专业公共课教材·音乐考研复习精要：西方音乐史（第2版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨九华 著

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• 音乐史
• 西方音乐史
• 考研
• 公共课
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• 音乐考研
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• 精要
• 考研复习
• 音乐

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540438111

版次：2

商品编码：10024997

包装：平装

丛书名： 专业公共课教材

开本：16开

出版时间：2006-11-01

用纸：胶版纸

页数：181

正文语种：中文

编辑推荐

《西方音乐史》作为一门专业基础课，是每一位报考音乐学专业研究生的必考科目，本书以严格遵照西方音乐史实为基础，从考生的思维习惯出发，对相关内容进行了精心的分析和归纳。

　笔者一直从事西方音乐史的教学与研究工作，这本书可以说是多年来教学成果和研究感受的结晶，相信会对考生有很大帮助。本书以国内具有代表性的、常用作考研复习的几部西方音乐史教程为蓝本，书中的内容安排顺序与通史教材基本一致，包含七章，按照西方音乐通史的断代划分安排章节顺序，以研究生入学考试中常用的题型——简答题、论述题形式组织内容，涵盖了西方音乐史教材的全部重要知识点，帮助考生整理思路。全书共191题，考生可根据各章知识点的分量来计划复习进度和安排复习重点。

值得一提的是，本书还总结了音乐史中出现的重要体裁在各个时期的发展过程，如歌剧、交响曲、弦乐四重奏的产生与发展等，以方便考生宏观地把握其发展脉络，减少重新整理的工作量。此外，对音乐家的掌握主要从人物简介、重要作品和艺术成就三个方面入手，从简洁扼要的陈述中建立起对该音乐家的认识，把握他的创作精髓和艺术贡献。在附录中本书还将西方音乐史的断代、歌剧的发展等用图解的形式列出，这有利于考生对音乐历史形成总体的认识。

在本书的最后还附了针对性较强的试题集及参考答案，供考生自测。

内容简介

　　《专业公共课教材·音乐考研复习精要：西方音乐史》是“音乐考研复习精要”之《西方音乐史第2版》，全书共分7个章节，对西方音乐史的重点知识作了介绍，具体包括古希腊音乐、教会音乐的发展、复调音乐的兴起、法国的游吟诗人及其音乐特征等。该书可供各大专院校作为教材使用，也可供从事相关工作的人员作为参考用书使用。

作者简介

杨九华，教授，研究领域：西方音乐史、小提琴演奏与教学研究、音乐教育。

目录

第一章 古希腊古罗马音乐复习题
第一节 古希腊音乐
一、简述古希腊时期的音乐形式
二、古希腊悲剧的含义、形式和代表作家
三、“和谐论”是由谁提出的，其主要观点是什么
四、柏拉图与亚里士多德等人的音乐思想表现在哪些方面
五、何谓“四音音列”和“完整音列体系”，它们是由谁提出的
六、古希腊的“四音音列”音阶形式是怎样的
七、古希腊时期主要乐器有哪些
第二节 古罗马音乐
八、为什么说古罗马是古希腊音乐财富的继承者和发展者
九、古罗马时期基督教音乐的简况
十、古希腊、古罗马音乐对西方音乐的贡献体现在哪些方面

第二章 中世纪音乐复习题
第一节 教会音乐的发展
一、发展初期的天主教音乐有哪些
二、格里高利圣咏的含义、形成和主要功能是什么
三、格里高利圣咏的基本特征是什么
四、格里高利圣咏中的教会调式是怎样构成的，其音阶形式是怎样的
五、什么是伪音
六、简说纽姆谱
七、圭多在音乐上做出了哪些贡献
八、什么是有量记谱法
九、格里高利圣咏继续发展的原因是什么，其主要形式有哪些
第二节 复调音乐的兴起
十、“奥尔加农”形成的原因、时间和地点
十一、早期复调音乐的发展及特征
十二、什么是孔特克图斯
十三、什么是卡农曲
十四、圣母院乐派对音乐发展的主要贡献是什么，代表人物有哪些
第三节 世俗音乐的发展
十五、法国的游吟诗人及其音乐特征
十六、德国的恋诗歌手和名歌手
十七、中世纪意大利的方言歌曲有哪几种形式
十八、何谓流浪艺人
十九、怎栏区别中世纪的世俗音乐与宗教音乐
第四节 中世纪乐器
二十、中世纪主要的乐器有哪些
第五节 “新艺术”时期
二十一、“新艺术”一词的来源、含义及特征
……
第三章 文艺复兴时期音乐复习题
第四章 巴罗克时期音乐复习题
第五章 古典主义时期音乐复习题
第六章 浪漫主义时期音乐复习题
第七章 20世纪音乐复习题
附录一
附录二
附录三

