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店铺： 慧海图书专营店

出版社： 黑龙家美术出版社

ISBN：7531816614012

商品编码：10140670547

商品基本信息

书 名

书画家必备 五体书法字典

作 者

王冬梅

出版社

黑龙家美术出版社

出版时间

2006-9

版 次

1

印刷时间

2006-9

印 次

1

页 数

1032

字 数

I S B N

7531816614012

开 本

32开

包 装

平装

重 量

1290克

原 价

59.80元

折后价

32元

《中国古代绘画史：从史前到清末的演变与流派》 一部全面梳理中国绘画脉络的权威巨著 本书旨在为读者提供一个宏大而细致的视角，系统梳理自中国史前岩画肇始，直至清代末期画坛变革为止，中国绘画艺术所经历的漫长发展历程、核心美学思想的嬗变、重要流派的形成及其代表人物的艺术成就。我们致力于超越单纯的风格罗列，深入剖析绘画艺术与同期社会、哲学、政治、文人阶层变迁之间的复杂互动关系。 第一编：蒙昧与初开——史前至魏晋南北朝的孕育期 本篇聚焦于中国绘画的“童年”与“青春期”。 第一章：远古的呼唤——史前与夏商周的图画符号 详细考察仰韶、马家窑等新石器时代遗址出土的彩陶图案，分析其与早期宗教信仰、图腾崇拜的联系。继而探讨商周青铜器铭文与画像石上所见的“饕餮纹”、“雷纹”等装饰母题，如何从抽象符号向具象描绘过渡。重点阐述周代“礼乐制度”对早期艺术的规范性影响。 第二章：线条的觉醒——秦汉的画像砖与帛画 深入研究汉代画像砖、画像石中世俗生活、神仙方术题材的叙事性表达。特别设立专章分析马王堆三号汉墓出土的T形帛画，剖析其象征意义、色彩运用及对后世“界画”的启发。探讨此时期对“气韵生动”雏形概念的初步探索。 第三章：转折与独立——魏晋南北朝的文人画萌芽 本章是全书的理论基石之一。详细论述玄学思潮、佛教艺术东渐对绘画内容和形式的冲击。重点分析顾恺之的“传神写照”理论，探究其在人物画中的实践。南北朝时期，北方石窟造像的“秀骨清像”与南方士人阶层的“萧散超逸”如何共同构筑了绘画从纯粹的“匠艺”向“人学”转化的关键节点。尤其关注谢赫“六法”的提出及其深远影响。 第二编：鼎盛与规范——隋唐五代的辉煌 本编着眼于国家强盛背景下，绘画艺术在题材、技法、体制上全面成熟与确立的时期。 第四章：盛世气象——隋唐绘画的博大与雄浑 考察隋代对南北风格的融合。重点剖析唐代宫廷画院的建立与规范化，对“大青绿山水”的描绘，如李思训父子的工整富丽。细致分析吴道子“吴带当风”的线条变化及其对后世“写意”的潜在影响。讨论佛教壁画（如敦煌莫高窟）在唐代的巅峰状态及其对人物造型的贡献。 第五章：风格的多元化——盛唐至五代的分野 探讨安史之乱后，画坛由宫廷中心转向地方藩镇和文人阶层。重点分析周昉的“丰肥”仕女与韩滉的“写实”风貌。最后集中讨论五代十国时期，荆浩、关仝、董源等如何突破唐代山水画的界限，确立了“北方雄伟”与“江南温润”两大山水画源头，为宋代“全景式山水”奠定基础。 第三编：哲思与写实——宋元的审美革命 本编探讨宋代“格物致知”的哲学思潮如何将绘画推向极致的写实高度，以及元代士人如何以笔墨反抗学院派的僵化。 第六章：格物穷理——北宋的写实巅峰 详述宋徽宗时期对画院的整饬与规范，及其对花鸟画、界画的推动。深入分析范宽的“近景不写，远景必画”的空间处理方式，李唐、刘松年的“院体”山水如何体现中轴对称的秩序感。重点分析苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫不殊”，开启了文人画对“意”的极致追求。 第七章：意境的深化——南宋的诗意空间 阐述南渡背景下，画家的情感投射。重点研习马远“一角半边”的构图技巧，以及夏圭的“边角处理”，分析其如何表达南宋知识分子的孤寂与对逝去盛世的追忆。详细阐述了禅宗思想对“留白”与“空寂”美学的强化作用。 第八章：士人的复兴——元代的笔墨精神 本章是全书的转折点。分析元代“四王”之前的文人画先驱——赵孟頫的“复古论”及其对线条的重新强调。深入解读“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术世界，解析他们如何通过枯笔、淡墨、散点透视，将山水画彻底转化为抒发个人情志的“墨戏”，完成了中国绘画史上从“形似”到“神似”的最终胜利。 第四编：程式与融合——明清的流变与冲突 本编关注明清时期，绘画艺术在继承元代文人精神的同时，如何面对学院传统的复兴以及中西艺术接触带来的挑战。 第九章：院体与民间——明代的画风光谱 分析明代“浙派”的余绪与“吴门画派”的兴起。重点梳理沈周、文徵明、唐寅、仇英四家在技法和题材上的差异与贡献。探讨晚明时期，以董其昌为核心的“松江派”如何通过“南北宗论”对前代进行理论梳理与整合，试图建立一套新的文人画评判体系。 第十章：正统与反叛——清代的学院与创新 考察清初“四王”对元明文人画程式的集大成与程式化倾向，分析其对笔墨技法的规范作用。同时，着重分析“四僧”（八大山人、石涛）的激烈个人主义表达，他们如何以扭曲的造型和强烈的笔墨张力，对抗日益僵化的正统画风，成为中国绘画史上“反程式化”倾向的代表。 结语：走向现代的遗产 总结中国绘画在清末面临的困境与变革，为理解近现代中国画的转型提供历史坐标。全书辅以大量高清图版分析，并附有详尽的术语对照表与重要画论摘录，力求成为艺术史研究者与爱好者案头常备的参考书。 --- 本书特色： 1. 理论先行： 不仅描述“谁画了什么”，更深入探讨“为什么这样画”的时代背景与哲学基础。 2. 跨界视野： 将绘画置于整个中国艺术史（雕塑、书法、园林）的框架内进行考察。 3. 图文并茂的深度解读： 每幅关键作品均附有细致的笔墨技法和构图原理分析。 4. 清晰的脉络： 明确区分了“院体”与“文人画”两大主线的冲突与融合，使复杂的发展史条理分明。

