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罗鸿 著

图书标签:

• 图案设计
• 基础设计
• 设计原理
• 视觉元素
• 图形构成
• 创意设计
• 艺术设计
• 平面设计
• 装饰图案
• 设计入门

出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787506438360

版次：1

商品编码：10176776

包装：平装

开本：16开

出版时间：2006-06-01

用纸：铜版纸

页数：150

内容简介

《基础图案设计》主要内容包括：概述、图案艺术法则、图案的技法与表现、基础图案的素材来源、基础图案的组织形式和装饰创作范例、优秀作品欣赏。

作者简介

　　罗鸿，1992年毕业于中央工艺美术学院（现清华大学美术学院）染织专业。现为广西艺术学院设计学院副教授，中国工艺美术协会纤维艺术协会纤维艺术委员会常务委员。作品《源》入选“从洛桑到北京”第三届国际纤维艺术双年展（上海展年）和“首届中国现代工艺美术展”，作品《山色空翠雁长鸣》荣获由中国美术家协会广西分会举办的庆祝华人民共和国成立55周年美术作品展优秀奖。著有《美院考王——基础图案》、《植物基础图案》、《现代设计学校》（合著）、《设计一点通——创意图形》和《实用装饰图案》等书籍。

目录

第一章 概述
一、基础图案的定义
二、基础图案的重要性
第二章 图案艺术法则
一、图案的形式法则
(一）统一与变化
(二）对称与均衡
(三）对比与调和
(四）条理与反复
(五）动感与静感
(六）节奏与韵律
二、图案的色彩法则
(一）色彩的三要素
(二）色彩的冷暖
(三）色彩的协调
(四）色调
(五）色彩归纳写生与采集概括运用
(六）感觉、情感、色彩联想的抽象形和色表现
(七）色彩的装饰性特点
三、图案的造型法则
(一）基本外形变化
(二）外形装饰、内部装饰
第三章 图案的技法与表现
一、图案的技法