附录四
附录五
附录六
附录七
附录八
附录九
附录十
参考文献

精彩书摘

　　四十三、简述凯奇及其艺术成就
　　1．人物简介：
　　约翰·凯奇（JohnCage，1912一1992），美国作曲家、钢琴家。他是个孜孜不倦的试验家和不遵守音乐规律的人，从印度音乐、禅宗哲学以及中国《易经》中吸取养分，对偶然音乐、电子音乐和无声音乐进行了探索。
　　2．代表作品：
　　钢琴音乐《冬天的音乐》（1至20名演奏者），机遇音乐《变化音乐》，无声音乐《4分33秒》《0’00”》（任何人用任何方式演奏）等。
　　3．艺术成就：
　　（1）倡导偶然音乐，创作了《4分33秒》《0’00”》等著名作品。在限定时间、寂静无声的演出过程中，来自观众的任何一种声音都成为音乐的一部分，以这种特殊的方式演绎音乐。该作品反映了他的艺术理念：生活就是音乐，音乐就是生活。
　　（2）他的音乐改变了演奏者的作用。在传统音乐中，演奏者在不改变音符的情况下精确地演绎作曲家的作品；而在偶然音乐中，演奏家在演出时还要参与创作，担负起作曲家的一部分工作。四十四、简述电子音乐的发展
　　1．概念：
　　（1）电子音乐（electmnicmusic）是指用电子手段创作的音乐，与采用共鸣体自然发声的声音进行创作的传统音乐相区别。
　　（2）电子音乐并非指那些由电声乐器演奏的音乐，而是特指不仅在演奏上，而且在作曲上也利用电子手段而产生的音乐，是演奏与作曲合为一体的音乐形式。
　　2．形成与发展：
　　电子音乐是20世纪50年代产生的一个新音乐品种，是音乐艺术与现代电子技术相结合的产物，它意味着音乐中音响音源的一次真正的革命。其发展可分为三个阶段：
　　（1）录音带音乐与具体音乐时期
　　早期的电子音乐经历了录音带制作时期。1948年，法国音响工程师谢菲尔（Pi—erreschaefr，1910-）与作曲家亨利（PierreHenry，1927-）在法国国家广播电台首创了电子音乐实验室，他们利用录音器械将自然界和日常生活中的声音（风雨声、车轮声、人声、动物的吼叫声，也包括传统乐器的声音等）收录下来，经过处理使之变形，如变化速度（声音变高变低），录音带打圈子（声音无限循环），反转（发声方式倒行），分切、拼接和延迟（产生回声）等，复合成一首独立的作品。第一首电子音乐作品是谢菲尔于1948年用车轮、喷气、汽笛等声音制作的《铁路练习曲》。由于这种音乐选用的是自然界和生活中的具体声源，所以也有人把它称为具体音乐（musiqueconcrSte）。
　　1951年，德国音乐家艾默特（HebertEimert，1897-1972）在科隆广播电台建立了电子音乐工作室，他虽然也利用录音带制作电子音乐，但采用的声源不是自然界和生活中的具体声音，而是由电子设备模拟的各种声响，力图创造一种更为“纯粹”的电子音乐，通过人们的理性想象经过电子设备构建的声音。如将宇宙太空中的声响，对人声、风声的模拟，复合成一首音乐作品。这是在德国形成的早期电子音乐风格，这种德国式的电子音乐风格后来得到德国电子音乐家施托克豪森（1928-）的发展，通过他的作品《青年之歌》，使法国的具体音乐和德国的电子音乐于60年代左右逐渐走到了一起，成为一种合二为一的电子音乐。随着电子合成器和电子计算机的发展，一切声源都成了音乐的基本材料，在音高、音量、音色、混响等制作调控方面，人们可以随心所欲，不受传统技法的约束，不采用传统记谱形式（有的只作仪器操作的说明或图形表示），取消了传统音乐的演奏方式，作曲家可以把在实验室里完成的作品，通过操作仪器，在音乐厅里播放出来。这种音乐超越了人声、乐器的声音极限，是科技时代音响的结晶，它创造出了人们过去无法想象的音乐效果。在这方面最有影响的代表人物和作品是施托克豪森和他的作品为童声女高音和电子音响而作的《青年之歌》，以及意大利贝里奥和他的作品《面容》等。
　　（2）电子合成器音乐时期
　　电子合成器（synthesizer）是制作电子音乐的一个小型独立的电平控制系统，它于1964年在美国无线电广播公司问世。电子合成器集产生声音、处理声音和控制声音三部分于一体，简化了电子音乐的制作程序和操作方式，可作现场演奏。到70年代，电子合成器已经成为包括流行音乐在内的现代音乐中广泛使用的常规乐器。
　　电子合成器的代表作品是美国的萨博特尼克（MortonSubotniek，1933-）于1967年创作的《月亮中的银苹果》等。
　　（3）电子计算机音乐时期
　　电子计算机音乐（computermusic）出现在本世纪60年代，它是指利用计算机制作音响材料、在特定的程序中进行作曲而产生的电子音乐作品，它对电子音乐的发展产生了重大影响。作曲家利用计算机的模拟数字转换功能，对从外界采录的、由电子振荡器发生的或直接用数字手段合成的声音进行更加复杂的处理，还能对各种音乐参数（音色、速度和节奏等）进行严密的控制，整个创作过程不受乐器和演奏员的限制，更加便捷。代表作曲家和作品是法国的里塞（JeanClaudeRisset，1938-）和他的《突蛮1》（Mutations1，1969）等。
