清华大学教育培训动漫影视系列教材：视听语言和动画分镜头 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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祝卉 著

图书标签:

• 视听语言
• 动画
• 分镜头
• 动漫教材
• 影视制作
• 清华大学
• 教育培训
• 动画基础
• 影视语言
• 动画制作

出版社： 清华大学出版社

ISBN：9787302206651

版次：1

商品编码：10399889

品牌：清华大学

包装：平装

开本：16开

出版时间：2009-11-01

页数：178

正文语种：中文

内容简介

在影片生产的过程中，分镜头就像是未来影片的蓝图，分镜头对于动画电影尤其重要。作者在清华大学美术学院教授影视视听语言课程多年，同时为国内外多部影视设计分镜头。《视听语言和动画分镜头》由作者总结影视视听语言和动画分镜头的教学经验和实践探索编写而成，是对影视专业及分镜头设计者顺利进入行业的学习引导。《视听语言和动画分镜头》包含影视视听语言和动画分镜头两部分内容。影视视听语言是导演必修课，也是所有影视专业学生的专业基础课。在影视视听语言中，系统而全面地介绍了影视中的基本概念知识与实践操作中总结出的基本规律，在影视视听语言的基础上，动画分镜头部分深入讲解动画前期分镜头的设计思维与实践经验。
该书是清华大学美术学院动漫影视培训课程教材，也可作为动画行业人员的学习参考书和对动画感兴趣的人员的自学用书。

作者简介

祝卉，清华大学美术学院讲师，在动画电影《心中之王》、音乐电视《花木兰》、电影《天风海涛鼓浪屿》、动感电影《聊斋炼狱》等影视片中担任分镜头画面设计，在电视剧《生命线》中任美术指导；由清华大学出版社出版论著《分镜头画面设计》，高等教育出版社出版教材《全国计算机数字图形图像应用技术等级考试——色彩原理》，并于核心刊物发表论文多篇。

目录

引言
一、影视视听语言的定义
二、影视视听语言的特点
三、电影与诗进行比较

第一章 影视动画的画面内容
第一节 角色
一、角色是画面的主体
二、与角色相关的材质、服装、化妆、道具
第二节 场景
一、场景的倾向
二、外景、内景
第三节 光
一、光线的性质
二、光线的类型
第四节 色
一、色彩的标识
二、色彩烘托气氛
三、色彩的表意和象征
第五节 总结影视的视觉元素
一、电影的视觉元素在运用中存在着三个层次
二、电影的视觉元素具有的两大特征

第二章 景别角度第一节 景别
一、景别的概念
二、景别的划分
第二节 角度
一、角度的定义
二、角度的划分
第三节 景别和角度的运用

第三章 摄法
第一节 摄影运动的三个重要特性
一、摄影运动的方向性
二、摄影运动的速度
三、摄影运动的稳定性
第二节 光学镜头
一、光学镜头的种类
二、不同焦距镜头的造型特性
第三节 摄影机镜头的艺术运用

第四章 轴线
第一节 轴线基本规律
一、轴线概念
二、三角形原理的五个基本变化
第二节 轴线与跳轴的运用
一、镜头九镜法
二、越轴概念三、越轴运用
第五章 声音
第一节 影视声音的类型和属性
一、语言
二、音响
三、音乐
第二节 影视声音需经过艺术加工
第三节 影视录音工艺
一、影视录音制作设备
二、录音场地
三、还音系统
第四节 声音的质感

第六章 蒙杰奇、场面调度
第一节 蒙太奇
一、蒙太奇原理
二、蒙太奇形式
第二节 长镜头
一、长镜头的基本概念
二、长镜头的作用
第三节 场面调度
一、纵深调度
二、重复调度
二三、对比调度

第七章 剪辑第一节 剪辑工作性质和内容
第二节 剪辑基础
一、基本的镜头连接方式
二、剪辑点
三、剪辑注意问题
第三节 常规叙事性剪辑与非叙事性剪辑
一、常规叙事性剪辑
二、非叙事性剪辑

第八章 穷镜头
第一节 与分镜头相关的概念
一、电影镜头二、镜头画面三、分镜头剧本四、分镜头画面第二节 分镜头工作和分镜头艺术家
一、与动画分镜头工作相关的动画前期流程
二、分镜头艺术家
第三节 常用分镜头的种类
一、动画电影分镜头
二、动画电视剧分镜头三、实拍影视分镜头四、广告分镜头五、漫画分镜头第四节 常用的分镜头画面的表现手段一、手绘二、计算机的应用
第九章 分解一组台分镜头设计的核心
第一节 剧本内容的把握
一、把握剧本的叙述视点
二、分清事件与故事的区别
三、寻找动作9四、把文学的、感觉的东西转化成具体的物来表达
五、从一个具体的东西开始构思
六、分清故事中的主角和配角
第二节 角色表演的设想
第三节 声音的设计
一、人声
二、音效
三、音乐
四、画内音、画外音
第四节 总结

