设计艺术鉴赏第三版13964 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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焦成根 编

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店铺： 清文图书专营店

出版社： 湖南大学出版社

ISBN：9787566713964

商品编码：18374298571

包装：平装

开本：16

出版时间：2017-08-31

正文语种：中文

基本信息

商品名称： 设计艺术鉴赏-(第3版)出版社： 湖南大学出版社出版时间：2017-08-01作者：焦成根译者：开本： 32开定价： 48.00页数：印次： 1ISBN号：9787566713964商品类型：图书版次： 1

穿越时空的艺术之旅：西方艺术史纲要 一、引言：何为艺术，何为历史？ 艺术，是人类情感、思想与精神世界的具象化表达，它如同历史的镜子，映照着不同时代的面貌、信仰与生活。而艺术史，则是对这条漫长、曲折而又辉煌的艺术演进之路的梳理与解读。本书并非仅仅罗列作品与年代，而是力求构建一个宏大而细致的叙事框架，带领读者穿越数千年光阴，探访从史前洞穴壁画到当代装置艺术的每一个关键节点。我们将聚焦于艺术的语境——它诞生的社会、政治、宗教背景，以及它如何反过来影响和塑造了人类文明的进程。 本书将艺术史视为一场持续的对话，探讨不同文化、不同地域的艺术家是如何继承、反叛、融合前人智慧的。我们不仅关注“谁画了什么”，更深入探究“为何如此描绘”以及“这幅作品对当时的观众意味着什么”。 二、史前与古代文明的萌芽：秩序的建立与神性的摹写 我们的旅程始于人类文明的曙光——史前艺术。从法国拉斯科洞穴中栩栩如生的野牛群，到巨石阵的神秘排列，这些早期的创作无不透露出对生存的渴望、对自然的敬畏，以及对某种超自然力量的初步想象。它们是人类认知世界的最早尝试。 随后，我们将进入美索不达米亚和古埃及的辉煌时代。在尼罗河畔，艺术是永恒与秩序的象征。法老的雕像，其严格的比例和不变的姿态，体现了“马特”（Ma'at，宇宙秩序）的理念；宏伟的金字塔和神庙，展示了人类组织大规模劳动力、挑战永恒的非凡能力。在两河流域，楔形文字的出现不仅是书写的革命，其浮雕更记载了战争的荣耀与法律的威严，如《汉谟拉比法典》的石碑。 三、古典时代的理性与理想：希腊的求索与罗马的实用 古希腊艺术是西方美学思想的基石。他们对“人”的关注，达到了前所未有的高度。从早期的古风时期到古典盛期，雕塑家们（如菲狄亚斯、波留克列特斯）不断追求理想化的人体——完美的比例、和谐的结构，体现了对理性、德性和“黄金分割”的信仰。帕特农神庙，以其精妙的视错觉矫正技术，成为古典建筑的典范。 古罗马继承了希腊的艺术形式，但注入了更强烈的实用性与帝国精神。他们的贡献在于建筑（如万神殿的宏伟穹顶、高效的引水渠）和对肖像艺术的精湛掌握。罗马的雕塑追求纪实性，记录了历代皇帝的功绩与风采，成为政治宣传的有力工具。 四、中世纪的信仰之光：从拜占庭的辉煌到哥特式的飞升 随着罗马帝国的衰落，欧洲进入了中世纪。艺术的主题从对人体的赞美转向了对神性的绝对服从。 早期基督教与拜占庭艺术，以其华丽的马赛克、平面化的形象和象征性的色彩，构筑了一个远离尘世的、神圣的宇宙。君士坦丁堡的圣索菲亚大教堂，是这一时期建筑奇迹的象征。 罗马式艺术（约1000-1200年）则伴随着修道院的兴盛，其特点是厚重的墙体、半圆拱和朴拙但有力的雕塑装饰，旨在教化不识字的信徒。 随后，哥特式艺术（12世纪至15世纪）迎来了技术与精神的双重飞跃。巴黎圣母院和沙特尔大教堂，以其尖拱、飞扶壁和巨大的彩色玻璃窗，将教堂内部染上天堂般的光芒。雕塑逐渐脱离墙面，人物形象开始拥有更自然的情感流露，预示着人文主义的回归。 五、文艺复兴的觉醒：重返人文与科学的结合 文艺复兴（14世纪至16世纪）是西方艺术史上最伟大的转折点之一。在意大利，人们重新发现了古典的智慧，将“人”置于宇宙的中心。 早期文艺复兴（佛罗伦萨），马萨乔运用透视法（线性透视），为二维画面带来了三维空间的幻觉。 盛期文艺复兴（15世纪末至16世纪初），是天才辈出的黄金时代。达·芬奇以其对人体解剖学的精通和“晕染法”的运用，创造了《蒙娜丽莎》的神秘微笑。《最后的晚餐》则体现了完美的构图和情感的戏剧性张力。米开朗基罗的雕塑《大卫》和西斯廷教堂的穹顶壁画，展现了人类形体的力量与精神的崇高。