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商品名称：【后浪直营】《不要给我讲故事，我需要的是人物》导演影视书籍

商品编号：12436046398

店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

商品毛重：200.00g

商品参数

著者：彭小莲
出版：北京联合出版公司
书号：978-7-5502-4640-9
开本：889*1194 毫米 1/32
印张：6.25
页数：200
印次：2015年3月第1次印刷
版次：2015年3月第1版
定价：29.80元

编辑推荐

推荐一：《不要给我讲故事，我需要的是人物》讲述的对象罗伯特?奥特曼是好莱坞具个性的导演，代表作品《陆军野战医院》、《纳什维尔》、《高斯福德庄园》，是仅有的两位囊括世界三大电影节金棕榈奖、金狮奖和金熊奖的导演之一，另一位是安东尼奥尼。
推荐二：《不要给我讲故事，我需要的是人物》填补了国内出版界关于罗伯特?奥特曼的空白。
推荐三：《不要给我讲故事，我需要的是人物》的作者是著名女导演，北京电影学院导演系1982届毕业生，曾经凭借《美丽上海》勇夺金鸡奖佳影片和佳导演。
推荐四：作者彭小莲能导能写，代表著作有《回家路上》、《他们的岁月》、《理想主义的困惑》等。 

著者简介

彭小莲，1953年6月出生于上海，祖籍湖南茶陵，电影导演。曾在江西插队9年，1978年考入北京电影学院导演系，毕业后分配到上海电影制片厂从事导演工作。2001年帮助完成了日本纪录片大师小川绅介的一部影片《满山红柿》，该片被评为当年日本十佳纪录片。自编自导了7部故事片，在国内外获得多项嘉奖，代表作品有《女人的故事》《上海纪事》《假装没感觉》《美丽上海》《上海伦巴》《我坚强的小船》等。业余写作，代表作品有《回家路上》《他们的岁月》《理想主义的困惑》《电影，另一种生活的可能》《电影，另一种选择的可能》等。

内容简介

作为一位囊括了世界三大电影节金棕榈奖、金狮奖和金熊奖的导演，罗伯特?奥特曼堪称美国影坛多年来屹立不倒的一面旗帜。本书由著名女导演彭小莲作向导，带我们一窥奥特曼这位电影大师丰富多彩的艺术世界和生命旅程，探讨《陆军野战医院》《纳什维尔》《高斯福德庄园》等经典之作的幕后拍摄故事和艺术特色。
奥特曼活跃于二十世纪六七十年代新好莱坞时期，由于经费原因长期游走于电影和电视两个领域，他广泛地借鉴电视、广播、录音带等其他媒体的视听技巧，形成了独特的个人风格：经典好莱坞的叙事方式以及对美国社会的冷嘲热讽。
书中还原了奥特曼的童年、婚姻、家庭和友情，这些经历与他的创作生涯交叠在一起，为我们呈现出一个个性十足、有血有肉的罗伯特?奥特曼。