第十章 穷镜头工作
第一节 时间的分配
……
第十一章 分镜头制作的基本功
第十二章 提高分镜头设计与制作
第十三章 动画分镜头画面设计欣赏
参考文献

精彩书摘

动画涵盖的范围很广，根据主题，影片场景处理会有很大不同，总结出来就是：场景的戏剧舞台倾向和场景的电影化倾向。要了解这种倾向，就先来了解一下电影场景与舞台场景相比，具有哪些特点。
首先，电影的景与舞台景相比较，具有场景多的特点。电影里不算重复的景，大概要写上百个场景。
其次，两者性质不同。舞台戏中，景是为表演提供环境和背景，演员是舞台的中心。在电影中，景可以成为视觉主体。法国电影理论家巴赞说：“戏剧不能没有人演，然而不用演员也可以造成电影的戏剧性。”舞台戏是展现演员的艺术，电影是展现导演的艺术。舞台戏的戏剧性从演员中来，电影的戏剧性则从景物推及人。某些电影杰作把人当作陪衬或配角，或与大自然进行对照，大自然是主角。
“电影式的空间”是动画表现戏剧空间的一种重要形式。动画片运用电影的叙事与造型手法，将电影的思维与动画手法相结合，使动画片的表述电影化。在这种动画片中，不管是传统的二维动画、现代的三维动画，还是泥塑、木偶、剪纸等形式能动画，都是在运用电影的镜头语言来完成叙事。这是现在主流动画片通行的一种做法，尤其在商业片中这一点体现得十分明显。在这类动画片中，“电影式的空间”可以是模拟电影空间对于现实空间的描述，使动画中的空间具体化、地域化，使动画片中的空间不仅运动了起来而且还可以进行转换。空间不但具有运动性，而且可以表现为向纵深，以及立体空间的运动。这些都是模仿电影空间表现的一些形式。当然，由于动画片特殊的表现手法，在动画片的表现中空间还可以不像电影空间那样客观，可以是一种创造式的空间。
在艺术动画片里，场景的风格通常很主观。场景的表现也不仅仅以真实再现客观环境为目的，通常都是成为风格形成的一种重要表现手法。如我国早期动画片，装饰感极强，无论是角色造型上，场景布置上，色彩搭配上，包括动作、配乐等都追求我国传统文化的意境和趣味。其中不少作品做工的讲究和文化感的纯粹，今天看来依然让人赞叹。如《九色鹿》，取自敦煌壁画故事，在动画片中追求壁画的装饰感。

前言/序言

　　每一部引人人胜又能给人以视听极大享受的完美动画片，均是建立在“高艺术”与高技术”的基础上的。从故事剧本的创作到动画片中每一个镜头、每一帧画面，都必须经过精心设计。而其中表演的角色，也是由动画家“无中生有”地创造出来的。因此，才有了我们都熟知的“米老鼠”和“孙悟空”等许许多多既独特又有趣的动画形象。同时，动画的叙事需要运用视听语言来完成和体现。因此，镜头语言与蒙太奇技巧的运用，是使动画片能够清晰而充满新奇感地讲述故事所必须掌握的知识。另外，动画片中所有会动的角色，都应有各自的运动形态与规律，才能构成带给人们无穷快乐的具有别样生命感的活的“精灵”。而对于对动画的创作怀着“痴心”的朋友来说，要经过系统严谨的专业知识学习和有针对性的课题实践才能逐步掌握这门艺术。此套“清华大学教育培训动漫影视系列教材”的编写，就是基于对国内外动漫游戏相关行业对人才必须具备的专业知识与掌握的必要技术的充分的调研基础上，并特别邀请了北京相关院校、行业内及文化部、教育部的专家进行认真讨论，对此套教材的定位、内容作审定工作，集中了清华大学美术学院、北京电影学院动画学院、北京印刷学院设计艺术学院等院校的富有专业教学和实践经验的一线教师进行编写。充分体现了他们最新的教学与研究成果。
　　此套教材突出了案例分析和项目导人的教学方法与实际应用特色，并融人每一个具体的教学环节之中，将知识和实操能力合为一个有机的整体。不同的教学模块设计更方便不同程度的学习者的灵活选择，保证学以致用。当然，再好的教科书都只能对学习起到辅助的作用，如想获得真知，则需要倾注你的全部精力与心智。

