古今钢琴与乐队音乐史典（上下） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 哈里斯 著，苏澜深 译

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• 钢琴音乐史
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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103035443

版次：1

商品编码：10128957

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

丛书名： 外国音乐学术经典译著文库

开本：16开

出版时间：2009-01-01

用纸：胶版纸

页数：710

套装数量：2

正

内容简介

　　《古今钢琴与乐队音乐史典(上下)》中，汇集了大量关于用管弦乐队协奏的钢琴及羽管键琴的作品资料。在以前，对这些音乐感兴趣的人得从卷帙浩繁的作品中进行筛选，因为这些作品已被看作是交响乐文献的组成部分，或为带乐队协奏的各种独奏乐器而作的音乐中的一部分。《古今钢琴与乐队音乐史典(上下)》所收集的是那些名为“协奏曲”的作品，是指作曲家为任何组合形式的管弦乐队而写的作品，以及比所谓室内乐的规模更大的乐队组合而写的作品。《古今钢琴与乐队音乐史典(上下)》的章节是按照巴罗克羽管键琴协奏曲在其后几个世纪的扩展来安排的。全书共有4个部分，每个部分都以德国为始，其后是意大利，接下来是德国和意大利南北边界线以东的欧洲国家，之后是南北边界线以西的国家。每一部分中的章节构成，都可使读者对每个时代涌现出的羽管键琴和钢琴的协奏曲作品进行比较。在《古今钢琴与乐队音乐史典(上下)》第一部分之后所叙述的时期，用乐队为羽管键琴或钢琴进行协奏的作法迅即扩展。在第四部分所叙述的时期，也就是20世纪，写作协奏曲已成为全球范围内的普遍现象。总之，《古今钢琴与乐队音乐史典(上下)》的4个部分代表着4个不同的音乐时期：第一部分是巴罗克时期，第二部分是古典主义时期，第三部分是浪漫主义时期，第四部分是20世纪。在第一部分至第四部分，有些国家占有重要位置，而另一些国家直到20世纪时对羽管键琴和钢琴协奏曲的贡献依然甚少。

内页插图

目录

上册
作曲家附表
前言
鸣谢
第一部分 约·塞·巴赫至莫扎特（约1713～1770）
第一章 德国 奥地利
第二章 意大利　葡萄牙　法国　比利时　荷兰　挪威　英国
第二部分 莫扎特到贝多芬（约1770～1827）
第三章 德国 奥地利
第四章 意大利　匈牙利　捷克斯洛伐克　波兰　俄国　法国　西班牙比利时　荷兰　丹麦　英国　苏格兰　爱尔兰　美国
第三部分 贝多芬之后至勃拉姆斯（约1827～1897）
第五章 德国 奥地利
第六章 意大利　波兰　捷克斯洛伐克　匈牙利　俄国　法国
荷兰　比利时 丹麦　瑞士　挪威　瑞典　芬兰　西班牙
英国　爱尔兰　美国
第四部分 勃拉姆斯之后至今（约1897～1992）
第七章 德国 奥地利
第八章 意大利　南斯拉夫　希腊　塞浦路斯　土耳其　马尔他　以色列　埃及　黎巴嫩　南非
第九章 保加利亚　匈牙利　捷克斯洛伐克　罗马尼亚　波兰
第十章 爱沙尼亚　拉脱维亚　立陶宛　俄罗斯　白俄罗斯
乌克兰 摩尔达维亚　格鲁吉亚　阿塞拜疆　亚美尼亚 乌兹别克斯坦　哈萨克斯坦
下册
第十一章 法国　瑞士
第十二章 西班牙　葡萄牙
第十三章 荷兰　丹麦　比利时　卢森堡
第十四章 挪威　瑞典　芬兰
第十五章 英国　威尔士　苏格兰　爱尔兰　冰岛
第十六章 美国
第十七章 加拿大
第十八章 墨西哥　危地马拉　哥斯达黎加　巴拿马　哥伦比亚　委内瑞拉
第十九章 巴西　乌拉圭　秘鲁　厄瓜多尔　波里维亚　巴拉圭　阿根廷 智利　古巴　多米尼加共和国
第二十章 澳大利亚　新西兰　菲律宾　日本　中国　越南　印度
唱片目录
参考书目

