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[美] 巫鸿 著

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• 美学

店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 生活.读书.新知三联书店

ISBN：9787108052995

商品编码：10125056811

出版时间：2016-01-01

作  者:(美)巫鸿 著作 定  价:59 出 版 社:生活.读书.新知三联书店 出版日期:2016年01月01日 页  数:157 装  帧:精装 ISBN:9787108052995 ●一代序：“美术”小议
●二图像的转译与美术的释读
●三美术史与美术馆
●四实物的回归：美术的“历史物质性”
●五重构中的美术史
●六“开”与“合”的驰骋
●七“墓葬”：美术史学科更新的一个案例
●八“经典作品”与美术史写作
●九美术史的形状
●十“纪念碑性”的回顾

内容简介

《美术史十议》所收的是巫鸿在2006-2007两年中为《读书》杂志“美术纵横”专栏所撰写的十篇文章。这个专栏的目的是希望能够成为一个“纵横驰骋，惟意所之”的领域。每篇短文的主题或古或今，或近或远，或宏观或微观，从多种视角引出对美术史的反思和想象。 (美)巫鸿 著作 巫鸿，有名艺术史家，芝加哥大学教授。1963年考入中央美术学院美术史系学习。1972—1978任职于故宫博物院书画组、金石组。1978年重返中央美术学院美术史系攻读硕士学位。1980—1987年就读于哈佛大学，获美术史与人类学双重博士学位。随即在哈佛大学美术史系任教，于1994年获终身教授职位。受聘支持芝加哥大学（The University of Chicago）亚洲艺术的教学、研究项目，执“斯德本特殊贡献教授”讲席。2000年建立东亚艺术研究中心并任主任。同年兼任该校斯马特美术馆顾问策展人。