影视制作与视觉叙事基础：从概念到银幕的转化之道 本书聚焦于影视制作的核心环节——视觉叙事与技术实现的基础原理，旨在为有志于投身影视、动画、纪录片及新媒体内容创作的读者提供一套系统、实用的入门指南。 我们深知，一部引人入胜的作品，绝非仅仅依赖于创意火花，更需要扎实的理论框架和精确的技术执行作为支撑。本书致力于弥合“想法”与“成品”之间的鸿沟，侧重于建立读者对影像语言的敏感度和对制作流程的整体认知。 第一部分：构建视觉的语法——影视语言的精要解析 本部分是理解如何用影像“说话”的基础。我们不再将镜头视为单纯的记录工具，而是将其视为具有明确指向性和情感负载的“词汇”。 一、 镜头运动的心理学基础 我们深入剖析了不同镜头运动（如推、拉、摇、移、跟、环绕）背后的心理学意义。 例如，快速的推镜头如何制造压迫感和信息聚焦，而缓慢、稳定的环绕镜头则如何营造悬念或揭示环境的广阔。 书中详细阐述了“主观镜头”（POV）在代入感构建中的作用，以及如何通过非传统运动（如手持晃动、定点爆炸性运动）来打破观众的预期，引导情绪的流向。 二、 景别与构图的叙事功能 景别的选择绝非随机。本书分类探讨了特写、近景、中景、全景及远景在不同叙事阶段的功用。特写不仅仅是展示细节，更是对角色内心世界的直接投射；全景则关乎空间感和环境压力。 在构图方面，我们超越了经典的“三分法”，深入探讨了黄金分割、引导线、负空间（Negative Space）的运用。特别关注了“框中框”（Framing within a frame）技术，如何利用场景中的自然元素（如门洞、窗户、树枝）来增加画面的层次感和隐喻性，使画面信息密度倍增。 三、 光影的雕刻术：照明的艺术与科学 光是影视制作的灵魂。本书详细拆解了三点布光法（主光、辅光、轮廓光）在不同场景（室内戏、室外戏、夜景）中的适应性调整。重点阐述了“硬光”与“柔光”对角色面部情绪的戏剧性影响——硬光锐利、适合表现冲突与紧张；柔光平滑、适合展现柔和与亲密。此外，我们引入了“电影照明的色彩心理学”，讨论了蓝光、橙光、绿光等色温如何潜移默化地影响观众对场景氛围（如冷漠、温暖、病态）的认知。 第二部分：从剧本到分镜——视觉化呈现的蓝图构建 高效的制作流程始于精确的预可视化。这一部分是连接剧本文字描述与最终影像实现的桥梁。 四、 场景分解与故事板（Storyboard）的流程化管理 本书提供了一套实用的故事板绘制规范，强调“效率”与“清晰度”并重。内容包括：如何用最少的线条清晰表达景别、机位高度（Eye Level, High Angle, Low Angle）、角色朝向（线轴规则的严格遵守）和关键动作。我们提供了一套可供打印和使用的图例库，帮助初学者快速掌握标准符号的含义。 五、 分镜设计中的时间维度：场面调度与节奏控制 分镜的精髓在于对时间的切割与重组。我们深入探讨了“场面调度”（Mise-en-scène）在分镜阶段的预设，包括演员在画面内部的走位、道具的调度对叙事节奏的影响。书中的案例分析重点对比了蒙太奇理论在不同类型的作品中的应用，例如爱森斯坦的“吸引子蒙太奇”与苏联的“思想蒙太奇”在构建叙事张力上的差异。 六、 声音的布局：与画面的协同作用 声音设计并非后期工作，而是分镜设计的一部分。本书强调了“画外音”（Off-screen Sound）与“画内音”（On-screen Sound）的对位和冲突。如何通过环境声（Ambience）来确立场景的真实性，如何利用单一的、突兀的声音效果（Sound Effect）来打破观众的沉浸感，达到惊悚或强调的目的。我们提供了声音元素在分镜脚本中标记的标准格式，确保声音意图不会在制作中丢失。 第三部分：媒介适应性与新兴趋势 本部分着眼于当下的媒介环境，讨论了传统叙事原理在新型平台上的转化。 七、 动态影像的格式适应性与技术考量 针对当前数字媒体对画幅比例的多元化需求（如16:9、1:1、9:16竖屏），本书分析了不同画幅对构图美学和信息承载量的内在限制。例如，在竖屏格式下，如何重新设计景别和角色间的空间关系，以适应移动设备的用户习惯，同时不牺牲核心的戏剧张力。 八、 互动叙事与非线性体验的视觉准备 对于游戏过场动画、VR/AR内容等互动媒介，视觉语言的设计需要考虑观众的“控制权”和“参与度”。我们探讨了如何在分镜设计中预留出关键的互动节点，并讨论了如何使用视觉线索（如光标暗示、动态引导）来自然地引导用户探索场景，而非生硬地给出指令。 本书的特点在于其强烈的实践导向性，每一章节都配有“制作人笔记”和“常见错误警示”，帮助读者在理解理论的同时，避免在实际操作中陷入误区。它不是关于某一个软件的使用手册，而是关于如何像一名专业的视觉叙事者一样思考和规划一部影像作品的深度指南。

