中国碑帖名品(23):王羲之兰亭序三种

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上海书画出版社 编
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出版社: 上海书画出版社
ISBN:9787547902448
版次:1
商品编码:10843599
包装:平装
开本:12开
出版时间:2011-08-01
用纸:胶版纸
页数:58
正文语种:中文

具体描述

编辑推荐

  法书圭臬 范式千载 退笔成山 登堂穷意表
  碑帖名品 坐拥百家 融古开今 挥翰合天机

内容简介

  王羲之《兰亭序》被称为“天下一行书”,但传《兰亭序》真迹随唐太宗陪葬昭陵后不知所终,现在最为人称道的是《虞摹兰亭序》、《褚摹兰亭序》和《冯摹兰亭序》三种摹本,可令后世揣想真迹的种种笔墨神韵,体会王羲之书法那龙跃虎卧之姿。此三摹本皆出名家之手,虞、褚临摹本同中有异,冯摹本较大限度的保留了原作面貌,可谓各有千秋。而此三种作品影响了唐以后诸多书法大家,如赵孟俯、董其昌、傅山等。
  《虞摹兰亭序》,唐虞世南摹,纸本,纵二十四点八厘米,横五十七点七厘米。此卷直至明代,一直被认为是褚遂良摹本,董其昌在题跋中称“似永兴(虞世南)所临”,后世遂认定此卷为虞世南摹本。卷中有元天历内府藏印,故亦称“天历本”。此卷用两纸拼接,各十四行,排列较松匀,近石刻“定武本”。清代刻人“兰亭八柱”,列为一。虞世南(五五八--六三八),字伯施,唐越州(今属浙江余姚)人,其书法刚柔并重,骨力遒劲。
  《褚摹兰亭序》,唐褚遂良摹,纸本,纵二十四厘米,横八十八点五厘米。卷中有米芾题诗,故亦称“米芾诗题本”。褚遂良(五九六--六五八),唐杭州(今浙江杭州钱塘)人,字登善,唐初名医,高宗时封河南郡公,故人称“褚河南”。其书法继承王羲之传统,外柔内刚,笔致圆通,见重于世。
  《冯摹兰亭序》,唐冯承素摹,纸本,纵二十四点五厘米,横六十九点九厘米。此本用楮纸两幅拼接,纸质光洁精细。因卷首有唐中宗李显神龙年号印,故称“神龙本”。冯承素在历史上并无书名,其与赵模、韩政道、诸葛贞等人均为唐官廷拓书人。

