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[美] 卡里尔 著，吴啸雷 等 译

图书标签:

• 艺术史
• 写作
• 方法论
• 学术研究
• 史学
• 艺术理论
• 研究方法
• 学术写作
• 艺术
• 历史

出版社： 中国人民大学出版社

ISBN：9787300052052

版次：1

商品编码：10395980

包装：平装

出版时间：2004-03-01

用纸：胶版纸

页数：264

字数：290000

内容简介

本书作者通过艺术史和艺术史学史之间的平行类比，区分了“艺术史”和“艺术写作”两种概念，将艺术写作史视为一种与艺术风格平行文体的变化史，类似于“在艺术风格变换中艺术是否进步”观念的质疑，作者考察了艺术写作文体的变化和艺术史研究的进步之间的关系，从而“强调了一些方法，即关于视觉艺术文献里的用字遣词是如何影响艺术史写作所发展出来的阐释原理的”。
本书提出的诸多问题是现代艺术史研究者所仔细考虑的因此本书也被列为美国诸多艺术史系学生的基本教材。作为一具相对主义者，作者一方面拒绝接受对艺术品的理解只有单一阐释的观念。因此开放了一个自由的阐释空间，同时却也难以避免由相对主义和怀疑论所导致的不确定性和在解决具体问题时的含糊性。

作者简介

大卫·卡里尔，美国著名艺术批评家和艺术史学家，现为西部保留地大学和克利夫兰美术学院教授。作为阿瑟·凡托的高等，卡里尔在审视艺术史同时，尤其重视对艺术写作史“书写史”的反思。目前，其视野又转向了艺术博物馆哲学领域。迄今为止，他撰有13本著作和上百篇论文，率及从文艺复兴到当代艺术的广泛领域，主要有《艺术写作》、《艺术写作中的原则》、《普桑的绘画－－艺术史方法论研究》、《艺术写作的艺术》等。

目录

中文版序
鸣谢
引论
第一章 作为阐释的保护
第二章 皮埃罗·德拉·弗朗切期卡：文艺复兴时期艺术品的现代阐释
第三章 卡拉瓦乔：对一位艺术家人格的构建
第四章 佛兰德斯艺术中的寓言：凡·艾克和罗伯特·康平的比较性阐释
第五章 图说与阐释：现代艺术史的地位
第六章 温克尔曼与佩特：艺术史写作的两种风格
第七章 大卫的《荷拉斯兄弟的宣誓》：对一件18世纪杰作诸种来源的研究
第八章 绘画在何处？艺术史写作中观者的位置
第九章 绘画在何时？艺术史写作中观者的时间位置
第十章 马奈：现代主义艺术，后现代主义艺术写作
第十一章 马蒂斯：古典艺术史的终结与早期现代主义的虚构
结论

