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Patrick Atkinson & 著

图书标签:

• 戏剧设计
• 二十世纪
• 舞台艺术
• 设计史
• 视觉文化
• 表演艺术
• 舞台美术
• 灯光设计
• 服装设计
• 布景设计

店铺： 澜瑞外文Lanree图书专营店

出版社： Greenwood

ISBN：9780313297014

商品编码：1130335957

包装：精装

外文名称：Theatrical Design in t...

出版时间：1996-06-21

页数：488

正文语种：英语

图书基本信息

Theatrical Design in the Twentieth Century: An Index to Photographic Reproductions of Scenic Designs
作者： Patrick Atkinson;
ISBN13： 9780313297014
类型： 精装(精装书)
语种： 英语（English）
出版日期： 1996-06-21
出版社： Greenwood
页数： 488
重量（克）： 852
尺寸： 24.2824 x 16.256 x 2.7432 cm

商品简介

Pictorial references are essential to illustrate any discussion of theatrical design. There are resources that locate original scenic designs, but access to original work is often restricted. The easiest way for most people to research stage designs is to consult photographic reproductions, but finding photographs from hundreds--if not thousands--of sources requires much time and effort. This index of 7000 productions by more than 2000 scenic designers focuses on photographs of 20th-century sets, renderings, and models of theatre and opera productions appearing in 114 selected books and journals likely to be held by most research libraries.

The selected works include books about theatre history, scenic design and stagecraft, as well as design exhibition catalogs and works on specific designers or types of productions. The listing of these sources provides publication information with each work assigned a bibliographic code. The bulk of the volume is an index of productions with entries arranged alphabetically by play title. Each entry provides subentries for productions with which individual designers were involved, along with citations for the works in which photographs of the production appear. A separate index lists the designers and their productions.