拉斐尔则以其和谐的构图和优雅的笔触，诠释了理想化的美。 威尼斯画派则在色彩运用上独树一帜，提香的作品充满了感性的光影和丰富的肌理。 六、巴洛克与洛可可的激情与享乐：戏剧性与装饰的张力 随着宗教改革与反宗教改革的浪潮，巴洛克艺术（17世纪）应运而生。它以强烈的动态、光影对比（明暗对照法）和情感的极致表达为特征，旨在震撼人心、激发虔诚或宣扬权力。卡拉瓦乔的现实主义与戏剧性光束，贝尼尼在雕塑中捕捉到的瞬间永恒（如《圣特蕾莎的狂喜》），以及鲁本斯作品中饱满的生命力，都是这一时期的代表。在北方，伦勃朗则将巴洛克的内心光芒推向了新的高度。 18世纪的洛可可艺术，是对巴洛克宏大叙事的消解，转而追求精致、轻盈、柔美和感官的愉悦。法国的沃托和布歇，用粉嫩的色彩和嬉戏的场景，描绘了贵族阶层优雅而空虚的享乐生活。 七、启蒙与革命的呼唤：新古典主义与浪漫主义的对立 18世纪末，对罗马和希腊的重新考古发掘，催生了新古典主义。它强调理性、清晰的线条、道德的严肃性，是对洛可可颓废的反动，也是法国大革命的视觉语言（雅克-路易·大卫）。 紧随其后的是浪漫主义（19世纪初）。如果说新古典主义相信理性的普适性，那么浪漫主义则拥抱情感、直觉、想象力、异域风情和对宏伟自然的敬畏。泰奥多尔·籍里柯的《梅杜莎之筏》、德拉克洛瓦的色彩激情，以及英国透纳对光与空气的迷恋，共同构建了一个充满英雄主义和个人体验的艺术世界。 八、现代性的开端：从写实到光影的革命 19世纪中叶，工业革命和城市化深刻地改变了社会结构，艺术也开始脱离学院派的桎梏，直面当代生活。 现实主义（库尔贝）坚持描绘未经美化的劳动者与日常生活。 印象派（莫奈、雷诺阿）则是一场革命性的视觉实验，他们将画架搬到户外，关注光线和色彩在特定瞬间对物体表面的影响，捕捉“印象”。 后印象派（塞尚、梵高、高更）则在印象派的基础上，开始探索更深层次的结构、情感表达和象征意义，为20世纪的现代艺术铺平了道路。塞尚对形体的分解预示了立体主义，梵高强烈的主观色彩表达了表现主义的先声。 九、20世纪的爆发：流派的多元化与对传统的彻底颠覆 20世纪是艺术史上最动荡、最多产的时期。随着摄影的发明解放了绘画的再现功能，艺术家们开始探索艺术的本质。 野兽派（马蒂斯）以大胆、非自然的色彩表达情感；表现主义（蒙克、德国桥社）将内心的焦虑与痛苦外化；立体主义（毕加索、布拉克）彻底打破了文艺复兴以来的单点透视法，从多个角度重构对象。 抽象艺术的诞生（康定斯基）标志着艺术彻底脱离对可见世界的描摹，转向纯粹的几何形式和色彩语言。 战争的创伤催生了达达主义的反理性、反艺术的嘲讽，以及超现实主义（达利、马格里特）对潜意识和梦境的深入挖掘。 二战后，艺术中心转移至美国，抽象表现主义（波洛克）以“行动绘画”强调创作过程本身的重要性。随后的波普艺术（安迪·沃霍尔）则以消费主义图像，对艺术的精英性发起了最后一次冲击。 十、当代艺术的边界：概念、媒介与身份的探索 进入后现代时期，艺术的定义变得模糊而开放。极简主义将作品还原到最基础的几何元素；观念艺术则将思想置于作品的物质形态之上；大地艺术、行为艺术、装置艺术的兴起，拓宽了艺术的疆域，让美术馆以外的空间也成为创作的画布。当代艺术不再寻求统一的风格，而是聚焦于身份政治、全球化、科技伦理以及社会批判等议题，持续挑战着观众对“什么是艺术”的固有认知。 结语：永恒的追问 通过对这一脉络的梳理，我们可以看到，艺术史并非线性进步，而是一系列创造性的爆发与对既有规则的审视。从洞穴的呼吸到数字的编码，艺术始终是人类面对世界时，所能给出的最深刻、最直观的回答。本书旨在提供一个坚实的框架，鼓励读者带着批判性的眼光，继续探索这片永无止境的视觉与思想的疆域。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的学术严谨性令人印象深刻，但更让我惊喜的是它的“实践指导价值”。我原本以为鉴赏类的书籍更多是回顾历史，但这本书在每一部分的结尾处，似乎都在对我这位读者发出邀请，鼓励我将所学到的理念应用到实际的观察和思考中去。比如，它在讲解了某种构图原则后，紧接着就会给出一系列让你“试着去辨认”的练习引导，虽然没有标准答案，但这种引导本身就极大地激发了读者的主动探索欲。我发现自己开始不自觉地用书中提到的术语去审视身边的广告牌、室内装饰甚至是网页界面，那种“看透”了事物本质的快感，是单纯阅读娱乐读物无法比拟的。它成功地将理论的学习转化为一种持续性的、富有成效的思维习惯的培养。