精彩书摘

如果艺术写作者组织文本依据的是惯例，那么可能有什么其他的编排方法吗?本书第一部分讨论了这一问题。某些艺术史的论述是围绕单个作品的研究而组织其叙述的。因为已经有了对皮埃罗几件作品详细阐释的传统，任何新的论述都必须基于那些阐释之上。另外一些艺术史的叙述涉及的是艺术家个性问题。因为我们对卡拉瓦乔知之甚多，自然会联系他的生平来阐释他的艺术。还有一些艺术史叙述是通过比较在同一艺术文化氛围中不同艺术家相关作品的异同来展开的。由于凡·艾克与罗伯特·康平的视觉寓言具有不同的功能，我们可以通过比较他们的异同来理解他们的作品。
由于我们对于皮埃罗本人几乎一无所知，所以阐释能依据的就是某些信念，如相信皮埃罗的艺术或许表达了一种他对同时代的政治事件的复杂反应，或包含了某种复杂的宗教象征。无论是瓦萨里简明的艺术家生平还是任何同时代的文献，都没有提到皮埃罗的绘画包含这样的政治性评论或象征意味，因此阐述者就必须表明他们并非只是简单地将现代人的观点投射到他的作品中。卡拉瓦乔的生平我们倒知道一些，并且也有相当多的近乎同时代人对他作品的反应。因此，可以将卡拉瓦乔的绘画作品阐释为艺术的自我表现，而对皮埃罗则不能这么做。卡拉瓦乔的艺术演变是相当复杂的，这就吸引着人们将其作品演变的历史叙述为他个性发展的故事。但是过去的文本从未像某些现代历史学家那样指出，卡拉瓦乔在其艺术中表现了色情意味，或说他的绘画中包含了复杂的象征意味。
凡·艾克的《阿尔诺芬尼的婚礼》和康平的《美荷德的祭坛画》引出了相似的问题。所有早期评论家都把它们看做非凡的自然主义图像，因此对其中隐藏象征意义的发现就似乎令人吃惊。一旦这些论述的规则被帕诺夫斯基和梅耶·夏皮罗含蓄地确定下来，就给他们的后辈们提供了开放的空间：一方面接受他们关于寓意性图像的基本观点，同时则争论他们阐释中的诸多细节。但是，因为帕诺夫斯基和夏皮罗他们本身也对佛兰德斯艺术中寓言意味的一些基本方法有着不同意见，把他们的论述进行比较就提供了阐释这些作品不同的方法。
对这些叙述的研究指出了现代艺术史叙事的三种不同组织方法。本质上，这是一种共时性分析，但通过将现代论述风格与早期艺术写作者风格的比较，我们可以获得历史性的视界。第二部分将转向历时性的分析，我们将会理解艺术史观点的惯例是如何随时间而变化的。或许有一天可能写一部完整的艺术史学史。我的目的则是，讨论在三个重要历史时刻所用的惯例，以此来充分证明这些惯例已经发生了改变。
文艺复兴时期的艺术写作的关键性方法是图说(ekphrasis)，即视觉艺术作品的语词性再创造；而现代艺术史运用的则是阐释(in—terpretation)。图说和阐释是两种不同类型的文本。现代艺术史学者和文艺复兴时期艺术写作者的目的不同。图说是一种语词的绘画(word—painting)，作用就像图像的照片或版画的替代品，只需对图中客观的事物做足够精细的确认。阐释则对艺术作品中诸多细节的意味做出解释，经常会揭示画中某些微小的、看似无意味的元素其实却是理解整幅画作意义的关键。
P6-7

