新世纪高等学校教材·影视艺术学科基础教程系列：数字影视摄影教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李勇 著，黄会林 编

图书标签:

• 数字影视摄影
• 影视艺术
• 高校教材
• 摄影基础
• 数字技术
• 影视制作
• 光影运用
• 构图
• 色彩
• 后期制作

出版社： 北京师范大学出版社

ISBN：9787303074679

版次：1

商品编码：10081088

包装：平装

开本：16开

出版时间：2005-10-01

用纸：胶版纸

页数：272

字数：342000

编辑推荐

　　20世纪艺术样式中发展最快的，大约要数刚刚诞生的电影和电视，即人们通常所说的影视艺术。与影视艺术迅猛发展相适应，影视教育成为艺术教育的重要内容。《影视艺术学科基础教程系列》正是北京师范大学艺术系为影视专业教学设计的一套系统教材。
　　艺术陪伴人类度过最初的荒蛮岁月，成为人类的精神家园和灵魂栖所。它是人们美的理想的凝聚与自由的象征。艺术属于大众，属于社会的每一个人。艺术来自于民间，也生长在民间，它的最高使命在于为大众服务。
　　影视艺术是最年轻的艺术样式，它凭借现代科学技术成为传播最广泛的一种现代艺术媒介。没有电的发明，没有光波、声波技术的发展，影视艺术也就无从谈起。同时，影视艺术也是现代工业的产物，它的发展离不开工业体制的运转。因此，它是一种不同于任何古老艺术样式的新型艺术。学习影视艺术，必须从它的本性出发，了解其基本特征，掌握其基本规律，这样才可能真正认识影视艺术，从事影视艺术研究、教学和创作。

前言/序言

　　

