七天提升绘画技术 绘画基础教程 分享作者常年积累的经验与常实 初步提高绘画者绘画水平 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 阔步专营店

出版社： 天津教育出版社

ISBN：9787530968925

商品编码：11198934185

出版时间：2012-11-01

> > 商品详情

商品基本信息,请以下列介绍为准
商品名称：	七天提升绘画技巧
作者：	(英)斯皮德 著作 康林花,谢彬彬 译者 著 [译者]康林花,谢彬彬 译
译者：	康林花,谢彬彬
市场价：	25元
ISBN号：	9787530968925
出版社：	天津教育出版社
商品类型：	图书

其他参考信息（以实物为准）
装帧：平装	开本：32开	语种：中文
出版时间：2012-11-01	版次：1	页数：222
印刷时间：2012-11-01	印次：1	字数：90.00千字

> > 内容简介

逐渐提升绘画水平，迅速提高绘画技巧 

（生活之甜系列丛书，知识给你力量，科学给你梦想） 

《七天提升绘画技巧》 

适合所有大众的绘画手册 

本书作者为知名作家，书中分享了作者多年绘画生涯中积累的**实用和quan wei的经验，对很多绘画爱好者和学习绘画的学生都有很实际的指导意义。书中运用大量画作举例，使读者更加直观的理解作者所描写的技术要点。

> > 作者简介

    哈罗德·斯皮德（Harold Speed，1872-1957），英国画家，擅长于人物肖像和历史题材方面的油画与水彩画。他在素描、油画方面的教学性书籍，反映了艺术实践的性质和意义，具有重大的指导作用，受到艺术家们的大力推崇。 

    康林花，女，西南政法大学外语系学士，暨南大学语言学及应用语言学硕士。译著有：《鱼类史》（合译）；《成为英雄》；《玩家一号》；《点击：瞬间连接的魔术》等。 

    谢彬彬，女，西南政法大学外语系学士，中英文功底扎实，专职笔译。 

> > 媒体评论

   一本适合所有层次绘画者的绘画书，《生活之甜系列：七天提升绘画技巧》中大量插图分解绘画步骤，清晰讲解、指导绘画技巧。使读者快速提升绘画技巧。 

> > 目录

diYI章  入门 

di二章  素描 

di三章  视觉 

di四章  线条素描 

di五章  块面素描 

di六章  学术派及传统派 

di七章  素描研究 

di八章  线条素描：实际运用 

di九章  韵律 

di十章  韵律：线条的多样性 

di十一章  韵律：线条的统一性 

di十二章  块面的多样性 

di十三章  块面的统一性 

di十四章  平衡 

di十五章  韵律：比例 

di十六章  肖像素描 

di十七章  视觉记忆 

di十八章  过程 

di十九章  材料 

di二十章  结语 

附录

> > 在线试读

    di十三章 

    块面的统一性 

    有人说，很明显线条的统一性也适用于画的整体轮廓，我们已经不必就这个话题再说什么了。值得说一说的是，通过精心安排，色调值的韵律美所赋予一幅画的统一性这一特别品质。 

    从光线和氛围的不同角度来看物体相对色度值的改变，可以发现这一改变是无穷无尽、变化多端的。这是对光线和氛围的特别研究。大自然就是一个伟大的艺术大师，她的色调组合总是包含着统一性。她努力用大气将我们美丽的城镇中丑恶的事物遮盖起来，展现给我们*美好的和谐色调，让我们的眼睛大饱眼福。人类亵渎了大自然的空气，通过乌烟来“掩饰”人类对乡村、工业城镇的亵渎。现代艺术中，对色调值的研究已经逐渐消失。 

    大自然中所采撷来的美好，不只是仅有和谐而已。老艺术家们满足于他们画中的一两处色调的精妙安排，而这一两处通常还没有忠实于大自然的外貌，仅仅只是为了画的和谐而和谐。色调处理得很低的天空就是典型例子。很多时期的艺术，绘画中对人体的色调处理得比天空要高，要深，这一点在肖像描绘中仍然可以看到。但只有在强光中，才会如此在大自然中呈现出来，正如在天空的背景下，高高举起你的手的这个场景中可以看到的。可能不符合这一规则的，只有在一片灰黑的暴风云中，你的手必须处在与之相对的、有亮光的天空下，被强光照亮才可以。 

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......