评分☆☆☆☆☆

这本所谓的“五体书法字典”简直是书法爱好者的一场视觉盛宴，但内容上的深度却让人有些摸不着头脑。我原本期待着能在这本厚重的字典中找到系统性的、深入浅出的讲解，比如每种书体从何演变而来，其核心笔法特征究竟在哪里，以及如何从初学者逐步过渡到能够辨识和模仿名家风格的进阶之路。然而，翻阅之后，更多的是大量的范例堆砌，虽然字帖的精美程度毋庸置疑，那些墨迹的干湿浓淡、飞白断笔，确实能让人感受到传统书法的气韵。但对于我这种渴望“知其所以然”的读者来说，它更像是一个精美的样本集，而非一本实用的学习手册。比如，当我想深入研究篆书的“圆转”与隶书的“蚕头燕尾”之间微妙的过渡时，书中并未提供足够多的对比分析和技巧剖析。它展示了“是什么”，却很少阐释“怎么做”和“为什么是这样”。对于希望通过系统学习来提升技艺的严肃学习者而言，这本书的理论支撑略显单薄，更多依赖于读者自身已有的基础和领悟力去挖掘那些隐藏在墨迹背后的规律，这无疑增加了自学的难度。希望未来的版本能在理论深度上有所突破，真正成为一本集大成且易于理解的工具书。

