具体描述
内容简介
叶绿野是岭南画派创始人之一高剑父晚年的入室弟子，可谓是该画派“根正苗红”的嫡传弟子。在人们印象中，岭南画派后传的弟子，其作品里大多都有某种师承的印痕，如“赵式花乌”、“黎式山水”，程式化的痕迹比较明显。叶先生的则有所不同。他的花鸟画，无论是构图、意境、用笔、造型等都没有明显的高氏烙痕，而是自有一种清新、别致、生动、自然、平和的面貌与气息。这在师徒传授的旧式教学模式申，能自立面目而屹立于画坛，实属不易。基于此，也就有值得对叶氏技法作一番研究与剖析的必要了。作者简介
叶绿野，1922年生，籍贯广东省龙川县通衢镇虎头山人。现为中国美术家协会会员，广州美术学院教授。叶绿野早年受业于高剑父，深得岭南画派精髓，画艺被“高氏”誉为雅淡而富诗意。及壮，潜心研究花鸟画的发展与创新，吸纳古今笔墨，融汇中西技法。其作品突破折枝花鸟画的程式，追求画面的宽阔感、纵深感、具象感和质量感。古稀之后，道法自然，心画一体。倾力探索传统精神与现代理念的传承、融合和光大，描绘生命实感，解悟人生真谛。其画弥漫的平静、平淡、平和、平常之意韵，凸显了岭南文化和广东人精神，开拓了花鸟画雅俗共赏的新境界。
目录
花鸟画发展简述花鸟画的构图
一、位置安排
二、均衡稳定
三、对比
（一）集中与分散的对比
（二）大与小的对比
（三）面与点的对比
（四）面与线的对比
四、空白
五、构图选例
花鸟画实用技法之一 撞粉和撞水法
一、撞粉和撞水法的应用
——海棠
二、撞粉和撞水法的应用
——木瓜
三、撞粉和撞水法的应用
——枇杷
花鸟画实用技法之二 破墨法
一、浓破淡
二、淡破浓
三、破墨法的应用
——芋头
花鸟画实用技法之三 鸟的写法
一、鸟的形体结构
1．鸟头
2．鸟身
3．乌脚
二、写鸟的步骤
（一）鸟头的写法
（二）鸟身的写法
1．工笔的写法
2．小写意的写法
（三）鸟脚的写法
1．勾勒写法
2．没骨写法
三、鸟的写法应用之一：麻雀
四、鸟的写法应用之二：孔雀
（一）孔雀头的写法
（二）孔雀颈的写法
（三）孔雀身的写法
（四）孔雀尾部的写法
（五）孔雀脚的写法
五、鸟的写法应用之三：八哥
六、鸟的各种形态范例
花鸟画实用技法之四 荔枝的写法
一、荔枝的写法
1．先勾后染法
2．先染后圈法
二、荔枝叶的写法
三、荔枝树干的写法
临摹与写生
1．观察与分析
2．提炼和取舍
结束语
作品欣赏
前言/序言
用户评价
这本《叶绿野花鸟画技法》简直就是我学习国画的救星！一直以来，我都对描绘自然中的生机勃勃充满向往，尤其是那些在绿叶间灵动跳跃的鸟儿，还有野地里悄然绽放的野花，但每次自己动手，总感觉少了点“魂”。我尝试过许多教程，有的过于理论化，看得人云里雾里，有的又太粗略，细节完全不到位，让我无从下手。直到我翻开这本《叶绿野花鸟画技法》，我才真正找到了那个缺失的环节。 书里对“叶绿”的处理，我是真的服气。它没有直接告诉你用哪种绿色，而是从最基础的调色入手，分析了不同季节、不同光照下，叶片色彩的微妙变化。比如，春天的嫩叶，那种带着黄调的翠绿，如何用墨的浓淡干湿来表现其透明感；夏日浓密的叶片，如何用焦墨与淡墨层层叠加，营造出深邃而富有体积感的质感；秋天的落叶，那种泛着金黄、甚至带着红褐的色彩，又是如何巧妙地通过渲染和点染来呈现其饱满的生命力。作者在讲解时，不仅仅是列举调色比例，更重要的是阐述了“为什么”要这样调色，背后的观察和理解。当我跟着书中的步骤，一步步去尝试，用毛笔蘸取不同浓度的墨和色，在宣纸上小心翼翼地晕染开来，那种叶片在光影下舒展、翻转的生命力，真的就一点点地显现出来了。特别是对于那些有脉络的叶片，书里详细讲解了勾勒叶脉的力度和走向，是顺着叶片的生长方向，还是逆着，不同的处理方式会带来怎样的视觉效果，这一点非常实用。我以前总是画得死板，现在才知道，原来叶脉的轻重缓急，也能决定一幅画的生动程度。