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音韵的织锦：西方音乐史纵览 音乐，作为人类情感与思想最直接的载体，其发展轨迹如同一幅宏伟的画卷，徐徐展开于数千年的历史长河之中。从古老的宗教仪式到现代的电子节拍，西方音乐的演变不仅是技巧与形式的革新，更是思想、社会、文化变迁的深刻映照。本书旨在带领读者穿越时空的迷雾，深入探寻西方音乐史的精髓，领略其辉煌的成就与不朽的魅力。 第一篇：曙光初现——古代音乐的奠基（约公元前3000年 – 公元476年） 在文明的黎明时期，音乐就已经与人类的生活紧密相连。古埃及、古希腊、古罗马等文明孕育了早期音乐的雏形。在这些古老土地上，音乐常常与宗教祭祀、戏剧表演、节日庆典等活动融为一体，承担着沟通神灵、凝聚社群、表达情感的重要功能。 古埃及音乐： 尼罗河畔的文明孕育了独特而神秘的音乐传统。考古发现的壁画、雕塑以及乐器残片，勾勒出古埃及音乐的大致面貌。当时的音乐多用于宗教仪式和宫廷庆典，以合唱、管弦乐和打击乐为主。竖琴、竖笛、里拉琴等乐器的使用，为音乐增添了丰富的情感色彩。虽然具体的乐谱已不可考，但我们仍能从古埃及的艺术作品中感受到其音乐的庄重与神圣。 古希腊音乐： 古希腊被誉为西方文明的摇篮，其音乐理论与实践对后世产生了深远影响。希腊人认为音乐具有“伦理”和“教育”的功能，能够塑造人的品格和灵魂。毕达哥拉斯学派通过对音程的数学研究，发现了和弦的数学比例关系，为西方音乐理论奠定了基础。柏拉图和亚里士多德也对音乐的社会功能和教育作用进行了深入探讨。古希腊的音乐形式多样，包括叙事诗的演唱、戏剧的伴唱以及各种宗教和世俗的歌唱。古希腊哲学家的思想，如“摹仿说”和“情感说”，也为后来的音乐美学发展埋下了伏笔。从柏拉图的“慕思”（Mousikē）概念，涵盖了音乐、诗歌和舞蹈，可以看出音乐在古希腊文化中的核心地位。他们对音阶、调式（如多利亚、弗里几亚、利底亚等）的研究，为后来西方音乐的调性体系提供了早期框架。亚历山大港的古代文献中，如《皮洛斯》等，虽篇幅不长，却记载了当时的一些乐谱片段，为我们了解古希腊音乐的旋律提供了宝贵线索。 古罗马音乐： 罗马人继承并发展了希腊的音乐传统。他们更注重音乐的实用性和娱乐性，将音乐广泛应用于军事、庆典、戏剧和家庭生活。罗马军队的军乐，如号角和鼓的运用，极大地鼓舞了士气。宏大的罗马帝国也促进了音乐的传播和交流。虽然罗马音乐在理论创新上不如希腊，但在音乐的普及和应用方面却表现出强大的生命力。大型的公共表演，如马戏团的盛会，也少不了音乐的身影。 第二篇：神圣的回响——中世纪音乐的演进（约公元476年 – 公元1400年） 随着罗马帝国的衰落，欧洲进入了漫长的中世纪。这一时期，基督教的兴起深刻地影响了西方音乐的发展。教会成为音乐创作和传播的中心，宗教音乐占据了主导地位。 早期基督教音乐： 基督教的传播推动了早期教会音乐的形成。初期，音乐主要用于宗教仪式，强调虔诚和庄严。圣歌（Gregorian Chant）是这一时期最具代表性的音乐形式。它以单声部、无伴奏、自由节奏为特点，旋律优美、庄重，承载着神圣的宗教情感。教皇格里高利一世（约540-604年）对圣歌的整理和规范起到了重要作用，故得名“格里高利圣歌”。尽管我们无法确切知晓格里高利本人是否直接创作了所有圣歌，但他的确在统一和推广教会音乐方面功不可没。他推动了教会的音乐教育，并可能组织了对现有圣歌的收集和编纂工作，从而确立了教会音乐的官方版本。 中世纪早期音乐理论的发展： 随着音乐的复杂化，记谱法开始萌芽。早期的纽姆记谱法（Neumes）虽然不能精确记录音高，但能大致指示旋律的起伏。圭多·达雷佐（Guido of Arezzo，约991/992 – 1033年后）是一位重要的音乐理论家，他发明了四线谱，并在唱名法（solfège）方面做出了开创性贡献，极大地推动了音乐的教学和传播。他提出的“达雷佐手”（Guidonian Hand）是一种用于教学的辅助工具，通过手指的不同部位来指示音高，帮助学习者记忆和发音。 复调音乐的诞生： 随着音乐的发展，单声部的圣歌逐渐演变为多声部的复调音乐（Polyphony）。最早的复调形式是奥尔加农（Organum），即在主旋律（Cantus Firmus）上叠加一条或多条平行或平行的声部。奥尔加农的出现标志着西方音乐进入了复调时代，极大地丰富了音乐的织体和表现力。九世纪左右出现的“自由奥尔加农”（Organum purum）和“平行奥尔加农”（Parallel Organum）是其早期形态。之后，十世纪左右出现的“混合奥尔加农”（Mixed Organum）允许声部之间有更多的独立性。十二世纪的巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）是早期复调音乐的集大成者，代表人物如莱昂宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin），他们创作了复杂而宏伟的经文歌（Motet），将复调音乐推向了一个新的高度。 