前言/序言

好的，这是一本名为《流变之形：数字时代艺术的视觉语言演进》的图书简介，完全不涉及《基础图案设计》的内容。 --- 流变之形：数字时代艺术的视觉语言演进 一部深度剖析技术革新如何重塑当代艺术叙事与表达方式的权威著作。 导言：从像素到存在——数字浪潮下的艺术断层与新生 自二十世纪末数字技术以前所未有的速度渗透到社会结构的每一个角落起，艺术领域便经历了一场深刻的、仍在持续的范式转移。传统的画布、雕塑和胶片媒介的权威性受到挑战，取而代之的是算法驱动的生成、交互式的体验以及超越物理界限的沉浸式环境。《流变之形：数字时代艺术的视觉语言演进》旨在系统梳理并深入解读这一历史性的转变。本书并非对特定软件或硬件的简单教程，而是聚焦于观念的重构：当创作的主体从“手”转移到“代码”，当作品的完成度依赖于观众的实时输入，艺术的本质性定义究竟发生了哪些微妙而根本的变化？ 本书将带领读者穿梭于代码的逻辑结构与感性的视觉冲击之间，探讨数字工具如何不仅是辅助创作的“画笔”，而是深度参与到意义建构过程中的“共同作者”。我们尤其关注那些在数字化语境下诞生、成长并最终确立其独特美学地位的新兴视觉语言。 第一部分：算法的诗学——生成艺术与非线性叙事 本部分聚焦于算法作为核心驱动力的艺术创作形态，探究程序代码如何转化为具有美学价值的视觉秩序。 一、从随机性到结构化：参数化美学的兴起 本书首先探讨了早期计算机图形学如何为生成艺术奠定基础。我们深入分析了分形几何、细胞自动机以及L-系统（Lindenmayer System）等数学模型，如何从纯粹的科学概念，逐步被艺术家捕捉并转化为表达自然、混乱与秩序的独特视觉母题。我们将详细剖析关键艺术家如何通过设定初始条件和演化规则，而非直接绘制，来“培养”出复杂、有机且具有内在逻辑的视觉结构。这不仅仅是关于“画什么”，更是关于“如何让它自己生成”的哲学反思。 二、实时反馈与交互的闭环：媒介的生命周期 数字艺术的重大突破在于其对时间性和交互性的纳入。本章详细考察了基于传感技术、数据流和实时渲染引擎的动态艺术作品。我们区分了“预设动画”与“即时生成”的本质差异。重点案例研究将围绕那些需要观众参与才能完成“观看”过程的作品展开，分析观众的行为数据（如身体动作、声音频率、环境光线等）如何实时地调制和重塑视觉输出。这种反馈循环模糊了作者与受众的界限，使得作品成为一个持续开放的、流变的状态。 三、数据的雕塑：信息可视化与抽象表达 随着大数据时代的来临，信息本身成为了可塑的材料。本书探究了艺术家如何将原本枯燥的统计数据、网络流量或环境监测数据，通过精妙的视觉编码，转化为具有强烈情感冲击力的抽象雕塑或动态场域。这部分内容将探讨如何平衡信息的准确传达与纯粹的审美体验，讨论“可读性”与“美观性”在数据艺术中的张力与融合。 第二部分：虚拟的实体——沉浸式体验与空间重构 本部分关注数字技术如何打破传统艺术展示的空间限制，构建全新的感知维度。 一、超越画框的限制：虚拟现实（VR）中的具身性 虚拟现实（VR）技术不仅提供了三维空间的模拟，更重要的是，它重新定义了“在场”的概念。本书将批判性地审视VR艺术作品中“具身性”（Embodiment）的实现路径。艺术家如何在完全构建的数字环境中，利用视角、尺度和触觉反馈（如手柄的震动），引导观众产生真实的物理感知和情感反应？我们将讨论从早期Walkthroughs到当前高保真模拟的演进，以及这种“非物质的实体感”对人类空间认知的影响。 二、增强现实（AR）与现实的叠加层：环境的重新编码 与VR的完全隔离相对，增强现实（AR）艺术通过数字信息层叠加到物理世界之上，改变了我们观看日常环境的方式。本章深入分析了AR如何被用作一种批判性的工具，例如揭示被隐藏的社会结构、历史的幽灵或未被察觉的数字痕迹。探讨的关键在于：当媒介成为环境的一部分时，艺术的边界在哪里？以及，艺术家如何利用AR技术在公共空间中进行“干预”和“重构”？ 三、大规模环境投影与媒介的公共性回归 在大型数字装置艺术中，我们见证了数字媒介对公共空间的重新占有。从建筑立面的动态映射（Projection Mapping）到大型互动式灯光装置，这些作品如何利用光线、运动和时间，在瞬时内重塑城市景观的感知？本部分强调了这些作品在能量消耗、社会参与度以及短暂性（Ephemerality）方面带来的伦理和审美挑战。 第三部分：赛博格本体论——后人类视角下的媒介与主体 本部分探讨了数字时代艺术创作中，艺术家主体性、媒介与作品之间关系的哲学探讨。 一、人工智能的“创造力”之辩：工具、伙伴还是作者？ 随着深度学习和生成对抗网络（GANs）等人工智能工具的成熟，艺术创作的主体性问题被推向了前台。本书不回避关于AI是否拥有“创造力”的争论，而是着重分析人类艺术家如何与这些复杂的系统进行“对话”。我们研究了“提示词工程”（Prompt Engineering）作为一种新型的艺术技能，是如何将人类的意图转化为机器可执行的指令，以及这种协作模式如何催生出超越单一创作者想象力的结果。 二、区块链与数字所有权：NFTs背后的视觉经济学 非同质化代币（NFTs）的兴起不仅是一场金融现象，它也深刻地影响了数字艺术品的流通、价值锚定和复制性问题。本章将剥离投机色彩，专注于NFT技术如何为原本易于无限复制的数字图像和动态作品提供了“稀缺性”的证明。探讨了这种技术如何迫使视觉艺术界重新审视“原作”的定义，以及艺术品在去中心化网络中的身份确认问题。 三、流变与永恒的张力：数字遗存的挑战 数字艺术的“流变性”既是其魅力所在，也是其脆弱之处。一个基于特定软件版本或硬件环境运行的作品，可能在数年后因技术迭代而“死亡”。本书的最后一部分，将严肃地探讨数字艺术品的“保存”与“策展”困境。我们分析了模拟、迁移、文档化等不同策略，以及艺术家们如何尝试在追求媒介的即时性和未来可读性之间找到平衡点，确保这些开创性的视觉语言能够被后代所理解和体验。 --- 目标读者群： 视觉艺术史学者、当代艺术批评家、数字媒体专业学生、交互设计师、以及任何对技术与美学前沿交叉领域抱有浓厚兴趣的专业人士与爱好者。本书结构严谨，论证深入，配有丰富的案例分析图示，是理解当代视觉文化不可或缺的参考读物。