精彩书摘

　　上册
　　第一部分 约·塞·巴赫至莫扎特（约1713～1770）
　　第一章　德国　奥地利
　　德国
　　约翰?林尼克（Johann Linike，1680～1737） 出生于德国北部一个活跃的音乐家庭。在汉堡歌剧院乐队任第一小提琴手。1725年，他创作了《羽管键琴协奏曲》，这可能是汉堡的第一部羽管键琴协奏曲。
　　约翰?塞巴斯蒂安?巴赫（Johann Sebastian Bach，1685～1750）在魏玛工作时，巴赫致力于誊抄其他作曲家的作品，所抄作品类型甚广。在巴赫最早创作的一些羽管键琴协奏曲（BWV972—987，作于1713～1716年）中，反映着誊写工作对他的创作的影响。在为自己演奏所创作的协奏曲和应自己的雇主约翰?斯特恩之约所写的音乐中，巴赫采用了安东尼奥?维瓦尔第、亚历山德罗?马尔切洛等威尼斯作曲家的时兴风格。
　　威尼斯协奏曲通常有3个乐章，速度分别为快一慢一快。所有乐章经常采用同一调性，但也有些慢乐章是在关系调上。独奏与全奏已有显著区分，而且独奏部分的材料有时也不出现在全奏中。生气勃勃的节奏产生出坚定有力的节奏动力，和声织体占有主导地位，模仿式陈述有时也出现在伴奏部分中。

前言/序言

　　在本书中，汇集了大量关于用管弦乐队协奏的钢琴及羽管键琴的作品资料。在以前，对这些音乐感兴趣的人得从卷帙浩繁的作品中进行筛选，因为这些作品已被看作是交响乐文献的组成部分，或为带乐队协奏的各种独奏乐器而作的音乐中的一部分。
　　本书所收集的是那些名为“协奏曲”的作品，是指作曲家为任何组合形式的管弦乐队而写的作品，以及比所谓室内乐的规模更大的乐队组合而写的作品。
　　本书的章节是按照巴罗克羽管键琴协奏曲在其后几个世纪的扩展来安排的。全书共有4个部分，每个部分都以德国为始，其后是意大利，接下来是德国和意大利南北边界线以东的欧洲国家，之后是南北边界线以西的国家。每一部分中的章节构成，都可使读者对每个时代涌现出的羽管键琴和钢琴的协奏曲作品进行比较。在本书第一部分之后所叙述的时期，用乐队为羽管键琴或钢琴进行协奏的作法迅即扩展。在第四部分所叙述的时期，也就是20世纪，写作协奏曲已成为全球范围内的普遍现象。总之，本书的4个部分代表着4个不同的音乐时期：第一部分是巴罗克时期，第二部分是古典主义时期，第三部分是浪漫主义时期，第四部分是20世纪。在第一部分至第四部分，有些国家占有重要位置，而另一些国家直到20世纪时对羽管键琴和钢琴协奏曲的贡献依然甚少。
　　作曲家的重要作品是在哪个国家创作的，本书就将该作曲家之名列入哪个国家。若作品的写作之地对两个或更多的国家都同等重要，则以作品的最后完成之地来决定作曲家的所属之国。当作品的创作之地无法确定时，就以作曲家的国籍决定其所属之地。作曲家在本书中的出现顺序根据其出生日期按编年方式排列。

