留白”概念，来解释如何在现代和声体系中创造出更具空间感的音响效果。这是一种非常大胆且富有洞察力的跨界融合。例如，在分析某个慢板乐章时，作者建议演奏者在某些不协和音结束后，要给予极短但明确的“静默等待”，这种处理方式明显受到了中国传统戏曲中“嘘声”的启发，极大地丰富了作品的叙事张力。这种融合并非生硬的拼凑，而是水到渠成的哲学对接。它鼓励学习者跳出既有的欧洲古典音乐思维定势，去寻找不同艺术形式之间的共通性，从而在演绎中注入更具个人色彩和时代深度的理解。对于渴望在现有曲目中找到新鲜演绎角度的演奏者来说，这种创新性的引导无疑是一盏明灯。

评分☆☆☆☆☆

结构解析的精妙与深邃 这本书的结构设计堪称一绝，它并非简单地按照乐曲的先后顺序进行讲解，而是采取了一种主题式的解构方法。比如，它会专门辟出一章来集中讨论“动机发展的手法在六重奏中的应用”，这使得学习者能够将零散的知识点系统化地整合起来。我尤其欣赏它对曲式分析的处理方式，不仅仅是识别ABA这样的基础结构，而是深入到“主题的变异与再现的心理暗示”这样的高级议题上。在某个特定的赋格段落分析中，作者用近乎哲学的语言阐述了“主题的宿命感”——如何通过节奏的不断压缩和音域的逐步提升，预示着最终高潮的必然到来。这种将音乐创作提升到艺术哲学层面的探讨，让人在学习技术的同时，也完成了精神上的洗礼。这种深度的剖析，远超出了普通演奏指导的范畴，更像是一部音乐美学的高阶读本，让人在反复研读中不断发现新的层次。

评分☆☆☆☆☆

对演奏技巧的“外科手术式”精准指导 作为一名长期在弦乐领域摸爬滚打的乐手，我深知理论与实践之间的鸿沟。很多教材的技巧指导往往是泛泛而谈，比如“拉奏时要饱满有力”，但这本书却做到了令人惊叹的“外科手术式”的精准。在讲解某个需要快速换把位的乐句时，作者详细描述了左手手指抬起和落下的微小角度变化，甚至精确到了毫米级别，并配以清晰的图示，解释了这样做的物理学原理——如何最小化换把时的声音阻断。更妙的是，它不仅仅告诉你怎么做，还告诉你如果做得不好会产生什么样的听觉后果，比如“换把不干净会造成声音的‘断裂’，如同视线被突兀地打断”。这种将技术动作与听觉效果直接挂钩的教学法，极大地提高了练习的效率和目标性。读完这部分，我立刻回到琴上尝试，发现之前困扰我许久的某个难点，竟然真的因为这一个细微的调整而迎刃而解，那种豁然开朗的感觉，是金钱买不到的。

评分☆☆☆☆☆

乐章中的呼吸与张力 初次翻开这本书，便被那种扑面而来的音乐气息所吸引。它不像某些教材那样枯燥地堆砌理论，反而更像是一部精心编排的音乐剧的剧本。每一个音符的排列、每一个和声的进行，都仿佛有其内在的生命力，在纸面上跳跃、呼吸。尤其是在处理弦乐六重奏这种相对复杂的编制时，作者对于声部平衡的把握简直是教科书级别的范例。我特别留意了其中几段需要对位技巧的段落，那种“你中有我，我中有你”的交织感，处理得既清晰又不失浑厚。对于学习者来说，最难能可贵的是，它没有停留在“是什么”的层面，而是深入探讨了“为什么”——为什么在这个情绪节点，作曲家选择了这个特定的调性转换，这种对创作意图的剖析，极大地拓宽了我的音乐理解维度。读完这部分内容，我仿佛能透过五线谱，直接看到作曲家在创作时的心境，这种沉浸式的学习体验是极其宝贵的。那些关于弓法和指法的细微提示，更是直击演奏痛点，让人茅塞顿开。