世俗音乐的兴起： 除了宗教音乐，中世纪的世俗音乐也在悄然发展。游吟诗人（Troubadours）和行吟诗人（Trouvères）创作并演唱了大量关于爱情、战争和骑士精神的歌曲，丰富了音乐的表现内容。这些歌曲多以歌谣形式出现，常有简单的器乐伴奏。他们创作的歌曲，如“爱之歌”（Chanson d'amour）和“战歌”（Chanson de geste），为后来的歌曲创作提供了丰富的素材。 第三篇：色彩的绽放——文艺复兴时期的音乐（约公元1400年 – 公元1600年） 文艺复兴是欧洲历史上一个思想解放、文化繁荣的时期。音乐领域也迎来了新的变革，更加注重人本精神和情感表达。 复调音乐的成熟与发展： 文艺复兴时期的复调音乐达到了前所未有的高度。弗兰德斯乐派（Franco-Flemish School）的作曲家，如杜费（Dufay）、奥克冈（Ockeghem）、雅各布·奥布雷赫特（Josquin des Prez）等，在复调技法上精益求精，创作出结构严谨、情感充沛的宗教和世俗音乐作品。他们的作品中，模仿（Imitation）技法被广泛运用，使各个声部之间相互呼应，织体更加饱满。 音乐形式的多样化： 弥撒曲（Mass）依然是重要的宗教音乐形式，但作曲家们开始在旋律和节奏上展现更多的创造性。经文歌（Motet）也继续发展，内容更加丰富，情感表达更为细腻。世俗音乐方面，牧歌（Madrigal）成为这一时期最具代表性的体裁。牧歌以其精巧的旋律、生动的表现力和丰富的和声，成为展现人本主义情感的绝佳载体。 印刷术的应用与音乐传播： 印刷术的发明对音乐的传播起到了革命性的作用。音乐作品的复制和流通变得更加便捷，促进了音乐的普及和作曲家之间的交流。彼得·舒埃特（Petrucci）是第一位成功批量印刷音乐乐谱的出版商，他的贡献极大地推动了音乐文化的传播。 器乐的兴起： 尽管声乐仍占主导地位，但器乐在文艺复兴时期也开始崭露头角。鲁特琴（Lute）、维奥尔琴（Viol）、管乐器等得到了广泛应用，器乐作品的创作也逐渐增多，如为舞会创作的各种舞曲。 第四篇：辉煌的时代——巴洛克时期的音乐（约公元1600年 – 公元1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上一个极其辉煌的时代，涌现了巴赫、亨德尔、维瓦尔第等伟大的作曲家。这一时期的音乐以其宏伟、华丽、戏剧性强和情感表达丰富而著称。 歌剧的诞生与发展： 歌剧（Opera）在巴洛克时期应运而生，并迅速成为一种重要的音乐体裁。它将音乐、戏剧、诗歌和视觉艺术融为一体，以其强大的表现力和感染力征服了观众。早期歌剧的代表人物有蒙特威尔第（Monteverdi），他的《奥菲欧》被认为是第一部真正意义上的歌剧。 器乐体裁的繁荣： 器乐在巴洛克时期取得了巨大的发展。协奏曲（Concerto）、赋格（Fugue）、奏鸣曲（Sonata）、组曲（Suite）等体裁纷纷涌现，并逐渐成熟。维瓦尔第的《四季》、巴赫的《勃兰登堡协奏曲》等作品，展现了作曲家们高超的作曲技巧和丰富的想象力。 主调音乐的确立： 巴洛克时期确立了主调音乐（Homophony）的地位。主调音乐以一条清晰的旋律线为主，其他声部起伴奏作用，使得音乐的结构更加清晰，情感表达也更加直接。对位的运用依然存在，但更多地服务于旋律的烘托。 重要的音乐理论和记谱法： 这一时期，和声学（Harmony）理论得到了进一步发展，数字低音（Basso Continuo）成为重要的伴奏手法，为音乐增添了丰富的和声色彩。记谱法也更加规范和完善。 两位巨匠的巅峰： 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）和格奥尔格·弗里德里希·亨德尔（George Frideric Handel）是巴洛克时期最杰出的代表。巴赫以其精湛的对位技法、深刻的宗教情感和广泛的创作领域而闻名，他的赋格、康塔塔、受难曲等作品，是西方音乐的宝贵财富。亨德尔则以其宏伟的清唱剧、气势磅礴的歌剧和精美动听的器乐作品而著称，他的《弥赛亚》是音乐史上最著名的清唱剧之一。 第五篇：典雅与均衡——古典主义时期的音乐（约公元1750年 – 公元1820年） 经历了巴洛克时期的繁复与华丽，音乐进入了古典主义时期。这一时期的音乐追求典雅、均衡、清晰和逻辑性，强调旋律的优美和结构的完美。 奏鸣曲式的发展： 奏鸣曲式（Sonata Form）是古典主义时期最重要的音乐结构形式，它以呈示部、展开部和再现部构成的清晰结构，为音乐提供了有力的组织骨架。交响曲（Symphony）、奏鸣曲（Sonata）、弦乐四重奏（String Quartet）等体裁都广泛采用奏鸣曲式。 交响乐的黄金时代： 海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）和早期贝多芬（Beethoven）是古典主义时期交响乐的奠基者和集大成者。