前言/序言

建筑与空间：解析现代生活的结构 图书简介 本书深入探讨了建筑与空间在塑造人类社会、文化和日常生活中的核心作用。不同于传统的建筑史叙事，本书聚焦于空间如何被建构、感知和体验，以及这种体验如何反过来影响我们的思想、行为和权力关系。我们力求提供一个跨学科的视角，将建筑学置于社会学、哲学、人类学和艺术史的交汇点上，揭示空间叙事的力量。 第一部分：空间的原型与诞生 本部分追溯了人类对空间的最初认知和构造。从史前洞穴的原始庇护所到早期文明的聚落布局，我们分析了早期建筑如何满足基本生存需求，并开始承载仪式和象征意义。重点探讨了美索不达米亚的城邦规划、埃及金字塔的宇宙观投射，以及古希腊城邦的公共广场（Agora）如何成为公民政治生活的核心场域。 我们详细考察了古罗马工程学的革命性突破——拱券、混凝土的运用，以及对连续空间的创造。罗马浴场、巴西利卡和万神殿不仅是技术的展示，更是帝国权力、公共卫生和社会等级制度的物质载体。对这些早期空间原型的剖析，确立了建筑作为一种“凝固的音乐”和“载体结构”的基本定义。 第二部分：中世纪的垂直性与封闭性 中世纪的建筑语汇在很大程度上被宗教信仰所主导。本部分将目光投向了哥特式大教堂的崛起，分析了尖拱、飞扶壁和花窗玻璃如何共同创造出一种令人敬畏的、追求超越性的垂直空间体验。这种对“天国”的物质模仿，深刻影响了当时的宗教体验和社会结构。 同时，我们也考察了世俗建筑，如封闭的城堡和庄园。这些结构反映了封建制度下的防御需求、领地意识和身份等级。空间被严格划分，从私密性的私人居所到等级森严的宴会厅，每一步移动都隐含着明确的社会信息。我们还将讨论修道院建筑，它们作为知识和信仰的堡垒，其内部的秩序感和自给自足性如何构成了特定时代的生活范式。 第三部分：文艺复兴的光学与理性 文艺复兴是空间观念发生决定性转变的时期。随着人文主义的兴起，建筑的焦点从神转向了人，从超越转向了可测量的世界。本部分集中探讨了透视法（Perspective）的发明及其在建筑设计中的革命性应用。布鲁内莱斯基和阿尔伯蒂的理论，如何将建筑从一种实践技艺提升为一门基于数学和几何的理性科学。 文艺复兴建筑对“黄金比例”和古典秩序的回归，不仅仅是对古代形式的模仿，更是对理性、和谐与人类中心主义的哲学宣言。我们会分析佛罗伦萨的城市规划，以及宫殿设计中对内部庭院和立面序列的精心编排，这些都标志着清晰、可读、以人为尺度的空间秩序的建立。 第四部分：巴洛克的情感张力与动态空间 与文艺复兴的静态和谐相对，巴洛克建筑追求的是动感、戏剧性和情感的直接冲击。本部分深入剖析了贝尼尼和博罗米尼等大师如何通过光影的操纵、曲线的运用以及建筑元素的流动性，来打破传统的边界感，创造出一种沉浸式、甚至是迷幻的空间体验。 巴洛克空间的设计目的在于服务于君主制和反宗教改革的需要，它要求观众在移动中不断地被新的视角和视觉效果所捕获。我们会对比分析意大利和法国的宫殿（如凡尔赛宫），探讨这种动态空间叙事如何在绝对权力展示中发挥作用，以及它如何模糊了室内与室外的界限，使建筑成为一个巨大的、不断展开的舞台。 第五部分：工业革命与现代性的降临 工业革命对建筑产生了颠覆性的影响。本部分关注新材料——钢铁、玻璃和钢筋混凝土的出现，如何从根本上解放了建筑的承重结构，使得前所未有的跨度和高度成为可能。铁路、玻璃穹顶和大型工厂的出现，标志着空间不再仅仅是封闭的容器，而开始成为高效流动的网络。 现代主义的兴起是本部分的核心议题。从阿道夫·鲁斯对“装饰与罪恶”的批判，到勒·柯布西耶对“新建筑五点”的提出，建筑师们试图通过去除历史包袱，创造出服务于工业化社会、功能至上的纯粹空间。我们会详细分析包豪斯的影响，以及现代主义建筑如何在不同文化背景下被接受、改造和实践，探讨其承诺的乌托邦性与实际应用中的局限性。 第六部分：后现代的解构与场所精神 随着现代主义的同质化倾向引发反思，后现代建筑在20世纪下半叶应运而生。本部分考察了文丘里和斯科特·布朗等人如何重新拥抱装饰、历史引用和地方特色，挑战“形式追随功能”的教条。空间叙事从单一的逻辑路径转向了多重意义的并置和矛盾的趣味。 更进一步，我们将讨论“场所精神”（Genius Loci）的概念在当代建筑理论中的复兴。在全球化和普遍化趋势下，建筑师如何重新关注特定地点的历史、气候和文化语境，试图创造出既根植于当下又尊重传统的独特空间体验。本部分探讨了当代建筑如何应对可持续性挑战，以及数字技术如何改变我们对真实与虚拟空间边界的认知。 结论：生活在被构建的世界中 本书的结论将重申，建筑和空间绝非被动的背景，而是积极的参与者，它们塑造着我们对时间、身份和社会关系的理解。从古代的祭坛到今天的智能城市界面，空间始终是我们进行意义生产和权力博弈的前沿阵地。理解空间是如何被设计、构建和感受的，是我们理解自身所处世界的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构组织是极其精妙的，它仿佛遵循着一个艺术作品从最初的“草稿”到最终“公开展出”的逻辑线索。它从最基础的描述性写作入手，逐步过渡到复杂的阐释性分析，最终落脚于宏大的理论建构。我印象尤为深刻的是，作者将不同写作目的——例如，学术期刊论文、博物馆导览词、艺术市场评论——之间的风格差异进行了细致的对比和剖析。它清晰地指出，为同行写作和为大众写作在信息密度、术语使用和情感诉求上的根本不同。这种实用主义的视角，让我第一次意识到，写作的有效性与其受众的期待值是直接挂钩的。这本书更像是一位经验丰富的导师，在你完成初稿后，会精准地指出哪些地方需要“打磨”，哪些论据需要“加固”，使得最终的成品不仅在内容上扎实，在形式上也无可指摘。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这会是一本典型的、充斥着术语和死板范例的教科书，但阅读体验完全出乎我的意料。这本书的叙事流畅得像一部侦探小说，每一章都在引导你解开一个关于“如何有效交流艺术思想”的谜题。最让我震撼的是关于“语境化”的章节，作者强有力地论证了脱离历史、社会和经济背景谈论艺术是何等苍白无力。书中不厌其烦地展示了如何将一件看似纯粹的艺术品，置于其诞生的时代洪流之中，探讨赞助人、市场需求、甚至政治气候如何潜移默化地塑造了最终的视觉结果。这种全景式的分析方法，极大地拓宽了我的视野，让我意识到一篇好的艺术史评论，其实是一次微型的历史重构。这本书的力度在于，它不仅提供了写作的“工具箱”，更重要的是，它重塑了我们对“研究”本身的理解——研究不是孤立的文本分析，而是一场跨学科的对话。