内页插图

精彩书评

  “王羲之收字势雄逸,如龙跳天门,虎卧凤阙,故历代宝之,永以为训。”
  ——萧衍

前言/序言


好的,这是一份关于其他图书的详细简介,完全不涉及您提到的《中国碑帖名品(23):王羲之兰亭序三种》的内容。 --- 览古鉴今:中国古代绘画大师专题研究 第一卷:吴道子与唐代人物画的革新 图书简介 本书是“览古鉴今”系列研究中国古代绘画艺术的开篇之作,聚焦于中国绘画史上具有里程碑意义的“画圣”——吴道子及其对唐代乃至后世人物画产生的深远影响。全书以严谨的学术态度和生动的叙事笔法,力图还原吴道子所处时代的艺术土壤,深入剖析其绘画技法、美学思想及其对中国绘画体系的结构性贡献。 第一部分:盛唐气象与绘画的转型 唐代是中国封建社会的鼎盛时期,文化艺术空前繁荣,绘画领域同样经历了从初唐的“秀骨清像”向盛唐“雄浑壮阔”的转变。本部分首先勾勒出唐玄宗开元、天宝年间的社会背景,分析了佛教艺术的兴盛、道家思想的回潮以及宫廷审美的需求如何共同塑造了新的绘画风尚。 重点探讨了吴道子之前的阎立本、李昭道等重要画家,指出他们虽然奠定了唐代人物画的规范,但在神韵表达上仍有待突破。接着,本书详细阐述了吴道子如何在中晚唐时期横空出世,以其独创的“吴带当风”技法,彻底打破了前代人物画的拘谨与板滞,赋予线条以生命力与动态感。 第二部分:独步古今的艺术成就与“吴带当风”的技法解析 吴道子被誉为“画圣”,其成就集中体现在人物画上,尤以佛道题材和鬼神题材最为著名。本书用专门的章节梳理了其主要传世(或摹本、拓本)作品的风格特征,包括对《天王送裴 सेब入蜀图》(宋摹本)、《八十七神仙图》(残卷)的细致考察。 “吴带当风”的深度解读: 这一概念是理解吴道子的核心。本书从用笔、用墨、结构、气韵等多个维度,对该技法进行了系统性的拆解分析: 1. 线条的内在张力: 分析其线条如何做到刚柔并济,既有金石之拙厚,又不失柳絮之飘逸,真正做到了“笔不周而意周”。 2. 动态的捕捉与构建: 探讨吴道子如何通过衣纹的起伏、转折来暗示人物的内在情绪和外部运动轨迹,使静物呈现出强烈的空间感和运动感。 3. “立体”感的营造: 论述吴道子如何利用光影处理和线条的粗细变化,在平面的宣纸上创造出近乎浮雕般的立体效果,这在当时的绘画技法中是空前的创新。 第三部分:影响与传承:对后世绘画的结构性塑造 吴道子的影响远超其生前。本书深入分析了其艺术思想在宋代、元代乃至明清时期的流变与继承。 在宋代,学吴派的画家(如武宗元、刘松年等)如何将吴道子的写实精神融入院体画的精微刻画中,使其更贴近世俗审美。在元代,虽然强调文人写意,但吴道子在结构和气势上的成就依然被视为士人画家必须研习的基础功课。 特别是,本书关注到“画圣”这一称号的形成过程,探讨了后世文人(如米芾、董其昌等)如何评价吴道子,以及这种评价如何反过来巩固了他在中国美术史上的地位。它不仅仅是一位画家的传记,更是一部探讨中国人物画“法度”与“变法”的学术专著。 本书特色: 图版丰富: 采用高精度影印和高清细节图,辅以当代修复专家的分析图例。 文献考证严谨: 结合《历代名画记》、《唐朝名画录》等一手史料,还原历史场景。 技法可视化: 通过对比分析,直观展示吴派线条与早期或同期画家的区别。 目标读者: 艺术史学者、中国人物画专业学生、对唐代文化及绘画史感兴趣的广大爱好者。 --- 问道山水:宋代米芾与“意笔”山水画的兴起 第二卷:从“界画”到“写意”的哲学转向 图书简介 《问道山水:宋代米芾与“意笔”山水画的兴起》是“览古鉴今”系列的第二卷,焦点集中于北宋末至南宋初的艺术巨子——米芾(米襄阳)。本书旨在超越传统上对米芾作为“收藏家”和“书法家”的片面认知,深入挖掘他作为山水画家,特别是“意笔”山水画开创者的独特历史地位及其对后世文人画体系的奠基性贡献。 第一部分:宋徽宗时代的艺术悖论与米芾的立场 本书首先回顾了宋徽宗赵佶时期院体画的辉煌与局限。在皇家对“格律”和“逼真”追求达到极致的同时,士大夫阶层对僵化的院体风格开始感到厌倦。米芾正是在这种艺术思潮的张力中,明确提出了“刷‘界画’不如学晋唐,学画‘山水’必师荆浩、关仝”的观点。 本部分详细分析了米芾对早期五代山水大师(荆浩、关仝、李成)的继承,特别是如何吸收其雄阔的气势与结构,但同时又对其程式化的表现手法进行了批判性继承。 第二部分:“刷笔”的革命:米芾“无意”山水的美学内涵 米芾最引人注目的成就在于他开创的“刷笔”画法,这与我们今天所理解的文人写意画有着本质的区别。本书将“米氏点皴”推向学术分析的前台: 1. 点皴的结构与工具: 详细解析米芾如何使用侧锋、侧锋的笔腹甚至笔端的散锋,蘸取浓墨或淡墨,以“点”和“抹”代替传统的“皴法”,创造出烟岚迷蒙、苍茫空灵的意境。这种技法与书法中的“八面出锋”有着深厚的内在联系。 2. “无意”与“有法”的辩证: 探讨米芾“作画不求形似”背后的哲学基础。这并非是真正的漫不经心,而是将物象的本质精神通过高度提炼的主观感受表现出来。本书认为,米芾的“无意”是建立在对传统笔墨技巧的炉火纯青掌握之上的精神自由。 3. “墨戏”的雏形: 分析米芾作品中流露出的洒脱气质,指出其如何为元代水墨文人画中对“墨戏”的推崇埋下了伏笔。 第三部分:米芾对“元四家”的先导作用 本书的后半部分着重论述了米芾在南渡后,其画风如何对南宋乃至元代山水画产生了“先导性”的影响。 尽管米芾生前并未获得如董源、巨然那样被推崇的地位,但他的理念和技法却被后世的文人画家视为“另辟蹊径”的典范。重点分析了米芾对黄公望、倪瓒等“元四家”的影响轨迹: 与董源、巨然的比较: 阐释米芾的“点”法如何避免了董巨系统的程式化,为元代画家提供了另一种处理土石的方法论。 “可游可居”的境界: 论述米芾画作中弥漫的静谧、疏朗之气,完美契合了宋代士大夫阶层对精神家园的渴求,开启了后世山水画重在抒发性灵的传统。 本书特色: 罕见图录: 整合了散见于海内外博物馆的米芾存世墨迹与画作拓片,进行集中对比分析。 跨学科研究: 将米芾的书法理论(如论“刷字”)与其绘画实践进行交叉印证。 深入文本: 细致解读了《宝晋英雴论》中关于绘画的论述,还原其创作心境。 目标读者: 研究宋代艺术史、文人画理论、墨法技法以及对中国书法与绘画交叉领域有兴趣的专业人士。