评分☆☆☆☆☆

我本来以为这类技术性教材的行文风格会是那种干燥、晦涩难懂的学术腔调，读起来会像是在啃一本厚厚的字典。然而，这本书的叙事方式却出乎我的意料，它成功地找到了一种平衡点。作者似乎非常懂得如何将复杂的理论概念“翻译”成普通人也能理解的语言。叙述的节奏把握得非常好，不会让人感觉信息量过载，总是能恰到好处地在你快要迷失方向的时候，用一个精妙的比喻或者一个现实中的案例把你拉回来。阅读过程中，我发现自己很少需要频繁地停下来查阅生词或者重新解读句子结构，这极大地提升了阅读的连贯性和心流体验。这种流畅性，对于需要长期投入精力的技能学习来说，是至关重要的驱动力，它让人愿意主动地、而不是被迫地去推进学习进度。

评分☆☆☆☆☆

这本书在案例的选择和呈现上，展现出了一种非常贴近行业前沿的敏锐度。它并没有停留在陈旧的、教科书式的经典案例上空泛地讨论理论，而是深入挖掘了当前市场上正在流行或具有颠覆性的视觉作品中的具体手法。我尤其欣赏作者在分析某个镜头语言时，会拆解得极其细致，从景别选择到运镜轨迹，再到最终的情感投射，逻辑链条清晰得如同精密仪器。这种“解构”复杂视觉叙事的能力，对于我们这些渴望从模仿到创新的学习者来说，简直是醍醐灌顶。它提供的不是简单的“是什么”，而是深入探究了“为什么会是这样”以及“如何才能做到”。这种深度的剖析，极大地拓宽了我对影像叙事潜能的认知边界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格偶尔会展现出一种令人愉悦的幽默感和对艺术的热忱。它不是那种高高在上、拒人于千里之外的学院派作品。在讲解一些非常严肃的技术要点时，作者会不经意地流露出对影视艺术的真挚热爱，这种情感的注入，使得原本可能枯燥的章节变得鲜活起来。仿佛作者在用心灵深处与读者进行对话，分享的不仅是知识，更是一种创作的热忱和对影像美学的追求。这种充满温度的文字，极大地增强了阅读的代入感，让我在学习技术细节的同时，也不断被激发对“讲好故事”这一核心命题的思考。它成功地将一门技术课程，提升到了艺术鉴赏和创造的高度，这一点，是很多同类书籍所欠缺的。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的装帧设计简直让人眼前一亮，那种沉稳又不失现代感的色彩搭配，配合上清晰有力的书名印刷，放在书架上立刻就能抓住人的目光。翻开扉页，纸张的质感非常出色，摸上去厚实而细腻，看得出出版方在物料选择上是下了真功夫的。我特别喜欢它封面所营造出的那种学术又不失活泼的氛围，虽然主题是严肃的技能传授，但整体感觉却让人觉得学习过程会是充满乐趣的。装订的工艺也十分扎实，无论怎么翻阅，书页都保持得非常平整，这对于经常需要查阅和做笔记的学习者来说，简直是福音。尤其是侧边切口处理得非常干净利落，体现了一种专业和严谨的态度。整体来说，从拿到书本的那一刻起，它给我的第一印象就是“这是一本值得收藏和反复研读的专业教材”，而不是那种只看一次就束之高阁的快餐读物。这种对实体书品质的重视，本身就传递了一种对知识尊重的信号。

评分☆☆☆☆☆

对于初学者来说，最大的恐惧往往是“我不知道从哪里开始动手”。这本书的结构设计似乎完全洞察了这一点。它的章节推进逻辑简直像是为一张精密的施工图：从最基础的元素开始，逐步叠加复杂性，直到最终的整体构建。而且，书中穿插的那些针对练习的提示和“陷阱预警”，非常实用，简直就像是经验丰富的导师在耳边亲自指导。它不会只是告诉你应该做什么，更会提前指出你最有可能在哪里犯错，并提供预防性的策略。这种前瞻性的指导，极大地减少了我在实践中走弯路的可能性，让我能够更高效、更有信心地将理论知识转化为实际操作能力。这种“手把手”的教学设计，远比单纯的理论灌输来得更有力量。

评分☆☆☆☆☆

ttFirst

评分☆☆☆☆☆

第三章

评分☆☆☆☆☆

第五章

评分☆☆☆☆☆

第二节

评分☆☆☆☆☆

一、常规叙事性剪辑

评分☆☆☆☆☆

二R、重复调度

评分☆☆☆☆☆

一、基本的镜头连接方式

评分☆☆☆☆☆

￥14.20(7.9折)

评分☆☆☆☆☆

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