正版基本乐理教程音乐卷童忠良第1版上海音乐出版社考研大书9787805539515 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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童忠良 著

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• 上海音乐出版社
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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805539515

商品编码：29859863126

页数：243

图书基本信息
书名：	基本乐理教程·音乐卷
丛书名：	中国艺术教育大系
作者/主编：	童忠良
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805539515
出版年份：	2001-05-01
版次：	1
总页数：	243页
开本：	16开
图书定价：	40.00元
实际重量：	540g
新旧程度：	全新

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《中国艺术教育大系·音乐卷:基本乐理教程》可以相信“大系”的所有教材，足以代表当今中国艺术教学成果的水平；也有理由预见，它对中国规范今后的艺术教育，包括普通艺术教育，将起到难以替代的作用。

《中国艺术教育大系》序 
章音、音高与十二律 
节乐音与噪音 
第二节乐音的特性 
第三节音体系 
第四节音列、音级及其分组 
第五节十二半音的不同标记法 
第六节中国传统阶名、律名的标记法 
习题一 
第二章音符及其时值的划分 
节音符与五线谱 
第二节音符时值的基本划分 
第三节休止符 
第四节附点 
第五节音符时值的特殊划分 
第六节具有一定音高的音符时值 
习题二 
第三章谱号、律吕与辅曾 
节谱号 
第二节谱表 
第三节 中国传统音乐的八度分组 
第四节律吕阴阳 
第五节四基与辅曾 
习题三 
第四章节奏与节拍 
节节奏与节拍的基本概念 
第二节拍子与拍号 
第三节各种拍子 
第四节图示击拍与指挥 
第五节切分音 
第六节音值组合法 
第七节节拍的正确划分 
第八节 中国传统音乐中的板眼 
习题四 
第五章音程 
节旋律音程与和声音程 
第二节音程的度数与性质 
第三节音程的扩大与缩小 
第四节单音程与复音程 
第五节等音程 
第六节音程的转位 
第七节构成与识别音程的方法 
第八节协和音程与不协和音程 
第九节相隔八律与纯五度 
习题五 
第六章自然大小调式 
节 自然大调式及其音阶结构 
第二节 自然大调式的调号 
第三节 自然小调式及其音阶结构 
第四节关系大小调及小调的调号 
习题六 
第七章 自然大小调式的变体 
节和声大小调式 
第二节旋律大小调式 
…… 
第八章中国民族调式 
第九章和弦 
第十章调的关系 
第十一章调式变音及调的交替与转换 
第十二章装饰音、演奏法记号及音乐术语 
第十三章律制 
第十四章近现代乐理知识 
第十五章中国传统乐理补充 
附录部分音乐院校入学考试的乐理试题选编（12篇） 
主要参考文献

　《基本乐理教程·音乐卷》是普通高等教育“九五”GJ级重点教材，是中国艺术教育大系之“音乐卷”，向读者介绍了基本乐理。全书共分十五章，图文并茂，理论与实践相结合，分析精辟，理论丰富，具有极高的艺术价值。每章之后附有练习题，供学生巩固。本书可谓是一本的音乐教材。