用户评价

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拿到这本《中国碑帖名品(23):王羲之兰亭序三种》的时候,我心里其实是有点忐忑的。毕竟《兰亭集序》的各种影本、拓本、摹本流传已久,看得人眼花缭乱,很多版本之间的细微差别,对于非专业人士来说,简直像在解一道千古谜题。我个人对书法研究不算深入,但对王羲之的“书圣”地位一直心存敬仰,所以这本书能集中展示三种不同的《兰亭序》版本,对我来说,无疑是一次难得的“近距离接触”。 挑选这三种版本想必也是费了一番心思,我特别留意了它们的装帧和印刷质量,这直接关系到我们能否清晰地辨识出笔法和结体的微妙差异。如果只是粗糙的影印,那很多书法艺术的精髓就白白浪费了。我期待的是那种能让人触摸到纸张纹理、感受到墨迹干湿变化的质感,仿佛能穿越时空,与晋代的笔锋进行一场无声的对话。毕竟,研究碑帖,很大程度上就是在研究“人”——书写者的心境、当时的物质条件,以及他们留给后世的审美标准。这本书的意义,或许就在于它提供了一个绝佳的参照系,让我们得以在纷繁复杂的历史长河中,锚定住这几座最重要的灯塔。我希望它不仅仅是一本图册,更是一本能引发思考、引导探索的钥匙。

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当我翻阅实物时,最直观的感受是印刷的清晰度和色彩的还原度。要知道,碑帖的辨识,很大程度上依赖于墨色的层次感和线条的力度。这次的印刷水平,可以说是相当令人满意。可以看到那些细微的“飞白”之处,墨色从浓到淡的过渡,甚至是纸张的纤维对行笔的影响,都得到了很好的保留。尤其是某些拓本上特有的“锈蚀”痕迹或者“搨印”时的细微模糊,也被如实地记录了下来。这对于我们进行临摹学习来说,简直是福音。临帖,很大程度上就是在模仿古人的“气韵”和“力度控制”。光有字形,没有气息,那终究是形似而神不似。这套书的呈现方式,极大地降低了我们接触到顶尖范本的门槛,使得即便是没有条件去博物馆亲眼目睹真迹的爱好者,也能获得高质量的学习素材。它提供了一种超越地域限制的“在场感”。

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让我感到惊喜的是,这本书在排版布局上显示出极高的专业素养。它没有采用那种将所有字一股脑堆砌在一起的做法,而是根据研究的需要,对重点段落进行了多角度的放大和对比展示。例如,它可能将某一页中的几个关键性字的结构特点,用相邻的小图进行并置对比,用不同程度的缩放比例来辅助观察。这种“可视化”的研究方法,远比生硬地用文字描述“某字结构偏长,某字笔画圆润”要来得直观和有效得多。这种编排体现了编者对书法学习者实际需求的深刻理解——我们需要的不是被告知结论,而是被引导去发现结论的过程。这种细致入微的编排,让整本书的阅读体验从“被动接受”转变为“主动探索”,极大地提升了学习的趣味性和效率。

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这本书的装帧设计,初看之下,透露着一种低调的古典美学。不同于市面上那些花哨的“艺术品”,它更像是图书馆里一本沉静而厚重的工具书,这正合我意。我最关心的,是对于这“三种”底本的选取标准。据我所知,《兰亭序》的版本之多,足以令人望而却步,出版社选择这三个,必然有其深刻的考量。是不是涵盖了从唐摹本到宋拓本的典型代表?还是特意挑选了争议较大、研究价值更高的“异本”?我期待在序言中能看到详尽的考证过程,哪怕是简短的文字介绍,也要清晰地交代每个版本的源流、可靠性以及流传过程中的重要节点。仅仅展示图片是不够的,书法鉴赏是需要理论支撑的。我希望能看到对每个版本中那些关键性字的细节对比分析,比如“之”、“与”、“快”这些字在不同版本中的形态变化,这才是真正能体现“名品”价值的地方。如果能配上一些权威专家的解读,就更完美了,能少走很多弯路。

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总的来说,这本书的价值,已经远远超出了一个简单的“影印本”范畴。它更像是一份精良的、经过深度数字优化的书法研究工具箱。作为一名书法爱好者,我关注的重点始终是“学以致用”。这本书为我提供了一个极为可靠的参照系,让我得以在临习自己的作品时,能够随时对照这三种权威范本,校正自己的用笔习惯。它教会了我,即便是同一篇传世名作,在不同的时间、不同的载体上留下的痕迹,都蕴含着不同的审美价值。这种多元视角的对比,极大地拓宽了我对《兰亭序》艺术高度的理解。我毫不犹豫地会将它推荐给任何一位对魏晋书法、对王羲之研究感兴趣的朋友。它不是一本快速消费的读物,而是需要反复摩挲、细细品味的案头珍品。

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好书!绝对的正版!印刷相当漂亮!

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褚本原本就不清晰,所以印出来效果也一般;最好的还是神龙本。

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经典好帖,书法自学者的必备神器!

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赞!好东西,勤练习

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行书楷模,好好练习。

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很棒

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很喜欢虞世南版的。

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印刷精美,字口清晰,物美价廉绝对值得拥有。

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东西不错,用着正好,商家很用心,做工细致,

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