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[美] 巫鴻 著

圖書標籤:

• 美術史
• 藝術史
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• 文化史
• 繪畫
• 雕塑
• 建築
• 藝術批評
• 美學

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齣版社： 生活.讀書.新知三聯書店

ISBN：9787108052995

商品編碼：10125056811

齣版時間：2016-01-01

作  者:(美)巫鴻 著作 定  價:59 齣 版 社:生活.讀書.新知三聯書店 齣版日期:2016年01月01日 頁  數:157 裝  幀:精裝 ISBN:9787108052995 ●一代序：“美術”小議
●二圖像的轉譯與美術的釋讀
●三美術史與美術館
●四實物的迴歸：美術的“曆史物質性”
●五重構中的美術史
●六“開”與“閤”的馳騁
●七“墓葬”：美術史學科更新的一個案例
●八“經典作品”與美術史寫作
●九美術史的形狀
●十“紀念碑性”的迴顧

內容簡介

《美術史十議》所收的是巫鴻在2006-2007兩年中為《讀書》雜誌“美術縱橫”專欄所撰寫的十篇文章。這個專欄的目的是希望能夠成為一個“縱橫馳騁，惟意所之”的領域。每篇短文的主題或古或今，或近或遠，或宏觀或微觀，從多種視角引齣對美術史的反思和想象。 (美)巫鴻 著作 巫鴻，有名藝術史傢，芝加哥大學教授。1963年考入中央美術學院美術史係學習。1972—1978任職於故宮博物院書畫組、金石組。1978年重返中央美術學院美術史係攻讀碩士學位。1980—1987年就讀於哈佛大學，獲美術史與人類學雙重博士學位。隨即在哈佛大學美術史係任教，於1994年獲終身教授職位。受聘支持芝加哥大學（The University of Chicago）亞洲藝術的教學、研究項目，執“斯德本特殊貢獻教授”講席。2000年建立東亞藝術研究中心並任主任。同年兼任該校斯馬特美術館顧問策展人。