海顿被誉为“交响乐之父”，他确立了交响乐的基本结构和体裁。莫扎特以其天才的旋律、精妙的乐思和完美的形式，创作了大量不朽的交响乐、歌剧和室内乐作品。 歌剧的革新： 格鲁克（Gluck）在歌剧改革方面做出了重要贡献，他力求使歌剧的音乐更加贴近戏剧内容，摆脱了早期歌剧的程式化。莫扎特更是将古典主义的歌剧推向了新的高峰。 清晰的旋律与均衡的织体： 古典主义音乐强调旋律的清晰流畅，和声语言相对简洁，织体均衡，避免了巴洛克时期过多的装饰。音乐的情感表达克制而典雅，注重形式的完美。 贝多芬的过渡： 路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）是连接古典主义与浪漫主义时期的关键人物。他的早期作品充满古典主义的风格，但后期作品中，他开始注入更加强烈的主观情感、个人英雄主义精神和大胆的创新，预示着浪漫主义的到来。 第六篇：情感的洪流——浪漫主义时期的音乐（约公元1820年 – 公元1900年） 浪漫主义时期是西方音乐史上一个充满激情、幻想和个人情感表达的时代。作曲家们更加关注内心的世界，追求自由、个性解放和情感的极致释放。 情感的深化与扩展： 浪漫主义音乐的主题更加广泛，从个人情感的抒发到对自然、民族、历史的描绘，无不充斥着强烈的个人色彩。作曲家们试图通过音乐来表达无法言说的情感，营造梦幻般的氛围。 个人风格的凸显： 浪漫主义时期，作曲家的个人风格得到极大凸显。舒伯特（Schubert）的歌曲、肖邦（Chopin）的钢琴曲、李斯特（Liszt）的炫技作品、勃拉姆斯（Brahms）的宏伟交响曲、瓦格纳（Wagner）的乐剧等，都展现了作曲家独特而鲜明的个性。 音乐形式的创新与突破： 尽管传统体裁如交响曲、奏鸣曲依然存在，但作曲家们在形式上进行了大胆的拓展和创新。交响诗（Symphonic Poem）的出现，使音乐能够更好地描绘文学形象和叙事。艺术歌曲（Lied）在舒伯特手中达到了顶峰，成为表达细腻情感的理想体裁。 民族乐派的崛起： 19世纪民族意识的觉醒，催生了民族乐派（Nationalism）。斯美塔那（Smetana）、德沃夏克（Dvořák）、格里格（Grieg）、柴可夫斯基（Tchaikovsky）等作曲家，将民族音乐元素融入西方音乐体系，创作出具有鲜明民族特色的作品，丰富了西方音乐的宝库。 和声语言的丰富与拓展： 浪漫主义时期的和声语言更加丰富和复杂，运用了大量的变化和弦、非和弦音以及不协和音程，以营造出更加浓郁的情感色彩和戏剧性。 第七篇：变革与探索——20世纪及以后的音乐 20世纪以来，西方音乐经历了前所未有的变革与探索。技术的发展、社会思潮的变迁以及对艺术边界的不断挑战，使得20世纪音乐呈现出多元化、实验性和复杂性的特点。 印象主义与象征主义： 德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）等作曲家，受到印象派绘画和象征主义文学的影响，在音乐中追求色彩、氛围和朦胧的意境。他们的音乐以其新颖的音色、模糊的调性色彩和自由的节奏而著称。 表现主义与新古典主义： 勋伯格（Schoenberg）及其学生韦伯恩（Webern）、贝尔格（Berg）等，开创了表现主义音乐，强调对内心深处焦虑、恐惧等极端情感的挖掘，并发展了十二音体系（Twelve-tone technique），打破了传统的调性束缚。而斯特拉文斯基（Stravinsky）等作曲家则在对巴洛克和古典主义音乐的借鉴中，发展了新古典主义音乐，力求在现代手法与传统形式之间寻求平衡。 序列音乐与电子音乐： 随着科技的发展，电子音乐（Electronic Music）应运而生，作曲家利用电子合成器、计算机等设备创作出全新的音响。序列音乐（Serialism）则将十二音体系的发展推向了极致，对音乐的各个要素（音高、时值、力度、音色等）都进行了序列化处理。 简约主义与后浪漫主义： 20世纪后期，以菲利普·格拉斯（Philip Glass）、史蒂夫·赖希（Steve Reich）等为代表的简约主义（Minimalism）音乐，强调简单的材料、重复的模式和缓慢的节奏变化，呈现出一种独特的魅力。与此同时，一些作曲家也继续在后浪漫主义的道路上探索，回归更具表现力和旋律性的创作风格。 多元化的并存： 21世纪的音乐世界呈现出前所未有的多元化。各种风格、流派和技法并存，传统与现代、东方与西方、古典与流行之间的界限日益模糊。作曲家们在吸收前人经验的同时，不断进行新的尝试和突破，为音乐艺术注入新的活力。 结语： 西方音乐史是一部波澜壮阔的史诗，每一个时代都留下了独特的印记。从古老的祭祀之声到现代的电子乐章，音乐始终与人类文明同呼吸共命运。通过对西方音乐史的深入了解，我们不仅能够欣赏到动人心魄的旋律和精妙绝伦的乐章，更能从中洞察人类思想、情感和社会文化的演变轨迹。这趟穿越时空的音乐之旅，将带领我们发现音乐无限的可能性，感受其不朽的魅力。