电影与电视技术原理：光影构建与叙事基础 （本书并非《新世纪高等学校教材·影视艺术学科基础教程系列：数字影视摄影教程》） 本书简介 本书旨在为影视艺术的初学者和爱好者提供一个全面、系统的技术与艺术基础框架，专注于电影和电视制作的核心——光影的理解、镜头的运用以及叙事结构与视觉语言的结合。我们深知，优秀的影视作品，无论其载体如何演变，其底层逻辑始终围绕着如何精确地运用技术手段来表达作者的思想与情感。因此，本书将超越单一的设备操作层面，深入探讨光线如何塑造场景、镜头如何引导观众视线，以及声音与画面如何共同构建叙事张力。 第一部分：视觉的基石——光线与色彩的物理与美学 光，是影像的生命。本部分将带领读者从物理学的角度理解光的特性，并将其转化为艺术表达的语言。 第一章：光线的物理学基础与影视照明原理 本章详细解析了光的传播、反射、折射等基本光学原理，这些原理直接决定了我们在摄影棚内或外景地搭建布光方案的逻辑。我们将探讨不同光源（自然光、钨丝灯、荧光灯、LED等）的光谱差异及其对画面色彩还原的影响。核心内容聚焦于光质（硬光与柔光）的生成机制、光比（Contrast Ratio）的控制方法，以及如何通过简单的三点布光法（主光、辅光、轮廓光）来塑造人物的立体感和空间层次感。此外，章节还将深入剖析“高调”与“低调”照明风格的心理暗示作用，帮助读者理解光线不仅仅是照明，更是情绪的载体。 第二章：色彩理论在影像中的应用与心理学效应 色彩是情感最直接的表达方式。本章系统梳理了色彩学的基本知识，包括色相、饱和度、明度的相互关系，以及三原色、三间色、补色等概念。重点在于影视色彩心理学：不同色温如何影响观众的情绪感知（例如，偏蓝的冷色调常用于表达疏离或科技感，偏黄的暖色调则暗示温馨或怀旧），以及如何通过色彩的对比与和谐来强化画面的主题。内容涵盖了滤光片的使用原理、色彩分级（Color Grading）的早期概念，以及如何设计出符合特定时代背景或类型片要求的视觉调性。 第二部分：镜头的语言——构图、视角与运动的叙事功能 镜头是观众的眼睛，镜头的选择与运动方式直接决定了信息传达的效率和深度。本部分强调的是“为什么选择这个镜头”，而非“如何设置参数”。 第三章：从二维到三维：景别、景深与焦段的透视语言 本章详尽阐述了不同景别（特写、中景、全景等）在叙事中的功能与效力。我们着重分析了镜头焦距对画面透视感的影响：广角镜头如何夸大空间和运动，长焦镜头如何压缩空间和聚焦主体。关于景深（Depth of Field）的控制，本章超越了光圈的机械设置，探讨了浅景深如何将观众注意力集中于特定焦点，以及大景深在环境交代或史诗感营造中的作用。此外，还讨论了“失焦”作为叙事手段的运用。 第四章：视点、角度与镜头的心理引导 视点（Point of View, POV）是导演与观众建立契约的基石。本章深入剖析了摄影机高度（仰视、俯视、平视）对角色权力关系和心理状态的表达。例如，低角度拍摄如何增强角色的权威性或压迫感，高角度俯拍如何使主体显得渺小或被审视。同时，本章细致辨析了主观镜头（Subjective Camera）与客观镜头的切换策略，以及如何利用镜头的“视线轴”（Line of Sight）来建立人物间的对话感和冲突。 第五章：镜头运动的语法：调度空间与时间 镜头运动是动态叙事的核心。本书系统梳理了固定镜头（Static Shot）的内涵，以及各种运动镜头（Camera Movement）的语法功能。包括摇摄（Pan）和移摄（Tilt）如何展示广阔环境或跟随动作；推拉镜头（Dolly In/Out）如何模拟人物的情绪变化或揭示隐藏信息；以及复杂的跟拍、环绕等调度技巧。本章特别强调了“运动的理由”：每一次镜头移动都必须服务于叙事节奏或情感渲染。 第三部分：运动的融合——剪辑逻辑与声音的共塑 影视艺术的完成，有赖于画面、声音和时间（剪辑）的完美交织。本部分探讨了如何将前述的视觉元素整合进连续的叙事流中。 第六章：空间与时间的魔术：剪辑的节奏与连续性 本章聚焦于剪辑理论的核心——如何通过画面的快速或缓慢切换来控制时间的感知和叙事节奏。我们将详细讲解“连续性剪辑”（Continuity Editing）的十二条黄金法则，包括180度线原则（Axis of Action）在维护空间稳定性和角色方向感上的关键作用。同时，也探讨了跳切（Jump Cut）、交叉剪辑（Cross-Cutting）等打破连续性的手法，如何被用来制造紧张感、并置对比或表达心理混乱。 第七章：声音的维度：从环境音到情绪配乐 声音是常被低估的叙事元素。本章将声音的构成解构为对话、音效（Sound Effects）和音乐三个层面。我们探讨了同步音（Diegetic Sound）与非同步音（Non-Diegetic Sound）的切换策略，以及如何运用环境声的细节来增强场景的真实感和沉浸感。特别关注声音的对比与对位，例如，画面宁静但音效尖锐，以此来营造不安的潜台词。 结语：技术为骨，艺术为魂 本书最终期望读者能够超越对具体器材参数的迷恋，真正掌握“影像思维”。优秀的摄影不仅在于清晰的画面，更在于通过精确的光影、恰当的构图和富有目的性的运动，将无声的画面转化为有力的、富有感染力的故事。本书是迈向理解和创作专业影视作品的坚实技术与艺术桥梁。 --- 适合读者群体： 影视专业学生、纪录片制作新人、广告创意人员、希望系统性提升自身视觉表达能力的摄影爱好者。 总字数： 约 1600 字。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧质量简直是行业典范，拿在手里就有一种厚重而可靠的感觉。作为一本技术类教材，它在视觉呈现上做到了极致的平衡——既要保证信息的准确传达，又不能让读者感到视觉疲劳。纸张的质感非常上乘，即便是印刷精美的彩色剧照和技术图表，色彩还原度也极高，完全没有廉价感。很多技术书籍在图例部分总是敷衍了事，但这本书在这方面投入了巨大的心血。每一个设备的操作细节，每一个场景的灯光布局，都有清晰的剖面图或实拍对比图进行佐证。这对于需要对照参考的实践者来说，简直是福音。我甚至会带着这本书去片场，对照着书中的布光图去理解现场灯光的用意。这种对细节的极致追求，体现了编者和出版方对“专业”二字的深刻理解，它不仅仅是一本书，更像是一套精美的视觉工具箱，让人爱不释手，愿意时常翻阅。