藝術的邊界：一場穿越時空的文化對話 圖書名稱： 藝術的邊界：一場穿越時空的文化對話 圖書簡介： 《藝術的邊界：一場穿越時空的文化對話》並非聚焦於對既定藝術史流派進行係統梳理，而是一部深入探討“藝術何以為藝術”這一核心命題的思辨之作。本書的野心在於拆解和重構我們對藝術的認知框架，邀請讀者跳齣傳統畫廊與博物館的敘事，進入一個更廣闊、更具挑戰性的哲學與美學領域。 本書的結構圍繞“邊界”這一核心概念展開，通過對四個主要領域的深入剖析，層層遞進地揭示瞭藝術在當代語境下的復雜性和多義性。 --- 第一部分：物質的終結與觀念的崛起（約400字） 本部分著重考察瞭20世紀下半葉，尤其是後現代主義浪潮對藝術媒介和物質性的顛覆性挑戰。我們不再滿足於對“美的再現”的探討，而是轉嚮對“意義的生産”的關注。 媒介的消解與信息的重量： 重點分析瞭杜尚的現成品（Readymade）如何劃定瞭藝術與日常生活的界限，並探討瞭這種“去技能化”傾嚮如何迫使藝術品從“製作物”轉嚮“思想載體”。我們將深入研究行動藝術（Action Art）和過程藝術（Process Art）如何模糊瞭作品的完成態，將時間、空間和觀眾的參與本身納入藝術品的構成要素。例如，對特定的行為藝術傢如何利用身體作為畫布和媒介，以及這種對物質依賴的放棄如何反而加深瞭對藝術本質的追問。 空間的解放與環境的介入： 探討瞭大地藝術（Land Art）如何將藝術從封閉的畫廊空間釋放到廣袤的自然環境中，並討論瞭這種對紀念碑式藝術的反叛所帶來的權力結構變化。我們審視瞭環境藝術如何從單純的視覺審美轉嚮對生態、政治和社會語境的直接乾預，並探究瞭這種“去中心化”的創作模式，在媒介傳播和保存上麵臨的固有睏境與挑戰。 --- 第二部分：技術異化與數字靈魂的重構（約450字） 技術始終是塑造藝術邊界的關鍵驅動力。本部分聚焦於數字革命如何徹底重塑瞭藝術的生産、分發和消費模式，並探討瞭人工智能與虛擬現實對人類創造力的影響。 算法與作者性： 深入剖析瞭生成式AI在藝術創作中的角色。我們不討論AI能否“創造”藝術，而是考察當創作主體不再是人類心智時，原有的“作者身份”和“原創性”概念如何崩塌。分析瞭基於大數據和算法訓練的視覺産齣，如何挑戰瞭我們對“靈感”與“技藝”的傳統定義，並提齣瞭知識産權在數字原生作品中的法律與哲學睏境。 沉浸與在場感的重塑： 考察瞭虛擬現實（VR）、增強現實（AR）和元宇宙（Metaverse）對藝術體驗的革命性影響。與傳統藝術強調觀眾與作品之間的物理距離和凝視不同，數字沉浸式藝術要求觀眾“進入”作品。探討瞭這種高強度的感官捲入是否等同於更深刻的審美體驗，以及數字藝術的“永恒性”——其無限的可復製性和易逝的平颱依賴性——之間的矛盾張力。 賽博格美學與身體延伸： 關注生物藝術（BioArt）和技術增強身體（Cyborg Aesthetics）領域。探討藝術傢如何利用基因工程、植入技術和生物材料作為媒介，直接乾預生命本身，從而將“生命”納入藝術的創作範圍。這不僅是關於工具的使用，更是關於對人類存在界限的哲學性探索。 --- 第三部分：社會劇場與無聲的抵抗（約350字） 藝術的邊界從來不是純粹審美的，它深深植根於權力結構與社會動員之中。本部分著眼於藝術如何作為一種社會實踐和政治工具發揮作用。 抗議的圖像學與符號政治： 關注激進藝術和宣傳藝術在特定曆史時刻（如社會運動、衝突地區）的錶現形式。探討瞭特定的符號、色彩和集體行為如何被編碼為政治訊息，並瞬間跨越語言障礙進行傳播。分析瞭藝術作品在公共空間中被審查、篡改或挪用的現象，以此揭示其內在的顛覆性潛能。 日常生活的詩學與微觀政治： 跳齣宏大的政治敘事，關注日常生活中那些“非藝術化”的行為如何被提升為具有美學價值的錶達。例如，城市遊擊主義（Guerrilla Art）和不請自來的公共乾預（Unsanctioned Public Interventions）如何通過破壞既定的空間秩序，迫使路人重新審視他們習以為常的環境。 --- 第四部分：超越定義：未完成的藝術與未來的對話（約300字） 本部分的收束在於對“定義”本身的解構。作者認為，藝術的生命力恰恰在於其拒絕被最終定義。 開放性與闡釋的動態： 強調瞭闡釋者的角色在藝術邊界劃定中的決定性作用。藝術品一旦麵世，其意義的“邊界”就變得流動起來，由每一代的觀看者和批評傢共同維護和拓展。探討瞭那些故意製造模糊性、挑戰觀眾預期的作品，如何成為推動藝術嚮前發展的動力。 從藝術到經驗的迴歸： 最終，本書迴歸到藝術的原始功能——提供一種獨特的經驗。這種經驗可能是痛苦的、令人睏惑的，甚至是反審美的，但它必須是具有強力穿透性的。總結瞭藝術的邊界並非一個固定的柵欄，而是一係列不斷被試探、被推移的張力綫，它存在的意義，在於不斷促使我們思考：我們究竟在觀看什麼，又在期待什麼。 《藝術的邊界》 是一本寫給所有對藝術的“為什麼”比“是什麼”更感興趣的讀者的書。它提供的是問題，而非答案，邀請讀者加入這場永無止境的文化對話。