评分☆☆☆☆☆

这部著作的排版实在值得称赞，字体选择恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又在视觉上给人一种严谨而不失活泼的感觉。纸张的质感也相当不错，拿在手里沉甸甸的，完全符合其作为“专业教材”的定位。尤其值得一提的是，书中的图文排布极具匠心，那些重要的历史时间轴和艺术风格演变图，不再是枯燥的文字堆砌，而是通过精美的插图和清晰的图表进行了可视化处理，使得复杂的音乐史脉络瞬间变得清晰明了。我以前在学习某个时期时，总是需要频繁地翻阅多个资料来梳理概念和时间线，但这本书几乎把所有核心信息都整合在了最合理的位置。它不仅是知识的载体，更是一件赏心悦目的阅读艺术品，让人愿意长时间地沉浸其中，细细品味每一个章节的编排细节。这种对细节的极致追求，无疑为学习者提供了绝佳的阅读体验，也体现了编者对教材出版质量的极高标准要求。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的作者在内容的选择和深度的把握上展现了非凡的洞察力。它显然不是那种简单罗列事实的“百科全书式”的音乐史，而是紧紧围绕着“考研复习精要”这个核心目标来构建的。每一章节的重点都提炼得极为精准，那些高频考点和历年真题中反复出现的关键人物、重要作品的分析角度，都被用粗体或者特殊标记突显出来，极大地节省了我们筛选信息的时间。更难能可贵的是，它没有停留在表面现象的描述，而是深入剖析了不同音乐风格产生的社会、哲学背景，帮助读者理解“为什么”会产生这种音乐。这种深度的挖掘，使得知识的记忆不再是死记硬背，而是基于理解的系统构建，对于真正想在考试中取得突破的考生来说，这简直是雪中送炭，是直击命门的复习利器。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，它成功地在学术的严谨性与大众的可读性之间找到了一个完美的平衡点。作者的叙述流畅自然，绝少使用那些晦涩难懂的学术术语“黑话”，即使是初次接触某个复杂理论的读者，也能顺畅地跟上思路。我特别欣赏其中一些富有启发性的论述段落，它们仿佛是一位经验丰富的导师在耳边低声指导，既指明了方向，又鼓励你进行更深层次的思考。例如，在论述巴洛克音乐与前一时期音乐的交接时，作者使用了非常形象的比喻，将听觉体验的转变描绘得淋漓尽致。这种富有文学色彩的表达，极大地降低了学习的枯燥感，让原本可能枯燥的音乐史学习过程，变成了一场有趣的探索之旅，让人忍不住想一口气读完，去探寻下一个时代的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