经典音乐理论入门与进阶精选：构建坚实的音乐理解基石 本套精选图书旨在为音乐学习者提供一套全面、系统且深入的音乐理论学习路径。我们深知，扎实的理论基础是所有音乐学习（无论是演奏、创作、分析还是教学）的命脉所在。本选集精心挑选了不同侧重、不同深度的教材与参考书，以适应从初学者到专业考研学生的广泛需求。 【卷一：基础乐理与视唱练耳的无缝衔接】 本卷聚焦于音乐语言最基础的构建模块，强调理论知识与实际应用能力（特别是听觉辨识能力）的同步提升。 1. 《初识和声：从基础到功能》 核心内容： 本书系统阐述了西方音乐理论中最核心的部分——和声学。它以调式、音程、三和弦、七和弦的构成与转位为起点，逐步深入到级进、装饰音的运用，以及传统功能和声的解决方式。 特色与优势： 注重理论的逻辑推导与实例分析相结合。书中包含大量的“听辨练习”，要求学习者在理解纸面符号的同时，立刻在听觉上捕捉到和弦的色彩变化。大量的古典音乐片段被用作案例，确保学习者接触的是真实、有生命的音乐材料，而非枯燥的公式堆砌。特别设立了“调性转位”专题，详细解析了转调和副属和弦在不同乐段中的逻辑功能。 目标读者： 音乐初学者、希望系统梳理和声概念的业余爱好者、以及需要扎实基础支撑专业学习的学生。 2. 《视唱练耳——高效训练手册（初级篇）》 核心内容： 针对初学者的听觉训练和旋律再现能力培养。内容涵盖音高辨识（半音阶、经过音的听辨）、节奏型模唱、简单旋律的视唱、以及基础的节奏与节拍的准确把握。 特色与优势： 本书强调“手脑耳眼”的协同训练。它并非简单提供音频材料，而是设计了“听——记——唱”的完整流程。例如，在进行四部和声听写练习时，会先要求学生用钢琴弹奏出根音，再引导其听辨高声部的旋律走向，最后才进行记录，从而培养立体的听觉感知。配有配套音频光盘（或下载链接），确保音准的绝对标准。 目标读者： 音乐学院附中、音乐专业本科生入学前的准备阶段，以及任何需要提升对音乐“敏感度”的学习者。 【卷二：曲式结构与音乐分析的深入探索】 掌握了和声与节奏的语言后，学习者需要理解这些语言如何被组织成宏大的音乐建筑。本卷致力于培养学生的分析能力和结构洞察力。 3. 《西方音乐曲式分析导论：从复调到奏鸣曲式》 核心内容： 涵盖音乐形式学的核心知识体系。从最简单的二部曲式、三部曲式，到复杂的复调音乐（如卡农、赋格的入门结构），再到古典主义时期的主导形式——奏鸣曲式、回旋曲式、变奏曲式。 特色与优势： 本书在解析宏大结构时，注重微观细节的支撑。例如，在讲解奏鸣曲式的呈示部时，会穿插讲解主题的“动机发展”手法（如移位、增值、减值），确保学生明白宏观结构是由无数微小“细胞”组合而成的。它摒弃了纯粹的结构划分，强调“功能性分析”——即为什么作曲家要选择这种结构来表达特定情感或推动音乐发展。书中提供了大量针对巴赫、莫扎特、贝多芬乐谱的局部放大分析。 目标读者： 音乐理论专业学生、作曲系学生，以及希望深入理解古典音乐“骨架”的资深乐迷。 4. 《音乐史与风格演变：基于理论视角的解读》 核心内容： 本书并非一部单纯的音乐史编年史，而是将乐理知识作为切入点，剖析不同音乐历史时期的“声音特征”。内容涵盖中世纪的声部组织（奥尔加农），文艺复兴的复调织体，巴洛克的固定调性与装饰技巧，古典主义的清晰均衡，浪漫主义的色彩与自由，直至20世纪的十二音体系与自由无调性。 特色与优势： 强调用“乐理语言”来描述“风格”。例如，探讨巴洛克时期，重点分析其如何通过密集的不协和音程解决和严谨的对位法来营造紧张与统一感；探讨印象主义，则侧重于全音阶、五声音阶的运用如何消解传统功能和声的“目的性”。通过这种理论驱动的史学分析，学生能更清晰地区分不同时期音乐的本质差异。 目标读者： 音乐学、音乐史专业学生，以及希望将乐理知识应用于更广阔音乐背景下的研究者。 【卷三：高级和声与配器实践指南】 本卷为进阶学习者准备，着重于拓宽和声的边界，并指导如何将理论转化为具体、丰满的管弦乐或键盘乐的音响。 5. 《浪漫主义晚期与现代和声技法》 核心内容： 超越传统功能和声的范畴。详细讲解了丰富化的九和弦、十一和弦、十三和弦的使用，增三和弦的色彩作用，以及后浪漫主义时期作曲家（如瓦格纳、德彪西）如何运用半音化和弦、异名同音和弦来模糊调性中心。也初步涉及了十二音体系的基本操作原则。 特色与优势： 强调“色彩”与“张力”。书中大量引用了李斯特、勋伯格等人的作品作为实例，指导学生如何理解和模仿这些“不协和”背后的美学意图，而不是仅仅将其视为规则的破坏。特别关注了和弦的“声部进行”在非功能性写作中的处理技巧。 目标读者： 音乐创作专业的进阶学生，以及对20世纪音乐有浓厚兴趣的研究者。 6. 《管弦乐配器法入门：乐器性能与色彩搭配》 核心内容： 乐理知识在实际“演奏”层面的应用。系统介绍木管组、铜管组、弦乐组、打击乐组的各自音域、发声特点、演奏技巧（如拨奏、泛音、弱音器使用）以及音色组合的规律。 特色与优势： 本书以“音响效果”为导向。它不只是列举乐器的高音和低音限制，而是具体分析了不同乐器在同一音高上组合时产生的“混响”与“穿透力”差异。例如，详细对比了小提琴高音区与长笛高音区在表达“辉煌”或“尖锐”情绪时的细微差别。提供了大量的分谱实例，指导学生如何写出清晰、平衡的配器。 目标读者： 有一定和声基础，希望学习配器、或准备进行管弦乐改编的实践者。 --- 整体学习建议： 本套精选旨在构建一个完整的知识体系：从【卷一】夯实基础听觉与符号理解；通过【卷二】掌握音乐的结构逻辑与历史语境；最终依靠【卷三】拓展和声的边界并实现理论的实践转化。建议学习者依照此顺序递进，融会贯通，方能真正掌握音乐的精髓。