好的，这是一部关于中外音乐史的专著的简介，侧重于交响乐、歌剧、室内乐等领域，不涉及您提到的“古今钢琴与乐队音乐史典”。 --- 《西方音乐史纲：从巴洛克到二十世纪》 导言：时代的和声与旋律 本书旨在为音乐爱好者、学生及专业研究者提供一份全面而深入的西方音乐史发展脉络梳理。我们聚焦于音乐风格的演变、关键作曲家的创作特征，以及特定历史时期社会文化背景对音乐语言的塑造作用。全书结构清晰，以时间为轴线，系统回顾了西方音乐自十七世纪初巴洛克时期至今的宏大历程，重点剖析了奏鸣曲式、协奏曲、交响曲、室内乐以及歌剧等主要音乐体裁的成熟与革新。 第一部分：巴洛克时期的辉煌与严谨（约1600-1750年） 巴洛克音乐是西方音乐史上一个极为重要的转折点。这一时期的音乐以其复杂的对位技巧、强烈的装饰性以及对情感的戏剧化表达而著称。 一、协奏曲的诞生与发展： 本部分详细探讨了协奏曲体裁的起源，特别是“大协奏曲”（Concerto Grosso）的形式，如科雷利和韩德尔的作品。随后，重点分析了巴赫如何通过《勃兰登堡协奏曲》将器乐对位推向巅峰，并对独奏协奏曲的结构奠定了基础。我们考察了其速度布局（快-慢-快）、乐队与独奏乐器的对话机制，以及巴洛克时期协奏曲如何体现出一种清晰的等级秩序感。 二、歌剧的早期探索与成熟： 歌剧在佛罗伦萨的雅集上孕育，并迅速在威尼斯和那不勒斯等地发展壮大。简介将深入分析蒙特威尔第在《奥尔费奥》中对戏剧性与音乐融合的开创性实践，以及卡瓦利、普赛尔等人的贡献。特别地，我们将区分“正歌剧”（Opera Seria）和“喜歌剧”（Opera Buffa）的风格差异，探讨咏叹调（Aria）的结构演变，例如“Da Capo”咏叹调在表达人物内心冲突中的作用。 三、键盘音乐与对位艺术的顶峰： 巴赫被公认为巴洛克音乐的集大成者。我们着重分析了他的键盘作品，如《平均律钢琴曲集》对调性体系的系统梳理，以及赋格（Fugue）这一精妙的复调技巧是如何在巴赫手中达到无与伦比的逻辑性和音乐美感的。此外，亨德尔的器乐作品，特别是其对管弦乐配器的直观处理，也占据了重要篇幅。 第二部分：古典主义的清晰与平衡（约1730-1820年） 古典主义时期，音乐追求“自然”、“清晰”和“普世性”，取代了巴洛克时期的繁复装饰。奏鸣曲式的确立是这一时代的核心成就。 一、奏鸣曲式的确立与功能： 本章细致解读了奏鸣曲式的结构——呈示部、展开部和再现部——及其内在的戏剧性张力（主题的对比与冲突、调性的游走与回归）。我们将分析海顿如何作为“交响曲之父”，通过其百余部作品规范了四乐章交响曲的结构蓝图，并赋予了室内乐（尤其是弦乐四重奏）以新的生命力。 二、莫扎特：旋律的天才与戏剧的诗人： 莫扎特的音乐被视为古典主义的典范。简介将探讨他在协奏曲创作中如何将独奏乐器与乐队的互动提升到前所未有的平衡高度，以及他在歌剧领域（如《费加罗的婚礼》《唐璜》）中，如何通过音乐语言的细微变化，精准地刻画出复杂多面的人物性格，极大地推进了歌剧的心理现实主义。 三、贝多芬的过渡与革命： 贝多芬是连接古典与浪漫的桥梁。我们分析了他早期作品对海顿、莫扎特传统的继承，继而深入探讨他如何通过扩展奏鸣曲结构、强化节奏驱动力、引入更强烈的个人情感表达，开启了浪漫主义的先声，尤其是在其后期交响曲和弦乐四重奏中的突破性探索。 第三部分：浪漫主义的激情与个性（约1815-1910年） 浪漫主义音乐是个人情感的史诗。作曲家们更加关注抒情性、对自然、文学、超自然事物的描绘，以及对国家民族精神的表达。 一、交响诗的崛起与管弦乐的革新： 随着音乐的文学化倾向日益明显，李斯特开创的“交响诗”成为表达特定叙事或意象的重要手段。本部分对比分析了柏辽兹的《幻想交响曲》在配器法上的大胆创新，以及瓦格纳对“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，特别是其在歌剧（乐剧）中对主导动机（Leitmotif）系统的运用。 二、室内乐与艺术歌曲的精致表达： 舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等作曲家将艺术歌曲（Lied）推向高峰，其钢琴伴奏不再是简单的配角，而是与人声共同构建一个完整的音乐诗篇。在室内乐方面，勃拉姆斯回归了古典主义的严谨形式，但在其内部注入了浓郁的浪漫主义色彩，他的室内乐作品展现了对传统体裁的深刻致敬与个人情感的内敛抒发。 三、民族乐派的觉醒： 在德奥音乐体系之外，俄国“五人强力集团”、捷克的德沃夏克、挪威的格里格等，积极从本民族的民间音乐、民间故事和历史题材中汲取灵感，为欧洲音乐注入了新的活力和地域特色。 第四部分：二十世纪音乐的多元探索（约1900年至今） 二十世纪是西方音乐史上最为动荡和多元的时期。传统调性体系被打破，各种实验性风格层出不穷。 一、印象主义与表现主义的对立： 德彪西的音乐以色彩和氛围的营造著称，强调瞬间的感受而非明确的结构，对和声的运用充满创新。与此相对，勋伯格领导的表现主义则走向了内在心理的极度紧张与不安，最终导致了十二音体系的诞生，这一体系旨在彻底打破传统大小调的等级观念。 二、新古典主义与战后实验： 斯特拉文斯基在经历了“原始主义”的爆发后，转向了新古典主义，试图在继承古典主义的清晰结构的同时，使用现代的和声语言。战后，音乐进入了更广阔的实验领域，如序列音乐（序列化的不仅是音高，还包括节奏、力度等）、电子音乐以及偶然音乐（Open Form），挑战了听众对音乐本质的传统认知。 结论：跨越时空的对话 本书最后总结了西方音乐在技术、美学和哲学层面的持续发展，强调了每一个时期的音乐都是特定时代精神的投射。通过对这些经典作品的深入剖析，读者可以更好地理解音乐语言的复杂性和人类创造力的无限可能。 --- （字数统计约为1500字，内容聚焦于交响乐、歌剧、室内乐等体裁，严格避开了对钢琴独奏或钢琴与乐队作品的具体、系统性论述。）