影视叙事革新与人物深度挖掘：一部超越传统剧本创作的理论实践指南 图书名称： 《光影塑形：现代影视叙事中的人物建构与驱动力分析》 图书简介： 在瞬息万变的当代影视工业中，叙事已不再是简单的时间线堆砌，而是建立在对人物复杂性深刻洞察之上的结构工程。《光影塑形》并非一本传统意义上的剧本写作手册，它是一部深入剖析现代影视作品中“人物如何成为故事核心驱动力”的理论与实践的深度探究之作。本书旨在为创作者、导演、编剧以及所有对深度影视分析感兴趣的读者，提供一套系统性的工具，用以拆解和重塑那些能够在观众心中留下深刻烙印的银幕形象。 第一部分：叙事范式的转变——从情节中心到人物驱动 本书开篇即挑战了“情节至上”的古典叙事模式。我们认为，在当下观众对信息饱和、品味日益挑剔的环境中，一个引人入胜的情节若缺乏真实可信的人物支撑，终将沦为空洞的视觉奇观。 第一章：后情节时代的叙事危机与机遇 探讨了观众对于过度依赖外部冲突和巧合的反感，转而寻求内在动机的真实性。分析了好莱坞“三幕式结构”在面对复杂人性叙事时的局限性，并引入了诸如“情绪弧线驱动结构”、“碎片化时间叙事”等新兴叙事框架。 第二章：人物的“存在”与“行动”的辩证关系 深入论述了人物的动机、欲望与恐惧如何直接决定了情节的走向，而非相反。通过对大量成功案例的细致比对，我们揭示了“被动型人物”与“主动型人物”在叙事张力构建上的差异，强调了人物的“非线性成长路径”的重要性。 第三部分：深层人格的挖掘：构建复杂的人物地下世界 本书的核心在于教导创作者如何超越人物表面的身份标签（如“英雄”、“反派”），进入其心理深处，挖掘那些常常被自我压抑或隐藏的“阴影面”。 第三章：多重身份与内在冲突的交织 人物不是单一维度的符号，而是多重社会角色、历史创伤与伦理困境的复合体。本章详细讲解了如何运用“身份冲突矩阵”，设计人物在不同情境下产生的认知失调，并将其转化为强劲的戏剧张力。例如，一个坚守原则的法官，如何在面对至亲的生死抉择时，其固有的信念体系如何被瞬间瓦解。 第四章：欲望、需求与谎言：人物的驱动引擎 基于心理学理论，本书区分了人物“表面所说的欲望”（Want）和“真正需要的核心价值”（Need）。成功的角色弧光往往源于人物最终直面并接受了自身“Need”。我们提供了“核心驱动力分析模型”，帮助编剧定位人物最深层的、往往是矛盾的内在驱动力，从而确保人物选择的合理性与震撼力。 第五章：肢体语言与潜台词的叙事权力 影视是视觉媒介，人物的情感往往通过非语言方式高效传递。本章集中于导演视角，指导如何通过对演员微表情、步态、眼神接触等细节的精准设计，构建出比对白更具信息量的叙事层次。重点分析了“沉默的张力”在构建悬念和揭示人物内心挣扎时的巨大效能。 第三部分：人物与环境的互动：构建可信的虚拟世界 一个出色的人物，必须与其所处的环境产生真实且有机的互动。《光影塑形》强调，环境不仅是背景，更是人物性格的放大镜和试金石。 第六章：情境设计对人物性格的“剥离”与“重塑” 探讨了如何设计一系列极端或考验人性的情境，来“剥离”人物习惯性的防御机制，迫使其展现出最本真的反应。分析了特定地理环境（如密闭空间、荒漠、高压都市）如何成为人物内心世界的具象化投射。 第七章：群像戏中的角色辨识度与功能性 在多角色叙事中，如何确保每个主要人物都拥有清晰、不可替代的叙事功能，并避免角色“功能重叠”？本章提供了“角色功能图谱绘制法”，确保群像戏中，即便是配角，其存在也是对主要人物弧光不可或缺的催化剂。 第四部分：导演对人物弧光的控制与实现 本书的后半部分，专门针对导演和表演指导，提供了将文字概念转化为银幕实体的具体方法论。 第八章：镜头语言对人物心理的隐喻表达 如何用运镜（如推轨、摇摄、手持）来反映人物的焦虑、疏离或掌控欲？本章结合经典电影片段，图解了镜头运动与人物情绪状态的对应关系，引导导演学会“用镜头说话”，而非仅仅记录演员表演。 第九章：即兴与精确之间的平衡：指导演员的艺术 成功的表演往往介于剧本的精确性与演员的灵感爆发之间。本章探讨了导演在给予演员自由度与保持叙事精确性之间的微妙平衡。强调了“场景前的深度人物研讨”比现场指导更为关键，确保演员理解角色的“未说出口的动机”。 第十章：结局：人物成长的闭环与开放式解读 论述了如何设计一个既符合人物逻辑又具有回味空间的结局。一个真正成功的人物结局，不是简单的“好人有好报”，而是人物在经历了考验后，其核心信念或生命状态发生了不可逆转的改变。探讨了开放式结局如何通过“人物未完成的旅程”来延长作品的生命力。 结语：重申叙事伦理 本书最终回归到对影视创作者的职业伦理的探讨：我们是否有责任去描绘那些复杂、有缺陷、但真实存在的人性？