评分《叶绿野花鸟画技法》这本书，给我的感觉就像是一位经验丰富的老师，坐在你身边，手把手地教你。它的语言风格非常朴实，没有太多华丽的辞藻，却字字珠玑，直击核心。我特别喜欢它在讲解过程中，那种“举一反三”的教学方式。 它不会仅仅告诉你一种技法，而是会告诉你，这一种技法，在不同的情境下，可以如何运用。比如，在画叶子时，它会讲解用“破墨”法来表现叶子的层次感，但同时也会告诉你，这种“破墨”法，也可以用来表现鸟儿翅膀的羽毛，或者花朵的阴影。这种举一反三的讲解，让我能够将学到的知识，灵活地运用到不同的绘画对象上，极大地拓展了我的绘画思路。 我印象特别深刻的是，书中在讲解如何画“鸟鸣”时，虽然没有直接画出声音，但是通过对鸟儿嘴巴的张合程度、喉部的羽毛的蓬松程度，以及眼神的神情，巧妙地将“声音”这个听觉元素，转化成了视觉元素。我尝试着模仿这种方法，去画一只在歌唱的黄莺，当我仔细观察黄莺唱歌时的喉部细节，并用细小的笔触去描绘，再配合书中讲解的眼神处理，画出的鸟儿，真的仿佛就能听到它的歌声。这种将抽象概念转化为具体绘画表现的能力，是我在这本书里学到的最宝贵的财富。
评分这本书《叶绿野花鸟画技法》，真的是一本“宝藏”级别的绘画书籍。它的内容之丰富，讲解之细致，远远超出了我的预期。我一直以为，国画的学习，需要花费大量的时间和精力去打基础，很多时候会觉得枯燥和迷茫，但是这本书，让我找到了前进的方向。 它在讲解“色彩”的应用上，也给了我很大的启发。它不仅仅是告诉你用什么颜色来画什么东西，更是教你如何去“调和”色彩，如何让画面中的色彩和谐统一。比如，在画野花时，它会告诉你，不要简单地使用纯色，而是要通过墨色的调和，或者与其他颜色的搭配，来让花朵的色彩显得更加丰富和有层次感。它还会讲解如何利用色彩的冷暖对比，来突出画面的主体，或者营造某种特定的氛围。 我记得书中有个例子，是画一幅傍晚的场景，作者通过运用大量的暖色调，如橙黄、淡红，配合一些墨色的晕染，将整个画面营造出一种温馨而又宁静的傍晚的氛围。我尝试着按照书中的方法，去画一幅初春的景象，我用淡绿和嫩黄来表现初生的嫩叶，再用一些淡淡的粉色来点缀几朵含苞待放的花朵，画面立刻就充满了生机和希望。这种对色彩的深入理解和巧妙运用，让我觉得，我不仅仅是在画画，更是在用色彩“说故事”。
评分《叶绿野花鸟画技法》这本书，在“技法”的讲解上，简直是做到了“庖丁解牛”般的精妙。我之前学习国画，很多时候都是“知其然，不知其所以然”，比如，老师说用“侧锋”画叶子，但我并不知道为什么用侧锋，侧锋能带来什么样的效果。这本书就很不一样，它不仅仅是告诉你“怎么做”，更是深入浅出地解释“为什么这样做”。 比如，在描绘叶子时，作者会细致地分析不同笔触在宣纸上产生的墨韵效果。侧锋画出的叶子，边缘会带有飞白，显得更加粗犷有力，适合表现老叶或是在风中摇曳的叶子；而中锋画出的叶子，线条会更加圆润流畅，适合表现嫩叶或是在静止状态下的叶子。它还讲解了如何通过笔的提按、转折，来赋予叶片不同的体积感和质感，让叶片看起来不像是平面的剪纸，而是有厚度、有温度的生命体。 更让我受益匪浅的是，书中对“点”的运用，进行了深入的探讨。它不仅仅是告诉你用墨点来画叶子上的露珠，而是会分析不同大小、不同浓淡的墨点，在画面中起到的不同作用。比如，用浓墨点苔，可以增加画面的层次感和野趣；用淡墨点染，可以表现花朵的细节，如花蕊、花粉；甚至是用焦墨点，可以作为画面的“镇纸”，稳定构图。我曾经尝试用书中讲解的“飞白”技法来画一片被风吹过的叶子，用侧锋扫出去，笔触轻重不一，边缘留下自然的飞白，整个叶子立刻就有了动态和生命力。这种对笔墨的细致剖析，让我感觉不再是盲目地涂抹，而是真正地理解了每一笔每一画的意义。