从实战应用的角度来看，这本书的辅助材料设计堪称业界标杆。它不仅仅是理论的集合，更是一套完整的学习闭环系统。书中所附带的那些针对性的练习题和模拟测试，紧扣教材内容，难度设置也与考研的实际要求高度契合。更重要的是，许多知识点后附带的“思维导图”或“知识串联建议”，直接示范了如何将零散的知识点组织成逻辑严密的论述结构，这对于需要进行大题写作的考生来说，简直是救命稻草。我发现自己过去在组织答案时常常结构混乱，但自从开始参考书中的建议，我的答题框架明显变得工整有序，得分率也随之水涨船高。这表明编者团队不仅是音乐史的专家，更是深谙考试技巧的“渡人者”。

评分☆☆☆☆☆

我对比了市面上好几本同类参考书，不得不说，这本书在信息的“时效性”和“全面性”上占据了绝对的上风。它似乎紧密跟踪了近几年的学术前沿和考纲变化，将一些新的研究成果和被重新评估的历史观点融入其中，而不是墨守成规地重复旧版教材的陈词滥调。对于音乐史这种不断有新发现和新阐释的学科而言，能够及时更新是非常重要的。而且，它在涉及一些争议性话题时，处理得非常成熟和中立，清晰地呈现了不同的学术观点，让读者自己去判断和吸收，而不是被单一的理论所局限。这种与时俱进的编辑态度，让这本书在众多“经典”中脱颖而出，成为了一个真正具有生命力和实用价值的参考工具，确保了我的复习内容既扎实又前沿。

评分☆☆☆☆☆

对于狮子来说，最好的日子还是：没有剥削、没有欺诈、没有性别歧视、没有驱赶幼雄狮的陋习、没有杀死幼狮以逼迫雌狮快速发情的残忍，没有走马灯似的王位更替的日子。

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今天刚刚拿到书，这本（:..美1.美）（:..大卫·波德维尔1.大卫·波德维尔）（:...1..）（:..美1.美）（:..汤普森1.汤普森）（:...1..）写的大学堂·电影艺术形式与风格（插图第8版）很不错，电影艺术形式与风格(插图第8版)是国际电影学界标尺性著作，也适用于除了观影之外没有任何电影专业知识的读者。喜欢看电影的人可以与它对话并交换意见学电影的人不妨把它当做一位良师，不断地汲取知识与经验已经拍电影的人列不妨把它当成一株老宝树，不断地反省与自问。被译成法中希日匈西韩士意波斯捷等语种。电影艺术形式与风格(插图第8版)第1版面世于1979年，此后历经七次修订，早已成为电影学领域公认的标尺性著作。电影艺术形式与风格(插图第8版)内容宏广，从对电影制作的技术性解说、对构成电影各元素的系统化评介，到电影分析方法的示范、电影史的梗概提要，无不做到深入浅出、思虑缜密而观点周全。作者以一个非常系统性的方式进行电影形式与风格方面的概念思考，同时佐以巨细靡遗的影片举例，详细分析电影的元素，说明电影的形式系统（叙事性与非叙事性）及风格系统（摄影、剪辑、场面调度与声音）如何在影片中交互作用。这样能帮助读者在了解一部电影时，不再是以过往观影经验所累积的惯性直觉方式，去感受影片技术上或情感上的精彩片段，而能将电影看作如同诗歌、建筑、音乐与舞蹈等其他艺术一般，是一个创作者在凝粹创作意念之后，执行到影片胶卷上的完整呈现。翻译这本书的原始动机相当单纯一是从翻译中温习及反省自己的电影思考二是提供大专院校电影系或相关科系学生做为教科书之用。1989年自纽约大学()电影研究所()毕业回台之后，由于在母校辅仁大学大传系兼课，为了准备学生教材，我开始在书店中搜寻一些适合学生阅读进修的中文书。结果发现当时市面上关于电影的书大部分是影评文集、资料性电影书或电影作者()专论的编译。当时较适合做课堂教科书的，除了焦雄屏老师译自路易斯．贾内梯(．．)著作的认识电影()(远流社)是较具电影入门性格的书外，理论方面以陈国富先生译自杜德利．安德鲁()的电影理论()(志文社)，虽不容易在市面上找到，却是比较进阶介绍影史中各重要理论现象的好书。前者以知性感性兼具的方式着重简介影史中已出现的电影技术后者可帮助学生从几个基本问题人手，去概知各理论家对电影现象提出的独到的系统化的看法。但是光这两本并不够，要让学生除了体验电影外，更去思考影片，并能对电影保持高度兴趣，需要一本综合这两类，且有系统的方法去讨论电影的书。书架上的其他书本虽有参考价值，但仅是课后学生充实自己视听之用，并不能当作教科书。我因此开始调查了解学生的