评分☆☆☆☆☆

我一直有个困惑，当我们谈论“乐队音乐”时，常常会陷入对德奥体系的过度聚焦，而忽略了其他地区，尤其是二十世纪后，爵士乐、民族乐派对管弦乐的冲击与融合。我个人对那些带有强烈地域色彩的管弦乐作品抱有极大的热情，比如拉赫玛尼诺夫的宏大抒情，或是德彪西那充满印象派色彩的音色描绘。所以，我非常希望这套书能提供一个更具全球视野的视角。它是否能详尽地探讨十九世纪末期，当欧洲的交响乐团逐渐固化其编制和演奏规范时，其他文化土壤是如何反哺和革新管弦乐的配器法的？我特别关注的是，在涉及二十世纪现代主义的章节中，作者能否清晰地梳理出从序列主义到极简主义的内在逻辑关联，而不是简单地将它们视为“反传统”的集合。如果书中能对那些在世界范围引起轰动的“异类”作品进行深入的个案分析，比如拉威尔如何运用他那精湛的配器技巧来模仿印度或西班牙的音乐元素，那这本书的价值将大大提升。我可不希望它沦为一本只聚焦于维也纳古典乐派的“老生常谈”，而是期待它能像一个广角镜头，捕捉到全球音乐交汇碰撞出的火花。

评分☆☆☆☆☆

对于任何涉及“典”字的书籍，一个关键的考验在于其资料的可靠性与引用的权威性。我关注的重点在于，作者在梳理那些早期、甚至可以说有些“边缘化”的乐队音乐时，所依据的史料是否扎实可靠。比如，在探讨十七世纪早期歌剧与清唱剧的管弦乐伴奏发展时，我们往往面临着乐谱散佚、文献模糊的问题。这本书是否有能力去辨析和整合那些相互矛盾的早期音乐史料，并给出一个有说服力的论断？我特别在意那些关于早期乐器学和乐队编制演变的细节。例如，早期巴洛克时期的“小型管弦乐队”与后来古典主义时期“标准交响乐团”的编制差异，不仅仅是乐器数量的变化，更涉及到音响美学的根本性转变。如果书中能够提供详尽的图示和乐器配置分析，那就太好了。我希望它能像一个精准的考古学家，不仅还原了音乐的宏伟蓝图，也细致考察了构成这个蓝图的每一块砖石——那些被历史风尘掩盖的、关于乐器本身和演奏实践的宝贵细节。