艺术的边界：一场穿越时空的文化对话 图书名称： 艺术的边界：一场穿越时空的文化对话 图书简介： 《艺术的边界：一场穿越时空的文化对话》并非聚焦于对既定艺术史流派进行系统梳理，而是一部深入探讨“艺术何以为艺术”这一核心命题的思辨之作。本书的野心在于拆解和重构我们对艺术的认知框架，邀请读者跳出传统画廊与博物馆的叙事，进入一个更广阔、更具挑战性的哲学与美学领域。 本书的结构围绕“边界”这一核心概念展开，通过对四个主要领域的深入剖析，层层递进地揭示了艺术在当代语境下的复杂性和多义性。 --- 第一部分：物质的终结与观念的崛起（约400字） 本部分着重考察了20世纪下半叶，尤其是后现代主义浪潮对艺术媒介和物质性的颠覆性挑战。我们不再满足于对“美的再现”的探讨，而是转向对“意义的生产”的关注。 媒介的消解与信息的重量： 重点分析了杜尚的现成品（Readymade）如何划定了艺术与日常生活的界限，并探讨了这种“去技能化”倾向如何迫使艺术品从“制作物”转向“思想载体”。我们将深入研究行动艺术（Action Art）和过程艺术（Process Art）如何模糊了作品的完成态，将时间、空间和观众的参与本身纳入艺术品的构成要素。例如，对特定的行为艺术家如何利用身体作为画布和媒介，以及这种对物质依赖的放弃如何反而加深了对艺术本质的追问。 空间的解放与环境的介入： 探讨了大地艺术（Land Art）如何将艺术从封闭的画廊空间释放到广袤的自然环境中，并讨论了这种对纪念碑式艺术的反叛所带来的权力结构变化。我们审视了环境艺术如何从单纯的视觉审美转向对生态、政治和社会语境的直接干预，并探究了这种“去中心化”的创作模式，在媒介传播和保存上面临的固有困境与挑战。 --- 第二部分：技术异化与数字灵魂的重构（约450字） 技术始终是塑造艺术边界的关键驱动力。本部分聚焦于数字革命如何彻底重塑了艺术的生产、分发和消费模式，并探讨了人工智能与虚拟现实对人类创造力的影响。 算法与作者性： 深入剖析了生成式AI在艺术创作中的角色。我们不讨论AI能否“创造”艺术，而是考察当创作主体不再是人类心智时，原有的“作者身份”和“原创性”概念如何崩塌。分析了基于大数据和算法训练的视觉产出，如何挑战了我们对“灵感”与“技艺”的传统定义，并提出了知识产权在数字原生作品中的法律与哲学困境。 沉浸与在场感的重塑： 考察了虚拟现实（VR）、增强现实（AR）和元宇宙（Metaverse）对艺术体验的革命性影响。与传统艺术强调观众与作品之间的物理距离和凝视不同，数字沉浸式艺术要求观众“进入”作品。探讨了这种高强度的感官卷入是否等同于更深刻的审美体验，以及数字艺术的“永恒性”——其无限的可复制性和易逝的平台依赖性——之间的矛盾张力。 赛博格美学与身体延伸： 关注生物艺术（BioArt）和技术增强身体（Cyborg Aesthetics）领域。探讨艺术家如何利用基因工程、植入技术和生物材料作为媒介，直接干预生命本身，从而将“生命”纳入艺术的创作范围。这不仅是关于工具的使用，更是关于对人类存在界限的哲学性探索。 --- 第三部分：社会剧场与无声的抵抗（约350字） 艺术的边界从来不是纯粹审美的，它深深植根于权力结构与社会动员之中。本部分着眼于艺术如何作为一种社会实践和政治工具发挥作用。 抗议的图像学与符号政治： 关注激进艺术和宣传艺术在特定历史时刻（如社会运动、冲突地区）的表现形式。探讨了特定的符号、色彩和集体行为如何被编码为政治讯息，并瞬间跨越语言障碍进行传播。分析了艺术作品在公共空间中被审查、篡改或挪用的现象，以此揭示其内在的颠覆性潜能。 日常生活的诗学与微观政治： 跳出宏大的政治叙事，关注日常生活中那些“非艺术化”的行为如何被提升为具有美学价值的表达。例如，城市游击主义（Guerrilla Art）和不请自来的公共干预（Unsanctioned Public Interventions）如何通过破坏既定的空间秩序，迫使路人重新审视他们习以为常的环境。 --- 第四部分：超越定义：未完成的艺术与未来的对话（约300字） 本部分的收束在于对“定义”本身的解构。作者认为，艺术的生命力恰恰在于其拒绝被最终定义。 开放性与阐释的动态： 强调了阐释者的角色在艺术边界划定中的决定性作用。艺术品一旦面世，其意义的“边界”就变得流动起来，由每一代的观看者和批评家共同维护和拓展。探讨了那些故意制造模糊性、挑战观众预期的作品，如何成为推动艺术向前发展的动力。 从艺术到经验的回归： 最终，本书回归到艺术的原始功能——提供一种独特的经验。这种经验可能是痛苦的、令人困惑的，甚至是反审美的，但它必须是具有强力穿透性的。总结了艺术的边界并非一个固定的栅栏，而是一系列不断被试探、被推移的张力线，它存在的意义，在于不断促使我们思考：我们究竟在观看什么，又在期待什么。 《艺术的边界》 是一本写给所有对艺术的“为什么”比“是什么”更感兴趣的读者的书。它提供的是问题，而非答案，邀请读者加入这场永无止境的文化对话。