笔触间的奇幻旅程：探索数字艺术的无限可能 一本关于数字插画、概念设计与视觉叙事的深度指南 作者：[此处留空，或使用一个与原书作者风格不符的笔名，例如：艾薇儿·格雷] --- 导言：超越基础，直抵创造力的核心 本书并非一本旨在教授您如何握笔或理解透视的入门手册。如果您已经掌握了素描的基本功、了解了色彩理论的初步框架，并且渴望将这些知识应用于当今最前沿的数字创作领域——无论是商业插画、游戏资产开发，还是动态影像的视觉设计——那么，您手中的这本书将是为您量身打造的进阶阶梯。 《笔触间的奇幻旅程》聚焦于数字媒介的独特优势以及如何将传统艺术思维转化为高效的数字工作流程。我们深入探讨的，是如何在Photoshop、Procreate或Substance Painter等软件中，不仅仅是“画图”，而是“构建世界”和“讲述故事”。 我们将以一种高度实战和批判性的视角，剖析优秀数字作品背后的思维结构，帮助读者从“能画”跨越到“能设计”和“能表达”。 --- 第一部分：数字工具的深度解构与效率革命（第1章 - 第5章） 本部分旨在帮助读者彻底掌握现代数字绘画环境的复杂性，实现创作效率的指数级提升。我们不会停留在软件界面的简单介绍，而是深入挖掘工具背后的逻辑和高级应用技巧。 第1章：工作区重塑与非线性流程管理 自定义笔刷引擎的哲学构建： 如何根据不同材质（如湿润的皮肤、粗糙的岩石、飘逸的布料）设计具有生命力的自定义笔刷，而非仅仅下载预设。探究笔刷动态、形状抖动与纹理叠加的深层交互。 色彩空间的战略运用： 从sRGB到P3广色域的转换对最终输出的影响。探讨色彩管理在跨平台项目中的必要性，以及如何利用LUTs（查找表）进行风格预设和快速色彩校正。 图层组的架构艺术： 建立可扩展、易于修改的项目文件结构。讲解“非破坏性工作流程”的实践，如何利用智能对象、混合模式的精确组合，确保项目在后期迭代中依然保持清晰的逻辑链条。 第2章：进阶透视与空间感知的数字操纵 三点透视的高级应用与失真控制： 案例分析如何在狭窄空间内通过“拉伸”和“压缩”透视线来增强戏剧张力，而非仅仅遵循几何规则。 环境氛围的层次构建： 讲解“空气透视”在数字绘画中的精确模拟。如何通过控制对比度、清晰度和色相偏移来模拟远景、中景和近景之间的真实大气影响。 利用3D辅助导入： 介绍如何将Blender或SketchUp模型作为基础草图层导入，实现精确的硬表面结构和光影布局，并探讨如何“绘画覆盖”（Painting Over）这些模型，以保持艺术感而非机械感。 第3章：光影的物理学与叙事性渲染 多重光源下的色温管理： 区分环境光、主光源、补光和轮廓光的色温差异，以及它们如何共同定义场景的情绪。 次表面散射（SSS）与材质的表现力： 专门针对皮肤、蜡烛、玉石等半透明材质，讲解在数字涂层中模拟光线穿透和散射的技巧，以增强真实感和生命力。 高光与反光的动态捕捉： 分析不同材质表面的粗糙度对高光形状的影响，以及如何通过调整图层混合模式来精确模拟金属的反光锐利度和塑料的反光柔和感。 --- 第二部分：风格的提炼与概念的视觉化（第6章 - 第10章） 本部分的核心是超越“画得像”的层面，进入“画得出彩”的阶段。我们将深入探究概念艺术思维和视觉叙事的核心要素。 第6章：从草图到核心概念的效率转化 “粗略但明确”的理念： 介绍如何通过高效率的灰度或单色块练习，快速确定一个概念设计（如角色、载具或建筑）的关键造型和氛围，避免陷入早期细节的泥潭。 造型语言的语境化设计： 探讨如何通过几何形状（圆形、方形、三角形）来传达角色的性格、功能或故事背景，并确保设计语言在整个系列中保持一致性。 视觉冲击点的策略布局： 学习如何运用“引导线”、“焦点区域”和“对比度突变”来确保观众的视线被精准引导至作品的核心信息点。 第7章：动态角色姿态与肢体语言的解剖学重塑 功能性解剖学的应用而非纯粹模仿： 侧重于如何理解肌肉群和骨骼结构如何服务于动作的“意图”，而非僵硬地描摹骨骼图。 动态线条（Line of Action）的极限运用： 探究如何夸张或微妙地调整动态线来表达速度、重量、疲惫或自信等复杂情绪。 服装与道具对动态的反馈： 分析布料褶皱、铠甲接缝和流体如何因角色的动作而产生真实的形变和互动，使角色更具“重量感”和“存在感”。 第8章：复杂环境叙事的构建：世界观的渗透 时间、天气与历史的痕迹： 讲解如何在环境设计中植入“故事时间线”。例如，通过苔藓的生长、风化程度、旧的涂鸦痕迹来暗示一个地点的过去。 微观与宏观的尺度对比： 讨论如何通过在巨大的建筑旁放置一个微小的人物剪影，来瞬间建立史诗般的规模感和观众的代入感。 文化符号的隐藏与植入： 如何在概念设计中，巧妙地使用不同文化的几何母题或象征符号，为作品增添深层的文化解读空间。 --- 第三部分：风格化、商业化与持续迭代（第11章 - 结语） 本部分着眼于如何将个人能力转化为符合行业标准的作品集和可持续的创作实践。 第11章：风格的自我定义与突破同质化 “限制中的自由”：色彩调性的实验： 探讨如何通过严格限制调色板（如仅使用三原色加黑白）来激发新的视觉语言，打破对丰富色彩的依赖。 纹理与笔触的“签名化”： 分析不同艺术家的笔触如何成为他们的视觉签名，并指导读者通过刻意的笔触选择（如清晰的线条、涂抹感、像素化处理）来塑造个人风格的“质感”。 跨媒介的风格迁移： 实践如何从油画、摄影、电影蒙太奇中提取核心视觉元素，并将其成功“翻译”到数字插画中。 第12章：作品集构建与行业标准的应对 视觉叙事的逻辑链： 区别于展示一系列独立的优秀作品，本章侧重于如何将作品组织成具有逻辑推进和清晰主题的“系列”，以满足概念艺术总监的评估需求。 反馈的接收与批判性重构： 提供一套系统性的方法来分析和消化专业反馈，将建设性的批评转化为下一阶段的迭代目标，避免情绪化的修改。 迭代与最终交付的自动化策略： 讲解如何设置批处理脚本和模板，以应对不同分辨率、文件格式（如TIFF、PNG、JPEG）和色彩空间（CMYK准备）的快速转换需求，确保商业流程的高效性。 --- 结语：成为数字艺术的架构师 本书旨在培养的是“数字艺术的架构师”——那些不仅掌握工具，更能用工具来构建复杂视觉体系、精确传达意图的创作者。学习不再是简单的模仿，而是对现有视觉规则的深刻理解，以及在此基础上的创造性颠覆。翻开下一页，准备好将你的想象力，转化为具有行业影响力的视觉资产。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计非常吸引人，封面采用了柔和的莫兰迪色系，搭配着几幅充满力量感的线条速写，立刻就能感受到一种专业又不失亲和力的氛围。内页的纸张质感上乘，那种略带哑光的处理，即便是长时间对着电脑屏幕后的眼睛，看久了也不会觉得过于刺眼，这对于需要长时间沉浸式学习绘画的读者来说，简直是一个福音。我尤其欣赏它在排版上的用心，作者似乎深知初学者的焦虑，所以知识点的划分极为清晰，大量的图例和步骤分解图，让原本抽象的透视、光影概念变得触手可及。比如，在讲解人体比例时，它没有采用枯燥的教条式数字堆砌，而是通过对比古代雕塑与现代人体结构的差异，辅以简单易懂的“黄金分割”小技巧，让人在欣赏艺术史的同时，潜移默化地掌握了核心要领。而且，这本书的开篇并没有急于展示那些炫技的作品，而是耐心地引导读者建立正确的“看”世界的方式，这比单纯的“照着画”要有价值得多，它是在重塑我们的视觉感知系统，为后续的深入学习打下了坚实的地基。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常接地气，完全没有传统教材那种高高在上的说教感。作者的文笔中透露着一股“过来人”的坦诚与幽默，仿佛是一位经验丰富的前辈，坐在你的旁边，一边喝着咖啡，一边跟你分享他多年来在画室里踩过的那些坑。我记得有一段关于色彩搭配的章节，作者用了一个非常形象的比喻，把冷暖色调的平衡比作烹饪中的“盐和糖”的用量，什么时候需要提鲜，什么时候需要中和，描述得深入浅出，让人茅塞顿开。更重要的是，书中反复强调的“错误示范分析”环节，简直是初学者的救星。它会展示一张初学者常犯的错误图，然后详细列出错误点（比如，光源方向不一致、透视变形严重），并提供修改后的版本对比。这种直面问题的勇气和系统的解剖分析，远比单纯的“不要这样做”要有效得多，它教会了我们如何自我诊断，从而真正实现从“模仿”到“创造”的蜕变。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对市面上大多数绘画教程抱持着一种怀疑态度，总觉得它们要么过于偏重理论到让人打瞌睡，要么就是堆砌了太多“大神”的成品图而缺乏实操指导。然而，这本《七天提升绘画技术》却完美地避开了这些陷阱。最让我感到惊喜的是它对于“动态捕捉”这一环节的处理。作者没有直接要求我们去画复杂的运动场景，而是设计了一系列非常巧妙的“热身练习”，比如，要求读者在五分钟内，只用三条线去概括一个正在奔跑的动物或者正在交谈的人的姿态。这种极简主义的训练，迫使我们的大脑快速过滤掉不必要的细节，直击事物的本质和运动的轨迹。这种训练的反馈速度极快，练上几组，你就能明显感觉到自己对“结构感”的把握能力有了质的飞跃。它不是在教你画什么，而是在教你如何用最少的笔墨，表达最丰富的信息，这对于任何想要脱离“画得像”的低级阶段，迈向“画得好”的进阶目标的人来说，都是一剂良药。