评分☆☆☆☆☆

这本关于艺术史写作的书籍，简直是为所有渴望将视觉体验转化为深刻文字的人量身定做的指南。作者并没有停留在罗列枯燥的艺术史事实，而是深入探讨了如何构建一个有力的、引人入胜的论点。我尤其欣赏它在“观察的艺术”部分所花费的篇幅，书中细致地分解了如何真正“看”一件作品——不仅仅是辨认主题或风格，而是去解构构图、光影、笔触背后的意图和影响。它教会我如何跳出“这很美”或“那很丑”的肤浅判断，转而探讨媒介如何服务于观念，以及材料本身如何成为叙事的一部分。例如，书中对威尼斯画派色彩运用与当地湿润气候之间关系的探讨，让我对“地域性”在艺术批评中的作用有了全新的认识。对于那些觉得艺术史写作总是高高在上、难以企及的读者来说，这本书提供了一套清晰的、可操作的方法论，让学术的严谨性与个人的声音得以完美结合。它不是告诉你“应该”写什么，而是教你如何找到自己的声音，并用最精准的语言来支持你的发现。

评分☆☆☆☆☆

这本书的魅力在于其对“叙事张力”的强调。艺术史写作常被误解为仅仅是“是什么”的罗列，但本书却坚定地将“为什么”和“如何影响”置于核心地位。作者用大量篇幅论述了时间维度在写作中的关键作用——如何构建因果链条，如何处理跨越数百年的风格演变，以及如何巧妙地引入突发的历史事件来“打断”既有的艺术史线性叙事。阅读过程中，我不断地被提醒，即便是最客观的描述，背后也隐藏着一种叙事选择。书中对“悬念的设置”与“证据的逐步呈现”的讨论，让我开始反思自己以往过于直白、缺乏层次感的写作习惯。它提供了一种高级的写作策略：让读者跟随你的思维过程，共同经历发现的喜悦，而不是直接将结论砸给他们。这本书的最终价值，在于它把枯燥的学术任务，变成了一场令人兴奋的智力探险。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，在翻阅之前，我对于“论述性写作”总有一种畏惧感，觉得那似乎是高阶学者的专利。然而，这本书以一种近乎平易近人的姿态，将复杂的理论框架拆解成了易于消化的模块。它在处理“文献综述”和“批判性参与”这两个核心环节时，展现了极高的技巧。作者巧妙地展示了如何既能尊重前人的研究成果，又能清晰地标示出自己研究的空白与创新之处，避免了陷入无谓的重复或对抗。我特别喜欢书中对于“声音的权威性”的讨论，它强调了在学术写作中，保持谦逊与自信的微妙平衡是多么重要。这本书不是教你如何模仿某个大师的腔调，而是鼓励你发展出一种既有文献支撑又充满个人洞察力的、不可替代的写作人格。对于准备撰写毕业论文或独立研究的读者，这本书提供的结构性建议，价值千金。

评分☆☆☆☆☆

书还是不错的，作者来头大呀！

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