舞台之光与形塑：跨越世纪的视觉叙事革新 导言：剧场作为时代的镜子 剧场，自古以来便是人类社会精神与物质生活交汇的熔炉。它不仅是故事的载体，更是时代思潮、技术进步与审美变迁最直观的物质化呈现。本书旨在探究二十世纪以来，舞台设计领域如何从传统匠艺的窠臼中挣脱而出，成为一股与戏剧文本、表演理论乃至社会政治紧密交织的独立艺术力量。我们关注的焦点，并非对既有剧场史的简单罗列，而是深入剖析那些定义了新世纪美学范式、颠覆了观众感知经验、并重塑了空间与时间关系的革命性实践。 二十世纪是一个剧烈动荡、科技飞速发展的时代。两次世界大战、工业化的高峰、大众传媒的兴起，以及精神分析、结构主义等哲学思潮的涌现，共同构筑了一个充满不确定性与实验精神的文化土壤。舞台设计不再满足于为戏剧提供一个美观的“背景板”，它被赋予了阐释文本、建构意义、甚至挑战传统叙事结构的使命。本书将围绕三大核心脉络展开叙述：现代主义的结构性革命、后现代的解构与重塑，以及技术介入带来的空间幻觉。 --- 第一部分：现代主义的诞生与空间的解放（1900-1945） 本部分聚焦于从十九世纪末的象征主义萌芽，到二十世纪上半叶现代主义思潮如何彻底清洗剧场的陈旧装饰，寻求一种更具内在逻辑和象征力量的舞台语汇。 一、摆脱“画框”的束缚：从自然主义到象征主义的过渡 十九世纪末，自然主义追求极致的“第四堵墙”错觉，将舞台视为现实的精确复制。然而，这种模仿的疲态很快被象征主义者所挑战。阿德尔贝格（Adolphe Appia）和克雷格（Edward Gordon Craig）是这场变革的先驱。他们摒弃了布景的繁复，倡导“舞台的至高艺术”，强调利用光线、体量和垂直性来表达角色的内在精神状态。克雷格提出的“超形体”（Über-Marionette）概念，虽然是对演员的批判，却深刻影响了舞台元素的抽象化处理——布景本身应具备雕塑般的独立性和节奏感。我们细致分析Appia在瓦格纳歌剧设计中如何运用倾斜的平台和不同高度的光照，来创造“有生命的建筑”。 二、构成主义与至上主义：俄罗斯的剧场爆炸 十月革命后的苏俄，成为舞台实验最为激进的温床。构成主义者将舞台视为一个动态的、可建造的工厂车间。马列维奇（Kazimir Malevich）的影响渗透到剧场，艺术家如波波夫（Aleksandr Popov）和史蒂芬诺娃（Varvara Stepanova）将戏剧空间转化为纯粹的几何形体、斜线和原色。他们的设计不再服务于叙事，而是服务于革命精神的建构，强调机械的效率与抽象的符号力量。本书将对比这种“功能至上”的设计哲学与同时期西欧对个体情感表达的关注，探讨意识形态如何直接塑造空间形态。 三、包豪斯的影响与功能性美学 在德国，包豪斯学院对设计界的影响是全面的。奥斯卡·施莱默（Oskar Schlemmer）在《三元芭蕾》中的实践，将人体、空间和材料的比例关系提升到纯粹的数学层面。舞台被视为一个可测量的、可重组的结构。这种对“形式服从于功能”的信念，不仅改变了布景的制作方式，也影响了服装设计如何解放演员的肢体运动。我们还将探讨莱昂哈德·巴萨尔盖（Léonor Fini）等艺术家如何将超现实主义的梦境逻辑，巧妙地嵌入到剧场的边界之内，展现出在理性结构下涌动的非理性暗流。 --- 第二部分：技术革新与观演关系的重塑（1945-1970） 二战后，材料科学、灯光技术和舞台机械的飞跃，为设计师提供了前所未有的工具箱。剧场开始积极应对大众文化对沉浸式体验的需求，并对传统的“观看”模式发起挑战。 一、从“幻觉”到“物质”：舞台设计的材料革命 随着聚酯纤维、金属网格、新型投影技术（如幻灯片的多重叠加）的普及，舞台材料的选择不再局限于木材和织物。约翰·伯奇（John Bury）和鲁道夫·哈珀（Rudolf Haper）等设计师开始探索材料的本质属性——透明度、反射性、重量感——来构建具有自身生命力的空间。灯光不再仅仅是照明工具，它成为了结构本身，能够消解或凸显物质的界限。这种对“真实材料的真实处理”，取代了早期现代主义的抽象符号。 二、体验式剧场与环境设计（Environmental Theatre） 新兴的剧团，如美国的“豆腐工厂”（The Living Theatre）和欧洲的先锋团体，开始拆除观众席与舞台之间的物理隔阂。环境剧场（Environmental Theatre）的核心理念是将观众纳入到表演空间之中，模糊了界限，使观看成为一种身体参与。我们分析彼得·布鲁克（Peter Brook）在“国际剧场研究中心”的实践，他如何利用最简陋的材料（如裸露的砖墙或沙地），迫使设计回归到“空间与人的关系”这一最基本的问题上。舞台不再是一个“盒子”，而是一个可供探索的“场域”。 三、光影的控制与心理景观的营造 在欧洲，特别是受阿托（Antonin Artaud）“残酷戏剧”理论影响的设计中，灯光成为主要的叙事工具。它不仅定义了焦点，更制造了观众的心理张力。设计师学会了如何使用饱和度极低的蓝光或高对比度的侧光，来表达疏离感、恐惧或潜意识的涌动。这种精确计算的“光照情绪学”，标志着灯光设计独立学科地位的正式确立。 --- 第三部分：解构与多元化：后现代的舞台图景（1970至今） 七十年代以后，剧场设计进入了后现代的多元探索期，对“原创性”的迷恋被打破，挪用、拼贴、技术与历史的混合成为常态。 一、机械的复兴与舞台技术的集成 随着计算机辅助设计（CAD）和更复杂的液压、气动系统的应用，舞台机械不再是隐藏在幕后的秘密，而是成为表演本身的一部分。例如，一些先锋歌剧制作中，旋转平台和升降装置不再仅仅是转场工具，而是象征着命运的不可抗拒或社会阶层的固化。我们探讨如何将“剧场装置”（Theatre-as-Apparatus）的理念付诸实践，让机械的精确运动与人类行为的随机性形成戏剧性的张力。 二、文本的消亡与视觉的霸权 在某些前沿制作中，传统戏剧文本被大幅削减或完全摒弃。舞台设计师与多媒体艺术家合作，将投影、视频装置、实时数据流直接嵌入到舞台空间中。布景开始模仿“信息过载”的城市景观，或是模拟虚拟现实的界面。这种对视觉冲击力的强调，反映了社会对屏幕文化日益增长的依赖性。我们对比了在纯粹的装置艺术和高度技术化的剧场之间，设计师如何平衡对空间叙事深度与即时感官满足的需求。 三、历史的回归与挪用（Appropriation） 后现代主义者热衷于从历史中提取元素，进行碎片化的重组。不再是单纯的“复古”，而是对历史风格的戏仿、批判或戏谑性并置。一个舞台可能同时出现洛可可式的家具、工业时代的金属结构和赛博朋克的霓虹灯管。这种“混合媒介”的设计策略，挑战了单一文化叙事的权威性，反映了当代人对历史的多重解读和不确定身份认同。 --- 结论：空间的持续对话 二十世纪的舞台设计史，是一部不断在“装饰与功能”、“幻觉与真实”、“实体与符号”之间往复拉锯的历史。从Appia对纯粹光影的追求，到构成主义对几何的信仰，再到环境剧场对空间界限的消融，直至今日数字媒介对物质空间的渗透，舞台始终是捕捉时代焦虑、实验新的感知模式的最前沿阵地。本书的最终目的，是提供一个批判性的视角，帮助读者理解这些视觉革新如何超越单纯的美学选择，成为塑造现代人观看世界方式的关键力量。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我是在一个朋友的强烈推荐下才开始阅读这本厚重的作品的，起初有些被其庞大的篇幅和密集的文本量劝退。但一旦进入状态，我发现它有着一种奇特的魔力，让你不由自主地想要了解下一个十年，舞台设计又将如何挣脱既有的束缚。这本书的结构非常清晰，它以时间为轴线，巧妙地穿插了对几位“颠覆性”设计师的深度访谈摘录，使得静态的历史分析有了鲜活的声音。我特别留意到，作者在探讨二战后“布莱希特式”疏离效果的舞台处理时，其分析角度非常新颖，他没有过多纠结于政治意图，而是集中探讨了如何通过非自然比例的舞台元素和非对称的照明来达成“去魅”的效果。这让我对如何平衡史实和审美批判有了更深一层的理解。这本书的排版设计也相当用心，章节标题的字体选择复古而又不失现代感，保证了长时间阅读的视觉舒适度，这对于一本参考书来说，是至关重要的加分项。