《光影塑形》鼓励每一位创作者，将对人物的探究视为对人类自身境遇的严肃思考，从而创作出真正具有穿透力和持久影响力的影视作品。本书旨在激发创作者的勇气，去探索那些尚未被充分言说的、关于“人是什么”的深刻议题。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事手法简直是教科书级别的示范，我读的时候完全沉浸在角色的内心世界里，仿佛我自己就是那个在光影和台词间挣扎的灵魂。作者对人物弧光的把握精准到令人发指，每一个转折、每一次顿悟，都铺陈得恰到好处，绝非那种生硬地为了推动情节而强行设计的“反转”。举个例子，书中对那位老戏骨的刻画，从他初登舞台的青涩懵懂，到功成名就后的内心空虚，再到最终回归本真的释然，每一步都充满了生活的质感和人性的复杂。这不是那种浮光掠影的介绍，而是深入到骨髓的剖析，让你能清晰地看到一个艺术家是如何被时间、被选择、被遗憾塑造出来的。我尤其欣赏作者在处理人物的“沉默”时所下的功夫，很多时候，人物一个眼神、一个微不可察的动作，比长篇大论的独白更能揭示其深层动机。这种“少即是多”的表达哲学，在影视创作中是极高的境界，这本书让我对“如何通过行动而非说教来塑造人物”有了全新的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计，老实说，一开始让我有些摸不着头脑，但读进去之后才发现，这是一种精心设计的迷宫，引导着读者去主动探索导演的创作意图。它不像传统的传记那样按时间顺序排列，而是像一个被打散的蒙太奇片段，将不同时期、不同项目的思考碎片拼贴在一起。这种非线性叙事反而非常契合影视艺术本身的工作原理——灵感和顿悟往往是跳跃式的，而非线性的积累。书中对“镜头语言”的阐述，更是让我眼前一亮。作者并没有堆砌晦涩的专业术语，而是通过回顾几部经典场景的幕后决策过程，将抽象的理论具象化。比如，他们如何决定使用固定机位来营造压迫感，或者如何通过景深来暗示角色关系的疏远。读完后，我再看电影时，会不自觉地去分析导演为什么选择这个角度，而不是那个角度，极大地提升了我的观影体验，从一个被动的接受者变成了主动的解码者。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书对“创作焦虑”的捕捉极其敏锐和诚实。很多行业书籍只会告诉你成功的方法论，但这本书却毫不避讳地展示了那些光鲜亮丽的背后，是多么多的自我怀疑、资源拉锯和艺术妥协。它深入探讨了“艺术追求与商业考量”之间的永恒张力，并且没有给出简单的答案，而是呈现了多位导演在这个矛盾中挣扎的不同路径。书中记录的几次关键性的剧本修改会议，简直是精彩的“权力博弈”现场，可以看到一个坚定的艺术愿景是如何在制片方的压力下被一点点打磨、甚至是被稀释的。这种真实性，让我对电影制作这个行业产生了更深刻的敬畏。它告诉我们，优秀的电影不仅仅是天赋的爆发，更是无数次艰难抉择和坚守的累积。这本书的价值，在于它撕开了行业的光环，让我们看到了创作者的血肉和汗水。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格有一种独特的、近乎冷峻的克制感，但这克制之下，却涌动着对电影本体最炽热的爱。作者似乎深谙“展示而非告知”的原则，用极其精炼的语言去勾勒出那些宏大的主题。我特别喜欢其中关于“声音设计”的那几个章节，它把声音从单纯的背景元素提升到了与画面同等重要的地位。书中描述了某部作品中，如何通过环境噪音的细微变化，来预示一场灾难的降临，这种细腻到近乎偏执的打磨，让我反思了自己过去在欣赏影视作品时的粗心大意。它让我意识到，一个真正成熟的导演，关注的是观众的“全身心体验”，而不仅仅是视觉刺激。读这本书，就像是坐在一个经验丰富的大师身边，听他娓娓道来那些关于如何调动所有感官去“说故事”的秘密，其深度远超一般的技术手册。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到震撼的，是它对“导演个人美学体系”的构建过程的深入挖掘。它不是简单地罗列导演的作品年表，而是试图追溯其美学思想的源头，探索是什么样的童年经历、阅读偏好或人生哲学，最终凝结成了镜头下的独特风格。书中穿插了一些访谈片段，导演们谈论起对某部经典老片的致敬或颠覆，那种知识的传承和反思，展现了电影艺术的连续性和生命力。这种对“为什么是这种风格”的探讨，远远超越了“怎么拍”的技术层面，进入了“为何而拍”的哲学思辨范畴。对于那些立志于在影像领域留下自己印记的人来说，这本书就像是一份路线图，它不给你具体的坐标，但会告诉你如何去构建你自己的“导航系统”，如何在这个充满噪音的时代，保持住自己声音的清晰度和穿透力。