评分☆☆☆☆☆

当我读到关于材料与工艺的章节时，我简直惊呆了。很多艺术史著作往往将重点放在“主题”或“风格”上，而将“材料”视为次要的背景信息，这本书却反其道而行之。它花了大量篇幅来探讨不同颜料、媒介和支撑物如何限制和塑造了艺术家的表达。比如，通过分析中世纪蛋彩画的易碎性和光泽感，来解释为何当时的圣像画必须保持一种高度程式化的、扁平化的处理方式；再比如，对二十世纪早期工业合成颜料的出现，如何解放了野兽派画家对色彩的狂热使用。这种对物质层面的深挖，彻底改变了我看待艺术作品的方式——它们不再是漂浮在空中的纯粹概念，而是实实在在、与物理世界紧密联系的产物。这种务实的、甚至有点“匠人精神”的解读角度，非常新鲜，让人欲罢不能。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文节奏掌握得非常巧妙，它懂得何时需要放慢速度，进行深度聚焦，何时又需要快速跳跃，展现宏观图景。我个人尤其喜欢它在处理那些争议性极大的艺术家或作品时的态度——不偏不倚，而是将各方的论点清晰地并列出来，让读者自己去权衡。比如，对于某位被后世评价极高的现代主义先驱，书中并未回避其作品中存在的文化挪用争议，而是将其置于其所处的历史语境中进行审视，并没有简单地进行道德审判。这种开放性和包容性，让阅读过程充满了智力上的愉悦。它不是在给我灌输“标准答案”，而是在邀请我加入一场持续了数百年的、关于美与意义的深刻讨论。读完合上书页时，我感到自己对视觉世界的敏感度，确实被提升到了一个新的层次。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最害怕的就是那种空泛的赞美之词，诸如“杰作”、“不朽”之类的形容词堆砌起来毫无意义。一本真正好的艺术评论，应该提供的是一套可供读者自己建构理解世界的工具，而不是直接给出标准答案。这本书在这方面做得极其到位。它在阐述某个具体流派的形成背景时，总是会细致地剖析当时的社会经济结构、哲学思潮乃至科学发现如何间接或直接地影响了艺术家的创作取向。例如，它对摄影术的出现如何彻底颠覆了传统绘画中“再现”任务的论述，就极其精准和深刻。它不是简单地说“因为有了相机，所以画家才开始抽象化”，而是深入探讨了那种认知危机——当“真实”的定义被技术挑战后，艺术家们被迫转向内部世界和纯粹形式的探索。这种层层剥开的分析，让我对那些看似突然爆发的艺术革命，有了更扎实的理解基础。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的书拿在手里，感觉沉甸甸的，光是封面上的那几幅古典油画复制品就足够让人驻足良久。我原本以为这是一本标准的学院派教科书，里面充斥着晦涩难懂的专业术语和密密麻麻的年代考据，毕竟“史”这个字摆在那里，总让人联想到枯燥的知识灌输。然而，翻开内页才发现，作者的笔触异常灵动，他似乎更像一个经验丰富的导游，而不是冷峻的学者。他没有急于罗列从史前洞穴壁画到文艺复兴的线性时间轴，反而采取了一种主题式的探讨。比如，其中有一章专门剖析了“光影”在不同文化和时代中的象征意义，从早期的宗教绘画中那种刻意营造的神圣光芒，到印象派对自然光瞬息万变的捕捉，再到现代主义对人造光源的解构，那种深入浅出的分析，让我这个对艺术史了解不深的人，也仿佛推开了一扇扇通往大师心灵世界的窗户。那种阅读体验，更像是与一位饱读诗书、谈吐风趣的老朋友在咖啡馆里高谈阔论，而不是对着冰冷的文字做功课。

评分☆☆☆☆☆

我向来对那些试图用一套固定的框架去套牢整个艺术发展历程的理论感到不耐烦。艺术的魅力就在于它的不可预测性和叛逆精神，任何企图将其驯服于单一逻辑的尝试，最终都会显得苍白无力。我更欣赏那些能够捕捉到艺术作品背后复杂张力和文化断裂点的解读。这本书最让我眼前一亮的地方，在于它对“边界的消融”这一主题的探讨。作者并没有局限于欧洲中心主义的视角，而是相当大胆地将东方美学中的“留白”概念，与西方现代主义中对负空间的运用进行了跨文化的对话。这种跨越地域和时空的比较，使得原本看似孤立的艺术现象获得了更宏大、更具普遍性的解释。读到关于版画艺术如何从边缘技术走向主流表达的部分时，我甚至产生了一种错觉，好像自己正站在历史的十字路口，清晰地看到那些被主流叙事遗漏的、却同样具有生命力的艺术脉络是如何悄然汇合的。