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归纳得很全面，整理得井井有条，很好用

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书不错 正版 很有用！

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好，非常好。

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东西没问题，用起来很方便

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提高效益，亦可谓“教学相长”。

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杨九华写的的书都写得很好，还是朋友推荐我看的，后来就非非常喜欢，他的书了。除了他的书，我和我家小孩还喜欢看郑渊洁、杨红樱、黄晓阳、小桥老树、王永杰、杨其铎、晓玲叮当、方洲，他们的书我觉得都写得很好。音乐考研复习精要西方音乐史（第2版），很值得看，价格也非常便宜，比实体店买便宜好多还省车费。书的内容直得一读，阅读了一下，写得很好，音乐考研复习精要-西方音乐史(第2版)是音乐考研复习精要之西方音乐史第2版，全书共分7个章节，对西方音乐史的重点知识作了介绍，具体包括古希腊音乐、教会音乐的发展、复调音乐的兴起、法国的游吟诗人及其音乐特征等。该书可供各大专院校作为教材使用，也可供从事相关工作的人员作为参考用书使用。，内容也很丰富。，一本书多读几次，。快递送货也很快。还送货上楼。非常好。音乐考研复习精要西方音乐史（第2版），超值。买书就来来京东商城。价格还比别家便宜，还免邮费不错，速度还真是快而且都是正版书。，买回来觉得还是非常值的。我喜欢看书，喜欢看各种各样的书，看的很杂，文学名著，流行小说都看，只要作者的文笔不是太差，总能让我从头到脚看完整本书。只不过很多时候是当成故事来看，看完了感叹一番也就丢下了。所在来这里买书是非常明智的。然而，目前社会上还有许多人被一些价值不大的东西所束缚，却自得其乐，还觉得很满足。经过几百年的探索和发展，人们对物质需求已不再迫切，但对于精神自由的需求却无端被抹杀了。总之，我认为现代人最缺乏的就是一种开阔进取，寻找最大自由的精神。中国人讲虚实相生，天人合一的思想，于空寂处见流行，于流行处见空寂，从而获得对于道的体悟，唯道集虚。这在传统的艺术中得到了充分的体现，因此中国古代的绘画，提倡留白、布白，用空白来表现丰富多彩的想象空间和广博深广的人生意味，体现了包纳万物、吞吐一切的胸襟和情怀。让我得到了一种生活情趣和审美方式，伴着笔墨的清香，细细体味，那自由孤寂的灵魂，高尚清真的人格魅力，在寻求美的道路上指引着我，让我抛弃浮躁的世俗，向美学丛林的深处迈进。合上书，闭上眼，书的余香犹存，而我脑海里浮现的，是一个皎皎明月，仙仙白云，鸿雁高翔，缀叶如雨的冲淡清幽境界。愿我们身边多一些主教般光明的使者，有更多人能加入到助人为乐、见义勇为的队伍中来。社会需要这样的人，世界需要这样的人，只有这样我们才能创造我们的生活，音乐考研复习精要-西方音乐史(第2版)是音乐考研复习精要之西方音乐史第2版，全书共分7个章节，对西方音乐史的重点知识作了介绍，具体包括古希腊音乐、教会音乐的发展、复调音乐的兴起、法国的游吟诗人及其音乐特征等。该书可供各大专院校作为教材使用，也可供从事相关