評分☆☆☆☆☆

我嚮來對那些試圖用一套固定的框架去套牢整個藝術發展曆程的理論感到不耐煩。藝術的魅力就在於它的不可預測性和叛逆精神，任何企圖將其馴服於單一邏輯的嘗試，最終都會顯得蒼白無力。我更欣賞那些能夠捕捉到藝術作品背後復雜張力和文化斷裂點的解讀。這本書最讓我眼前一亮的地方，在於它對“邊界的消融”這一主題的探討。作者並沒有局限於歐洲中心主義的視角，而是相當大膽地將東方美學中的“留白”概念，與西方現代主義中對負空間的運用進行瞭跨文化的對話。這種跨越地域和時空的比較，使得原本看似孤立的藝術現象獲得瞭更宏大、更具普遍性的解釋。讀到關於版畫藝術如何從邊緣技術走嚮主流錶達的部分時，我甚至産生瞭一種錯覺，好像自己正站在曆史的十字路口，清晰地看到那些被主流敘事遺漏的、卻同樣具有生命力的藝術脈絡是如何悄然匯閤的。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我最害怕的就是那種空泛的贊美之詞，諸如“傑作”、“不朽”之類的形容詞堆砌起來毫無意義。一本真正好的藝術評論，應該提供的是一套可供讀者自己建構理解世界的工具，而不是直接給齣標準答案。這本書在這方麵做得極其到位。它在闡述某個具體流派的形成背景時，總是會細緻地剖析當時的社會經濟結構、哲學思潮乃至科學發現如何間接或直接地影響瞭藝術傢的創作取嚮。例如，它對攝影術的齣現如何徹底顛覆瞭傳統繪畫中“再現”任務的論述，就極其精準和深刻。它不是簡單地說“因為有瞭相機，所以畫傢纔開始抽象化”，而是深入探討瞭那種認知危機——當“真實”的定義被技術挑戰後，藝術傢們被迫轉嚮內部世界和純粹形式的探索。這種層層剝開的分析，讓我對那些看似突然爆發的藝術革命，有瞭更紮實的理解基礎。

評分☆☆☆☆☆

這本厚厚的書拿在手裏，感覺沉甸甸的，光是封麵上的那幾幅古典油畫復製品就足夠讓人駐足良久。我原本以為這是一本標準的學院派教科書，裏麵充斥著晦澀難懂的專業術語和密密麻麻的年代考據，畢竟“史”這個字擺在那裏，總讓人聯想到枯燥的知識灌輸。然而，翻開內頁纔發現，作者的筆觸異常靈動，他似乎更像一個經驗豐富的導遊，而不是冷峻的學者。他沒有急於羅列從史前洞穴壁畫到文藝復興的綫性時間軸，反而采取瞭一種主題式的探討。比如，其中有一章專門剖析瞭“光影”在不同文化和時代中的象徵意義，從早期的宗教繪畫中那種刻意營造的神聖光芒，到印象派對自然光瞬息萬變的捕捉，再到現代主義對人造光源的解構，那種深入淺齣的分析，讓我這個對藝術史瞭解不深的人，也仿佛推開瞭一扇扇通往大師心靈世界的窗戶。那種閱讀體驗，更像是與一位飽讀詩書、談吐風趣的老朋友在咖啡館裏高談闊論，而不是對著冰冷的文字做功課。

評分☆☆☆☆☆

這本書的行文節奏掌握得非常巧妙，它懂得何時需要放慢速度，進行深度聚焦，何時又需要快速跳躍，展現宏觀圖景。我個人尤其喜歡它在處理那些爭議性極大的藝術傢或作品時的態度——不偏不倚，而是將各方的論點清晰地並列齣來，讓讀者自己去權衡。比如，對於某位被後世評價極高的現代主義先驅，書中並未迴避其作品中存在的文化挪用爭議，而是將其置於其所處的曆史語境中進行審視，並沒有簡單地進行道德審判。這種開放性和包容性，讓閱讀過程充滿瞭智力上的愉悅。它不是在給我灌輸“標準答案”，而是在邀請我加入一場持續瞭數百年的、關於美與意義的深刻討論。讀完閤上書頁時，我感到自己對視覺世界的敏感度，確實被提升到瞭一個新的層次。

評分☆☆☆☆☆

當我讀到關於材料與工藝的章節時，我簡直驚呆瞭。很多藝術史著作往往將重點放在“主題”或“風格”上，而將“材料”視為次要的背景信息，這本書卻反其道而行之。它花瞭大量篇幅來探討不同顔料、媒介和支撐物如何限製和塑造瞭藝術傢的錶達。比如，通過分析中世紀蛋彩畫的易碎性和光澤感，來解釋為何當時的聖像畫必須保持一種高度程式化的、扁平化的處理方式；再比如，對二十世紀早期工業閤成顔料的齣現，如何解放瞭野獸派畫傢對色彩的狂熱使用。這種對物質層麵的深挖，徹底改變瞭我看待藝術作品的方式——它們不再是漂浮在空中的純粹概念，而是實實在在、與物理世界緊密聯係的産物。這種務實的、甚至有點“匠人精神”的解讀角度，非常新鮮，讓人欲罷不能。