评分我必须说，《叶绿野花鸟画技法》这本书，在“构图”这一块，给我的启发是颠覆性的。之前我画画，总感觉画面要么显得空荡荡，要么又过于拥挤，不知道如何去安排画面中的元素。这本书在这方面，给了我非常系统和实用的指导。 它没有直接给你套用什么“黄金分割”或者“三分法”的公式，而是通过大量的范例，去分析每一幅画是如何通过构图来表达主题和意境的。比如，它会讲解如何利用“留白”来制造空间感和呼吸感，让画面不会显得压抑；如何通过“S”形或“C”形构图，来引导观者的视线，使画面具有流动性和韵律感；以及如何通过“疏密对比”，来突出主体，增强画面的视觉冲击力。 我印象最深的是，书中有一节讲到如何安排几只不同姿态的鸟儿和一些野花，作者并不是简单地把它们堆砌在一起，而是通过巧妙地将鸟儿的视线方向、枝干的延伸方向，以及花朵的聚散，有机地组合起来，形成一个既有整体感又不失细节的画面。它会告诉你，为什么要把这只鸟放在画面的左下方，而把另一只鸟放在右上角，这样安排的目的是为了什么。这种对构图原理的细致拆解，让我学会了不仅仅是“画出”画面中的东西，更是“组织”画面中的东西。通过学习这本书，我现在画画时，脑子里不再是空白一片，而是会主动思考，如何让画面更具美感，如何让画面更有故事性。
评分这本书《叶绿野花鸟画技法》的图文结合，做得非常出色。我之前买过一些绘画教程，要么是文字太多，看得人头晕，要么就是图片太少，不够直观。这本书就不一样，每一页都充满了精美的插图，这些插图不仅仅是为了美观，更是为了辅助理解。 作者在讲解每一个技法时，都会配上一系列清晰的步骤图。这些步骤图，将复杂的绘画过程，分解成了一个个简单易懂的环节。比如，在讲解如何画一片叶子的脉络时，它会从勾勒轮廓，到画出主叶脉，再到细化次叶脉，一步步地展示，并且在每一张图的旁边，都配有简短的文字说明，告诉你这个步骤需要注意什么。 更让我惊喜的是，书中的范例作品，都是作者精心创作的，每一幅都充满了艺术感和生活气息。我常常会对着这些范例作品，去临摹学习，从中揣摩作者的用笔用墨，以及构图布局。而且，书中的范例作品，也展示了不同风格的演绎，比如，有的作品写实性较强，有的则写意十足，这让我看到了国画的多种可能性，也给了我很大的创作灵感。我记得有一幅画，描绘的是几只燕子在低空掠过，画面中运用了大量的留白，将燕子的动态感和天空的辽阔感完美地结合在一起。我临摹了很久，才逐渐体会到其中的精妙之处。
评分这本书关于“野花”的描绘，简直是把大自然搬进了我的画室！我一直觉得野花和小家碧玉型的花卉不同，它们有一种不拘一格的野性美，在路边，在山坡，它们自由自在地生长，却有着最动人的色彩和姿态。作者在讲解野花时，不像一些教程那样只教你画几种常见的花，而是更侧重于观察野花“野”在哪里。它引导读者去留意野花在生长环境中的状态，比如，是不是被风吹得微微倾斜，是不是在一片杂草中努力向上伸展，是不是有露珠在花瓣上晶莹闪烁。这些细节，往往是我们容易忽略的，但正是这些细节，赋予了野花独特的灵魂。 书中对花瓣的描绘，尤其让我印象深刻。它不是教你把花瓣画得规规整整，而是强调花瓣的层次感和体积感。比如，如何用飞白来表现纸张的肌理，如何在花瓣的边缘处留白，增加其轻盈感；如何用晕染的方式，将相邻的花瓣连接起来，形成自然的过渡；以及如何用点苔、用浓墨破色等技法，来丰富花朵的质感，使其不至于显得过于光滑和扁平。我记得有一节讲到画某种不知名的小野花，作者画了三四种不同的状态：刚绽放的花蕾，盛开的花朵，以及即将凋零的残花，并且细致地分析了它们在色彩、形态上的差异。这让我意识到，绘画不仅仅是描摹，更是对生命周期的一种理解和表达。通过这样的讲解，我不再只是机械地复制花朵的形状，而是开始尝试去感受它们在生长、绽放、直至衰败过程中的那种生命张力。