评分☆☆☆☆☆

读完《基础图案设计》，最大的收获是让我明白了“设计是有规律可循的”。在此之前，我总觉得图案设计更多依赖于灵感和运气，但这本书彻底颠覆了我的看法。它像一本设计领域的“字典”，系统地梳理了自古以来人类是如何组织视觉元素的。书中关于“网格系统”和“对称轴”的讲解极其细致，作者通过不同文化背景下的案例，清晰地展示了网格如何成为图案的骨架，即使是最自由奔放的艺术风格，也往往隐藏着一套内在的秩序。我印象最深的是关于“密度”和“留白”的平衡分析，它教导我们如何通过控制元素之间的间距，来调节图案给人的整体感觉是充实还是疏朗，这种对空间处理的细致讲解，是我在其他地方很少见到的。这本书更像是一部方法论的汇编，它没有预设任何一种风格的优劣，而是提供了一整套工具箱，让你能够根据自己的需求，灵活地去组合、去创造，真正做到“心中有数，手下不乱”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买过好几本号称是“设计宝典”的书，大多是堆砌了大量的现成案例和复杂的术语，读起来让人云里雾里，感觉自己离成为设计师更远了。但这本书的视角非常独特，它不只是教你“怎么做”，更深入地探讨了“为什么这么做”。我尤其欣赏它对“文化符号与图案的演变”这一块的论述。作者似乎对世界各地的传统纹样都有深入的研究，通过对比分析，揭示了不同文明背景下，人们对对称、非对称、生命力象征等主题是如何通过图案语言来表达的。比如，它对比了东方和西方对“龙”这一母题在装饰艺术中的不同处理方式，让我对图案的文化承载力有了全新的认识。阅读过程中，我感觉自己像是在进行一场跨越时空的艺术史考察，而不是单纯地学习软件操作。这本书的深度足够让你在某个小的设计点上钻研很久，并且每一次重读都会有新的领悟，对于已经有一定基础，想要提升自己设计思想深度的读者来说，绝对是一剂良药，它拓宽了我对“美”的边界的想象。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体感觉是非常“冷静”和“结构化”的，不像很多设计书那样追求华丽的视觉冲击，而是像一本严谨的科学教材。它的语言非常精炼，几乎没有废话，每一个段落都旨在构建一个更清晰的逻辑框架。我特别喜欢它对“视觉错觉”在图案设计中应用的讲解。作者系统地梳理了哪些几何排列会欺骗眼睛，让人产生运动感、凹陷感或者膨胀感。这部分内容对我启发很大，我开始尝试在我的作品中加入一些微妙的“不稳定”因素，以增加图案的趣味性和互动性。它鼓励读者去“拆解”看到的每一个图案，而不是被动地接受。书中大量的图示都是由最简单的点、线、面构成的，但通过精密的计算和组织，展示了极强的视觉效果。对于那些追求精准、追求控制感的设计师来说，这本书简直是如获至宝，它不是教你如何天马行空，而是教你如何在规则之内，创造出最大的可能性。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是设计新手的福音，我刚开始接触平面设计的时候，对“图案”这个概念总是很模糊，不知道从何下手。拿到《基础图案设计》这本书后，我才发现原来图案设计有这么多可以探索的空间。它没有直接给我一堆复杂的理论，而是从最基础的几何图形、线条的运用讲起，非常耐心地分解每一种元素在构成图案时的作用。比如，书中关于“重复与变化”的章节，用了很多实例图展示了同样的元素如何通过不同的排列组合，产生截然不同的视觉感受，这对我理解什么是节奏感和韵律感非常有帮助。我记得有一部分专门讲了色彩在图案中的应用，不仅仅是教你配色方案，更重要的是解释了不同色彩搭配背后的情感联结，让我开始思考图案不只是“好看”，更是“会说话”的。这本书的排版也很清晰，大量的插图配合文字讲解，使得晦涩的理论变得生动易懂，即便是像我这样零基础的读者，也能很快上手尝试自己设计简单的印花或者背景纹理。总而言之，它像一位循循善诱的老师，为我搭建了一个坚实的图案设计基础框架，让我在后续的学习中少走了很多弯路，强烈推荐给所有刚入门的设计爱好者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性，我必须给它打个高分。我是一个需要经常为产品开发制作包装和标签的运营人员，对设计的专业要求很高，但又没有时间去上长期的专业课程。这本书的结构非常适合我这种“速成”又要求“扎实”的人群。它里面有一个章节专门针对不同载体的图案应用做了详细的分析，比如，丝巾上的流动感图案与陶瓷器皿上的固定纹样，在空间感和视觉张力的处理上有什么区别。它提供的很多设计方法论，可以直接转化为工作中的具体操作，比如如何处理边缘的衔接、如何应对不同尺寸的版面限制等。我记得我曾经为了一个圆形Logo的背景图案绞尽脑汁，后来翻阅书中关于“圆形构图”的部分，作者提供了一个非常巧妙的思路，通过引入负空间和视觉引导线，瞬间解决了我的难题。这本书的重点并不在于教你使用某个软件，而是教会你“设计思维”本身，是那种可以让你在面对任何新材料、新项目时，都能迅速找到合适图案解决方案的底层逻辑。

评分☆☆☆☆☆

￥10.00(10折)

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(J二）对称与均衡

评分☆☆☆☆☆

自三年前入道以来，张灿一直是小心又小心，一笔一笔地赚着小钱，跟着古玩街、旧货市场的老鸟们学经验，三年来辛辛苦苦存了二十万血汗钱，却在一夕间化为乌有。

评分☆☆☆☆☆

(86%好评)

评分☆☆☆☆☆

1条

评分☆☆☆☆☆

清华电脑学n堂：Illustrator

评分☆☆☆☆☆

张灿在老友苏杉立那儿闲聊喝茶，苏杉立是老石斋的掌眼，五十岁出头，在锦城古玩行也算个人物，经验老到，张灿跟老苏又是同乡，捡漏买了小件基本上都送到老苏这里，其实也算不得真正的捡漏，一件也就赚个三五百，多则一两千，有时候还会亏一点儿，不过老苏都会帮张灿把差价补到最低。

评分☆☆☆☆☆

教程详细清楚，值得购买。。。

评分☆☆☆☆☆

第一章　见财忘道义恩师设局玉壶春，人情薄如纸菜鸟一朝赔精光