评分☆☆☆☆☆

我不得不赞扬作者在选取案例时的独到眼光和广博的知识面。这本书所涵盖的范围，远超我原本的预期。它没有仅仅停留在我们耳熟能详的那些“大师级”作品上，而是巧妙地穿插了许多在特定时期、特定文化背景下具有里程碑意义的“冷门”但极具启发性的设计实例。每一次翻阅，都有新的惊喜——原来一个看似简单的日用品包装，其背后的理念竟然能牵扯出那么深远的社会思潮。更难得的是，作者在分析这些案例时，并不是高高在上地评判，而是深入到设计师的创作意图、材料限制以及最终受众的心理反馈等多个维度进行剖析，使得鉴赏过程变得异常丰满和立体。这让我意识到，好的设计鉴赏，绝非主观的好恶，而是一门严谨的、多学科交叉的学问。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格充满了对“美学”的虔诚与热爱，字里行间都流淌着一种沉静而又热切的激情。作者的文字功力极高，尤其善于运用富有画面感的比喻来描绘那些难以言喻的审美体验。例如，在描述某种色彩搭配带来的心理暗示时，他用到的词汇精准而富有诗意，仿佛能让文字本身就带上色彩的温度。阅读过程中，我能真切地感受到作者对于设计这一领域的深厚情感，这不是一份敷衍了事的教学资料，而更像是一份饱含心血的“心法秘籍”。这种真诚的感染力，使得原本可能略显枯燥的理论知识也变得生动起来，让人愿意一页一页地沉浸其中，享受这场关于视觉智慧的饕餮盛宴。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，那种沉稳又不失活力的色彩搭配，一下子就抓住了我的眼球。翻开内页，纸张的质感也让人爱不释手，印刷的清晰度和色彩的还原度都达到了极高的水准，这对于一本关乎“设计艺术”的书来说，至关重要。我尤其欣赏作者在排版上所下的功夫，文字和图片的布局疏密有致，留白的处理恰到好处，读起来丝毫没有拥挤感，反而有一种呼吸的从容。那些经典的案例配图，选择的角度和清晰度都非常讲究，仿佛能透过纸张感受到作品本身的材质和光影变化。这不仅仅是一本知识的载体，更像是一件精心制作的艺术品，让人在翻阅的过程中，就能提前进入到对美的感知和体验之中。每一次拿起它，都像是在进行一次安静的、充满期待的仪式，从触感到视觉，都传递出一种对设计专业性的尊重。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事方式简直是教科书级别的流畅与启发性。它没有那种生硬的、堆砌理论的枯燥感，而是像一位经验丰富的大师，循循善诱地带着你进入设计的深层世界。作者似乎深谙如何将复杂的艺术史脉络和抽象的设计原理，转化为普通读者也能理解的生动故事。我特别喜欢它在阐述不同设计流派的演变时所采用的“对比渗透法”，不是简单地罗列A和B，而是巧妙地展示了A如何影响了C，以及C又是如何反作用于B的，这种动态的、互文式的讲解，让我对设计的历史发展有了更立体、更具深度的认识。读到某些章节时，甚至会产生一种豁然开朗的感觉，原来看似毫不相关的设计元素，背后竟然有着如此精妙的逻辑联系。它更像是一把钥匙，打开了理解当代设计语言的一扇大门。