评分这本《叶绿野花鸟画技法》在“鸟”的绘制上，真的做到了“画龙点睛”的效果。我之前画鸟，总觉得它们像一个个摆设，虽然形状是对的，但就是没有那种灵动感。这本书完全打破了我过去的认知。它不仅仅告诉你鸟的结构是怎样的，更重要的是，它教你如何去“看”鸟。书中反复强调，要观察鸟在不同状态下的神情和动作：是站立在枝头，眼神警惕地扫视四周？还是在梳理羽毛，动作一丝不苟？抑或是展翅欲飞，身体蓄势待发？ 作者通过大量的实例，详细拆解了不同鸟类的身体比例、羽毛的走向、以及如何用笔触来表现羽毛的蓬松感和光泽感。最让我惊喜的是，书中对于“眼神”的刻画，简直是点睛之笔！它不是简单地画一个黑点，而是会告诉你，如何用细小的笔触，在黑色的瞳仁里提上高光，表现出鸟类炯炯有神、充满生命力的眼神。这一点，我之前无论怎么尝试都做不到。而且，书中还讲解了如何根据鸟的姿态，来调整身体的重心和结构，比如，站立时，身体会略微前倾；跳跃时，翅膀会自然展开，与身体形成一种动态的平衡。这一点，对我理解鸟类的动态美起到了关键作用。我曾经尝试着画一只在枝头歌唱的黄鹂，通过书中讲解的用笔用墨的技巧，尤其是对喉部羽毛的细致描绘，以及眼神的传神处理，我第一次感觉自己画出的鸟儿，似乎真的能歌唱，真的充满了活力。
评分这本《叶绿野花鸟画技法》真的是一本“润物细无声”的好书。它的讲解方式，不像那种“填鸭式”的教学，而是循循善诱，让你在不知不觉中，就掌握了许多绘画的精髓。我之前学习绘画，很多时候是“三天打鱼，两天晒网”，因为总觉得学习过程枯燥乏味，看不到什么立竿见影的效果。但是这本书，每一次翻阅，都能让我有所收获。 它对于“观察”的强调，是我之前很少注意到的。作者会反复提醒读者，要带着一颗“发现美”的心去观察自然。比如，在画叶子时，不仅仅要看它的颜色和形状，还要看它的纹理，看它被风吹过的痕迹，看它在光影下的变化。在画鸟时，不仅仅要看它的外形，还要看它的神态，看它的动作，看它的羽毛在光线下的反射。这种引导，让我从一个“照搬者”变成了一个“思考者”，我开始主动去捕捉生活中的美，并将这些观察到的细节，融入到我的绘画创作中。 比如，我曾经去公园写生，看到一只小麻雀在地上蹦跳觅食，以前我可能只是随手画个大概。但是读了这本书之后，我开始留意它跳跃的幅度，它低头的角度，它尾巴摆动的频率。这些细微的观察，在回来创作时，我尝试着用书中讲解的笔法去表现，结果画出的鸟儿，真的就有了那种生机勃勃的感觉，仿佛下一秒它就要跳起来一样。这种从观察到表现的转化，让我对绘画这件事，有了更深的理解和热爱。
评分《叶绿野花鸟画技法》这本书，不仅仅是教你画画的技巧，更是在培养你的“国画思维”。它不像很多速成班那样，告诉你几个窍门就能画出个大概，而是引导你从根本上理解中国画的精髓。 书中最让我印象深刻的是，它对“笔墨”的讲解。它会告诉你，中国画的笔墨，不仅仅是工具，更是情感的载体。比如，用“枯笔”画出的线条，会显得苍劲有力，适合表现老树的枝干，或者历经沧桑的花朵；用“湿笔”画出的线条，则会显得流畅柔和，适合表现嫩叶的脉络，或者鸟儿光滑的羽毛。它还会告诉你，如何通过笔墨的浓淡干湿、枯湿浓淡的变化，来表现物体的质感、体积感和空间感。 它还强调了“意境”的营造。它会告诉你，一幅好的国画，不仅仅是要画出物体的形态，更重要的是要画出物体的“神韵”，画出画家想要表达的情感和意境。比如，画一片孤独的野花，可以通过留白、通过笔墨的疏淡，来营造出一种孤寂而又坚韧的美感。我曾经尝试着画一幅秋天的落叶，我不仅仅是画出了落叶的形状和颜色，更是通过用笔时有意留下的飞白，以及墨色的渲染，去表现那种秋风萧瑟，落叶飘零的意境。当我完成后，看着画面，仿佛真的能感受到那种淡淡的忧伤和宁静。
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