评分☆☆☆☆☆

我抱着寻找“革命性”思潮的期待翻开了这本书，结果发现它更像是一部极其严谨的编年史，用一种近乎冷峻的学术态度梳理了过去一百年间舞台美学的重要转折点。它的叙事节奏沉稳而扎实，缺乏那种煽动人心的故事性，但其信息的密度和广度绝对值得称赞。书中对不同流派美学主张的比较分析，尤其是在表现主义与现实主义舞台语言的交锋部分，做得非常到位。作者没有简单地站队，而是客观地呈现了两者在特定历史时期如何相互渗透、相互批判，最终共同推动了戏剧视觉语言的发展。我发现自己常常需要停下来，对照着书后的索引去查阅那些被提及的设计师和剧团，因为书中提供的引用链条非常完整。对于希望系统性构建自己理论框架的研究生来说，这本书的价值无可估量。它不是一本用来激发灵感的小册子，而是一块需要耐心挖掘的矿石，需要读者投入时间去提炼其中的真知灼见。唯一让我感到遗憾的是，书中对非西方戏剧舞台实践的讨论相对薄弱，似乎将焦点完全锁定在了西方剧场的演进路径上。

评分☆☆☆☆☆

对于那些期望从这本书中找到“一招鲜吃遍天”的舞台设计秘笈的人来说，我必须诚实地说，他们可能会失望。这本书的价值恰恰在于其拒绝提供廉价答案。它像一面多棱镜，折射出二十世纪舞台艺术的复杂性、矛盾性和不断自我否定的螺旋式上升过程。书中对不同时期剧院建筑对设计理念的限制与反作用力进行了深入探讨，这一点很少有同类书籍能够涉及得如此透彻。比如，它分析了在特定历史时期，受限于剧院的深度和高度，设计师是如何通过错觉和对垂直空间的极端利用来弥补物理条件的不足，这种“以退为进”的智慧令人折服。阅读过程中，我常常感觉到自己正在参与一场跨越时空的对话，与那些伟大的先行者们一同思考，如何在有限的几平方米的舞台上，构建无限的精神世界。它真正培养的不是技巧，而是洞察力，一种能够穿透表象、直抵戏剧核心的敏锐直觉。

评分☆☆☆☆☆

这部作品简直是一场视觉盛宴，对于任何对舞台布景和灯光设计抱有热情的人来说，都是一本不容错过的宝典。作者的叙事如同一个经验丰富的剧院设计师在娓娓道来，他不仅展示了那些令人叹为观止的实景照片和精美手绘图，更深入挖掘了每一件作品背后的哲学思考与技术挑战。我尤其欣赏它对材料选择和空间构建的细致剖析，比如，书中对如何利用特定织物在不同光照下产生的动态阴影效果进行了详尽的图解分析，这远超出了普通设计手册的范畴，更像是一部关于光影哲学的入门指南。读完后，我感觉自己对“舞台空间”的理解被彻底重塑了，它不再仅仅是演员站立的背景板，而是一个与表演者共同呼吸、共同叙事的有机生命体。尽管有些篇章涉及大量的技术术语，但作者巧妙地穿插了大量的历史案例作为印证，使得复杂的理论变得触手可及，即便是初涉此领域的读者也能领略其中的精妙。这本书的装帧本身也体现了极高的专业水准，厚实的纸张和精准的色彩还原，使得那些跨页的舞美设计图能以最饱满的状态呈现出来，让人仿佛能闻到油彩和木屑的气味。

评分☆☆☆☆☆

这本书读起来，感觉就像是走进了一个老剧院的道具仓库，里面堆满了被时间打磨过的珍贵物件，每一件都承载着一个黄金时代的记忆。我最喜欢的是其中关于“道具的象征意义”这一章节的论述。作者没有将道具仅仅视为功能性的附属品，而是将其提升到了叙事核心的高度。他用几个经典的俄国先锋派戏剧案例，清晰地展示了如何通过一个精心设计的、看似不合时宜的家具，来瞬间瓦解观众对现实的认知，从而将戏剧推向更深层次的寓言空间。这种对细节的执着，体现了作者深厚的剧场经验。此外，书中对技术革新的态度也值得玩味。它既赞扬了新技术带来的可能性，比如对机械舞台和复杂投影系统的应用，但也保持了一种健康的警惕性，不断提醒我们，无论技术如何进步，最终服务对象永远是故事的情感张力和人物的内心世界。整本书的文笔流畅，没有那种学院派的僵硬感，更像是前辈对后辈的谆谆教诲，充满了人文的温度。