评分☆☆☆☆☆

《爵士乐即兴演奏的艺术与心法》这本书，简直就是送给所有想在音乐中找到自由的灵魂的礼物。它没有采用那种机械的、纯理论的教学方式，而是将即兴视为一种“对话”和“思维的即时表达”。开篇对于布鲁斯音阶和调式和声的讲解就非常灵活，它强调的不是背诵琶音型，而是理解音符之间的“功能性关系”和“张力释放”。书中大量引用了迈尔斯·戴维斯、约翰·柯川等大师的演奏片段进行逐句分析，通过简谱和和弦走向的标记，清晰地展示了他们在特定和声背景下是如何选择旋律线的。这种“先听，再理解，后模仿，再创新”的路径，极大地激发了我自己尝试即兴的欲望。它让我明白，真正的即兴不是随机乱弹，而是在扎实的音乐语言基础上进行的一种高度集中的创造性冒险。对于想突破现有演奏瓶颈，渴望在乐队合奏中找到自己独特声部的乐手来说，这本书的指导意义是深远且实用的。

评分☆☆☆☆☆

这本《古典音乐的魔力》真是一部引人入胜的指南。作者以极其细腻的笔触，带领读者徜徉在巴洛克、古典主义和浪漫主义时期的音乐海洋中。我特别欣赏它对作曲家生平与创作背景的深入剖析，比如对莫扎特后期作品中那种既有天才的灵动又不失对生命深刻洞察的复杂情感的解读，简直让人拍案叫绝。书中不只是罗列了曲目和时期特点，而是巧妙地将音乐的结构、和声语言的变化与当时社会的思潮、哲学思想联系起来，让原本可能显得枯燥的乐理知识变得鲜活起来，充满了历史的厚重感和艺术的感染力。对于我这种业余爱好者来说，它提供了一个绝佳的框架，让我能够更好地理解那些听过无数遍的交响曲和奏鸣曲背后的“为什么”。文字的节奏把握得非常好，时而磅礴大气，时而又像私密的耳语，引导你从听众的角度进入到创作者的心灵深处。读完后，再回听贝多芬的《命运交响曲》，那种对主题发展的体悟，简直是提升了一个维度。它不仅仅是一本书，更像一位睿智的导师，在你耳边低语着音乐的秘密。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了这本《当代电子音乐声音设计解析》，简直是打开了新世界的大门。它完全抛弃了传统乐理的束缚，深入探讨了合成器、采样和信号处理在现代音乐制作中的实际应用。书中对不同类型的波形、调制技术（如LFO、包络生成器）的解释非常到位，配有大量的图示和案例分析，即便是初次接触数字音频工作站（DAW）的新手，也能很快掌握核心概念。最让我震撼的是它对“纹理”和“空间感”的构建方法的详述，作者不是简单地说“要混响”，而是告诉你如何通过延迟矩阵和卷积混响，模拟出诸如“废弃工厂中的回声”或“深海中的低语”这类具体的听觉场景。对于那些想从听众转变为创作者，特别是热衷于实验电子乐和氛围音乐的朋友，这本书的实践指导价值是无可替代的。它教你的不是“怎么写歌”，而是“如何创造声音本身”，这在信息爆炸的今天显得尤为重要。读完它，我感觉自己对音箱里发出的每一个细微变化都变得异常敏感和挑剔了。

评分☆☆☆☆☆

我一直对民族音乐学和音乐人类学抱有浓厚的兴趣，而《全球化背景下的音乐变异与传承》这本书恰好满足了我的求知欲。它跳出了传统欧洲中心论的视角，聚焦于非洲部落音乐的复调结构、东南亚皮影戏的音乐符号系统，以及拉丁美洲融合音乐的历史演变。作者的田野调查经历让文本充满了第一手的观察和感悟，比如对某种失传的吟唱技艺如何依赖于特定的仪式环境才能得以存续的描述，读来令人唏嘘。更难能可贵的是，它探讨了全球唱片工业和互联网文化对地方性音乐形式带来的冲击与重构，比如传统乐器如何被电子采样器吸收，以及古老曲调如何在流行音乐中被“挪用”和“再语境化”。这本书的学术深度和批判性思维让人印象深刻，它让我意识到，音乐不仅仅是艺术，更是承载文化记忆和身份认同的复杂载体。对于想拓宽音乐视野，理解音乐多元性的人来说，这是一部不可多得的佳作。

评分☆☆☆☆☆

购买《管弦乐队配器法的精妙》纯粹是出于对宏大交响乐的好奇。我原以为这是一本枯燥的乐器性能手册，但实际上，它更像是一本关于色彩和层次的绘画教程。作者对不同声部乐器在音域、音色纯净度、动态范围上的差异进行了极为细致的对比，并提供了大量的配器实例，展示了如何通过巧妙地叠加或对比不同乐器的音色来达到特定的听觉效果。例如，书中分析了拉威尔如何利用木管乐器的不同组合来描绘出轻盈透明的“水波纹”质感，以及马勒在需要表达巨大悲怆时，如何通过增加铜管的弱奏或使用特殊演奏法（如弱音器）来营造出“远方传来的哀鸣”。这本书的价值在于，它教会你如何“思考”乐器的组合，而不是简单地“分配”旋律线。读完后，我再去听瓦格纳的歌剧选段时，那些看似复杂的和弦织体，似乎一下子就有了清晰的层次感和立体感，完全理解了作曲家对声音的掌控达到了何种境界。