评分☆☆☆☆☆

我个人在学习过程中，最重视书籍的系统性和连贯性。很多教程都是零散知识点的集合，学完一个章节，感觉自己像是在“打地鼠”，顾此失彼，很难形成一个完整的知识体系。《七天提升绘画技术》在这方面做得非常出色，它像一条精心编织的脉络，将“观察—理解—表达”这三大核心步骤，用七天的节奏严密地串联起来。第一天的基础练习，看似简单，实则是为接下来的立体感和空间感打下伏笔。而随后的内容，则是在前一天的基础上进行螺旋式上升。特别是当涉及到复杂光影的处理时，作者并没有直接扔出一个复杂的公式，而是先从单体几何体的受光面讲解起，然后逐步过渡到复杂曲面，再到特定材质（如金属、布料）的反光特性。这种层层递进、环环相扣的教学设计，极大地减轻了学习的认知负担，让人在不知不觉中，就完成了从平面思维到立体思维的跨越，整个学习过程充满了流畅感和成就感。

评分☆☆☆☆☆

真正让我对这本书产生深度信赖的，是它对“工具论”的克制态度。很多教程恨不得把市面上所有昂贵的画材都罗列一遍，给人一种“不买这些就画不好”的错觉。但这本书开篇就旗帜鲜明地指出，绘画的核心在于“心手相应”，工具只是媒介。作者用最基础的铅笔和纸张，演示了从排线到素描的全部核心技法，甚至在数字绘画的章节中，也着重强调了软件功能只是辅助，真正的效率提升来源于对笔触力度和速度的精准控制。书中穿插的一些关于如何保持绘画热情的随笔和建议，也显得格外真诚。它不承诺七天之内人人都能成为大师，而是承诺七天后，你将拥有一个更清晰的自我认知、一套更扎实的底层逻辑，以及一套可以让你独立探索下去的“内功心法”。这本书卖的不是技巧，而是一种可持续发展的学习方法论，对于想要长期在绘画领域深耕的爱好者来说，这份投资绝对物超所值。