评分☆☆☆☆☆

我尝试将这本《五体书法字典》作为我日常练习的案头工具书，希望能从中获取灵感和规范。它的优点在于其内容的丰富性，确实提供了海量的选择，这对于需要持续寻找新意和突破瓶颈的书法人来说，是一种资源储备。但是，作为“字典”，它在索引和检索方面的设计略显粗糙。如果我想快速找到某一特定风格的行书范例，比如宋代米芾那种“刷字”风格的“寿”字，我需要非常耐心地一页页翻阅，因为缺乏清晰的分类导航，或者说，不同书体内部的流派划分不够细致。好的字典应该具备即时检索的能力，能够快速定位到所需要的知识点或范例。这本书更像是一本被精心装订的“百科全书”，内容渊博，但结构体系尚待优化。我更希望它能有一个清晰的、按朝代、按流派、按笔法特点进行详尽分类的目录系统，这样读者在查阅时能够事半功倍，真正体现出“字典”的工具属性，而不是仅仅停留在“名家作品集”的层面，这样才能更好地服务于每一位希望精研此道的学习者。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本汇集了“五体毛笔书法字典”与“名家真迹”的合集，主要是冲着其广度和权威性去的。作为一名业余爱好近十年的练习者，我深知接触不同风格和不同时代大师作品的重要性。这本书的装帧和印刷质量确实达到了收藏级别，那油光水滑的纸张将历代大家如王羲之的飘逸、颜真卿的雄浑、怀素的狂放，甚至一些相对小众书家的风格都得以忠实再现，这一点非常值得称赞。然而，在实际应用中，我发现其“字典”的定位似乎有些模糊。它既不像专门的字帖那样，将常用字或经典碑帖进行清晰的、可临摹的拆解和结构分析；也不像研究性的论著那样，对每种书体在不同历史时期的流变进行考据。它更像是一个高规格的“书法艺术画廊目录”，虽然展品琳琅满目，但缺乏导览员的讲解。我特别想看到的是，在某一特定的字，比如“中”或“之”，在楷、行、草、篆、隶五体中，其结构是如何被不同大师处理的细节对比，以及这种处理背后的审美取向差异。这本书虽然提供了大量的“真迹”样本，但这种并列式的呈现，使得读者的学习路径显得有些松散，需要耗费大量时间自行归纳整理，这对于追求效率的现代读者来说，是一个不小的挑战。

评分☆☆☆☆☆

对于一个视“书画同源，以书入画”为人生信条的读者而言，这本书的名称中的“书画家”与“名家真迹”部分引起了我的浓厚兴趣。我期望能从中找到书法艺术如何反哺绘画创作的实例和理论探讨。例如，某些画家在题跋或落款时，其用笔的力度和意境是如何直接来源于他们主修的书体。然而，这本书的重点似乎更集中于纯粹的、脱离了绘画语境的书法展示。在那些精选的“真迹”中，虽然笔法无懈可击，但缺乏对作品创作背景——是应酬之作、心境抒发还是特定主题的创作——的介绍。如果能有一部分篇幅，专门探讨在不同历史时期，书法家是如何将自身的哲学思想和对自然的感悟融入到笔墨之中，并通过这五种书体的具体表现形式来加以呈现，那这本书的价值将远超一本单纯的字帖范本。它将成为一本连接传统艺术门类的桥梁。目前来看，它更像是一部优秀的、聚焦于书法本体的艺术鉴赏录，对于渴望跨界学习和理解的读者来说，这种深度挖掘是不够的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书的动机是想一步到位，找到一本能够涵盖从入门到精通所需所有范本的“终极宝典”。“五体”的概念本身就极具吸引力，它承诺了学习的全面性。当我翻开那些隶书和篆书的部分时，那种古朴苍劲的气息确实令人心神为之一振，仿佛能触摸到历史的脉搏。但问题在于，这种“包罗万象”往往意味着“精深不足”。对于初学者来说，面对如此多的名家风格的混杂呈现，很容易产生审美疲劳和选择困难症——究竟该先学谁？该模仿谁的结构？书中对于不同书体之间的衔接和过渡，比如从篆书如何自然地向隶书转化，这个关键的“桥梁”时期，缺乏必要的图示说明和历史背景的深入挖掘。如果这本书能用一个章节，详细梳理这五种书体在历史长河中相互影响、相互渗透的过程，并配以图文并茂的解析，那么它的“字典”价值将大大提升。现在的版本更像是一部精美的书法史上的“快照集”，每一张照片都清晰锐利，但缺乏将这些快照串联起来的叙事线索，让人在赞叹之余，总觉得缺失了那么一层构建知识体系的关键结构。