评分☆☆☆☆☆

这部教材的理论深度令人印象深刻，尤其是对于光影在叙事中的作用的剖析，简直是教科书级别的阐述。它不仅仅停留在“如何布光”的层面，而是深入探讨了不同光照条件如何潜移默化地影响观众的情绪感知和对角色心理状态的理解。书中对自然光与人工光的对比分析尤为精辟，让我这个从业多年的摄影师都感到茅塞顿开。记得有一章专门讲了如何在低光环境下捕捉环境的“氛围感”，而不是简单地把画面“调亮”，作者给出的那些富有创造性的解决方案，让我回去立刻尝试了新的灯光布局。而且，它对经典电影中光影运用的案例分析，选取的视角非常独特，并非那些老生常谈的片段，而是挖掘了许多容易被忽略的，但对画面美学至关重要的细节。阅读过程中，我感觉自己仿佛置身于一个顶级的灯光设计课堂，导师的讲解严谨而充满激情，每翻一页都能汲取到新的养分。这本书无疑是那种需要反复研读，每次都会有新发现的工具书，对于志在提升艺术修养的摄影师来说，是案头必备的良器。

评分☆☆☆☆☆

我更看重的是这本书所蕴含的“电影思维”，而非单纯的技术手册功能。它对“摄影师的审美哲学”的探讨，是许多同类书籍所欠缺的。作者不断强调，技术是手段，而“表达意图”才是核心。书中探讨了如何通过运镜节奏来控制叙事张力，如何利用画面的稳定与不稳定来反映角色的内心世界。比如，书中关于“主观镜头”与“客观镜头”的切换艺术的论述，对我启发很大，让我开始思考每一次镜头运动背后的文化和心理含义。它引导我去思考，我按下快门或移动摄像机时，我到底想对观众说什么？这种深层次的、形而上的探讨，极大地拔高了阅读体验。它不是简单地教你如何拍出“清晰好看”的画面，而是教你如何拍出“有力量、有态度”的画面，真正将技术人员提升到艺术创作者的高度。

评分☆☆☆☆☆

我是一名刚踏入影视制作领域的新手，抱着试试看的心态买了这本教材，没想到它竟然成为了我理解摄影技术和美学的“导航仪”。最让我感到惊喜的是，书中对于各种镜头语言的讲解，简直是化繁为简的高手。它没有堆砌晦涩难懂的专业术语，而是用非常生活化的比喻，将焦距的选择、景深控制这些核心概念讲得清晰透彻。例如，作者将广角镜头比作“好奇的窥探者”，而长焦镜头则是“深情的凝视者”，这种拟人化的描述瞬间就让抽象的物理属性变得具象可感。书中的图示和流程图设计也非常人性化，步骤清晰，即便是初学者也能对照着设备进行实际操作。我特别喜欢它在介绍曝光三角时，不是孤立地讲解快门、光圈和ISO，而是将三者置于一个动态平衡的系统中，教你如何在现场快速做出取舍。这本书极大地降低了我的学习门槛，让我不再惧怕那些复杂的参数，而是开始享受用镜头讲故事的过程。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我是一个对教材通常抱有怀疑态度的读者，总觉得它们难免流于说教和陈旧。然而，这本书的章节设置和内容更新体现了对当代影视制作潮流的高度敏感性。它没有沉湎于胶片时代的辉煌，而是将大量的篇幅放在了数字工作流程、HDR概念以及虚拟制片中摄影机的应用上。特别是关于代理工作流程（Proxy Workflow）和色彩管理（Color Management）的章节，讲解得非常贴合行业现状，实用性极强。它没有回避技术迭代带来的新挑战，反而提供了解决这些挑战的系统化方案。读完后，我感觉我的知识库立刻更新了好几个版本，对未来新技术如4K/8K拍摄中的色彩处理和数据管理问题都有了清晰的认知框架。对于那些需要紧跟行业前沿的从业者而言，这本书的“前瞻性”是它最宝贵的价值所在，它确保了所学知识的生命力。

评分☆☆☆☆☆

书很不错，赞赞赞！！！

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

特别好，发货快。是正版，非常感谢

评分☆☆☆☆☆

棒

评分☆☆☆☆☆

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棒

评分☆☆☆☆☆

书很不错，赞赞赞！！！

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