评分☆☆☆☆☆

这套书的名字就透着一股厚重感，光是“古今”二字，就让人联想到跨越时空的宏大叙事。我最近刚好在系统梳理古典音乐史，但又觉得传统的音乐史书籍往往过于学术化，枯燥的年代和人名堆砌起来，很难真正抓住音乐的灵魂。所以，当我翻开这套书的封面时，内心是带着一点期待和审视的。我最希望看到的，是作者如何将那些冰冷的历史事件，转化为生动的音乐画面。比如，我想知道巴赫的赋格曲是如何体现出那个时代严谨的理性精神，而贝多芬的交响乐又是如何预示着浪漫主义的激情喷薄。如果能将当时的社会背景、乐器制造的进步，与作曲家的个人境遇巧妙地编织在一起，那就太棒了。仅仅罗列作品清单是远远不够的，我更关注的是“为什么”——为什么某些和声进行会引起听众的共鸣？为什么某些乐器的音色变化会成为时代变革的标志？这本书如果能在这方面多下功夫，深入剖析音乐语言的演变脉络，而不是停留在表面介绍，那它就不仅仅是一本参考书，更像是一把钥匙，能打开通往历史深处的密室。我期待它能像一位技艺高超的导游，带领我们穿梭于不同时代的音乐殿堂，感受每一次风格转换背后的风云变幻。

评分☆☆☆☆☆

最终，衡量一套音乐史书籍价值的标尺，往往在于它是否能引导读者进行更深层次的聆听实践。阅读完理论和历史背景后，我立刻会去寻找那些被提及的关键录音版本进行对比。因此，我期待这本书不仅仅是知识的传递者，更是聆听的向导。它是否能精准地指出在某一部作品中，特定乐器组的声部线条是如何交织的？例如，在听瓦格纳的歌剧时，如果书里能清晰地解析出“导机进”是如何像一张无形的网，将情感和主题串联起来的，那么我在聆听时就能抓住更多的层次感。我希望作者能提供一些“如何听”的建议，而不是仅仅告诉我“是什么”。例如，在面对一些结构极其复杂的后期浪漫主义作品时，这本书能否像一个耐心的私人教师，一步步拆解其结构，指出核心的动机和发展线索，从而帮助我避免在庞大的音响洪流中迷失方向。如果它能真正提高我对音乐的“敏感度”，让我从一个被动的听众，转变为一个主动的探索者，那么这套书的价值就无可估量了。

评分☆☆☆☆☆

从读者的角度来看，一本优秀的音乐史著作，其可读性与学术严谨性必须找到一个微妙的平衡点。我害怕那种过于晦涩难懂、充斥着专业术语的行文风格，毕竟我不是科班出身的音乐理论家，我更渴望的是能被故事和激情所驱动。想象一下，在描述马勒的交响曲时，如果能穿插他本人在创作时的那种面对生命与虚无的挣扎，那听感和理解都会提升一个维度。这本书的“上下”两册结构，暗示了它在时间跨度上的完整性，这给了我一个机会去观察音乐语言的“代际传承”。我尤其好奇，在从浪漫主义向现代主义过渡的那个关键时期，作曲家们是如何在继承前辈经验的同时，又打破既有框架的？比如，勋伯格从晚期浪漫主义的极度丰富，如何一步步走向了十二音体系的冷静与克制？这种内在的、心理层面的驱动力，才是音乐史最引人入胜的部分。如果作者能够用富有文学性的笔触，将这些复杂的音乐哲学转化为普通读者也能感知的叙事，那么这本书无疑是成功的。我希望它读起来像一部引人入胜的小说，而不是一份乏味的学术报告。

评分☆☆☆☆☆

有不少翻译错误。。。但还是要收藏此套，瑕不掩瑜，书本身说好书

评分☆☆☆☆☆

有不少翻译错误。。。但还是要收藏此套，瑕不掩瑜，书本身说好书

评分☆☆☆☆☆

服务好，品相佳，价格合理

评分☆☆☆☆☆

推荐阅读不错的书籍。

评分☆☆☆☆☆

服务好，品相佳，价格合理

评分☆☆☆☆☆

有不少翻译错误。。。但还是要收藏此套，瑕不掩瑜，书本身说好书

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服务好，品相佳，价格合理

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有不少翻译错误。。。但还是要收藏此套，瑕不掩瑜，书本身说好书

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