中国传统雕塑的复制与当代中国美术教育体系的建立系列丛书：造形本源 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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毕建勋 著

图书标签:

• 中国雕塑
• 传统雕塑
• 美术教育
• 高等教育
• 艺术史
• 造形艺术
• 文化传承
• 艺术复制
• 当代艺术
• 雕塑教学

出版社： 社会科学文献出版社

ISBN：9787509752166

版次：1

商品编码：11360815

包装：平装

丛书名： 中国传统雕塑的复制与当代中国美术教育体系的建立系列丛书

开本：16开

出版时间：2013-11-01

用纸：胶版纸

页数：347

字数：384000

正文语种：中文

内容简介

　　《中国传统雕塑的复制与当代中国美术教育体系的建立系列丛书：造形本源》是对中国画造形本源问题的研究。中国画造形的本源问题，即中国画造形从哪里来的问题，在本质上是一种“形而上”性质的问题。“形而上者谓之道”，所以，中国画造形的本源问题，亦即中国传统哲学中的“道”的范畴及与道所相关范畴的关系问题，在这个意义上，《造形本源》是一种带有哲学性质的画理研究。《中国传统雕塑的复制与当代中国美术教育体系的建立系列丛书：造形本源》关于中国画造形本源问题的研究，不但能够从根本上带动中国画造形本体问题的研究，而且，对于中国画“画道”的建立，具有关键性与核心性的价值。

作者简介

　　毕建勋，1962年冬季出生，属虎。满族，长于东北，现居北京。代表画作：《子菲鱼》《打人》《黄河》《东方红》《永远和你在一起》《不会离开你》《以身许国图》《以身许国图全图》《面对面》《中国，一路平安》《改革之年》《一望无际》《英俊的曼日玛青年》《惊蛰》《青山永在》《云栖之乡》《魂兮归来》等。理论著作及论文有专著《万象之根——中国画基本原理及方法》，论文集《毕建勋论中国人物画创作》，论文《笔墨原理》《线》《中国画造形基本原理》《论水墨人物画及其造型问题》《水墨人物画画种备忘录》《意象观察与意象观察的方法》《中国画色彩与墨色关系——中国画色彩理论现状》等。

内页插图

目录

引言——以中国的方式理解中国画造形本源问题

第一章 中国画造形
第一节 中国画的“形”与“造形”
一 形
二 造形
第二节 以造形为本体的原旨中国画
第三节 中国画造形及造形本源问题的研究现状
第四节 “短板理论”
第五节 加强中国画造形学研究的意义

第二章 造形本源问题的提出
第一节 一源论
第二节 二分法
一 西方与中国的二分法
二 正反两面的二分法
第三节 以二分法理解中国画观察方法的障碍

第三章 中国画造形本源
第一节 物源
第二节 心源
第三节 道源
第四节 气源

第四章 中国画造形本源的三合之道
第一节 三分法与两脉络
第二节 格物穷理脉络
一 万物一源
二 万物一体
三 万物皆有其理
四 格物穷天理
五 格物穷理一脉需要进一步完善之处
第三节 尽性知天脉络
一 心与道心
二 格心尽良知
三 尽性知天一脉需要进一步完善之处
第四节 三合之道
一屈原的阴阳三合
二 佛家的“圆伊说”与道家的“三一”说
三 张载的“天拳”
四 庞朴的一分为三
五 建立三合之道
六 三合之道的性质
七 三合之道的关系类型
八 在三合之道结构中兼容：分法

第五章 一体之仁与天人合一
第一节 一体之仁
一 合内外
二 一体之仁
三 胜物而不伤
第二节 天人合一
结语
参考文献
索引
后记

精彩书摘

　　但从阴阳两极之“二”向道之“一”的超越过程，却比由“万”到“二”的超越过程远为艰难。其中最常见的一种障碍是，停留在“二元”对立的怪圈之中，认为天地间的存在只有“阴”与“阳”二者，并将双方截然对立起来，忽视了在对立之外与之中的第三方“一”的存在。因而，大多数人的体道心路，都是在这终点前的一站就下了车。近代学术界，一方面以“二分法”方式与“矛盾”的观念来解说中国传统的“阴阳”观，而另一方面，又往往不能不正视中国传统阴阳哲学思想中所具有的调和特征，因而催生了一种“斗争哲学”。这不是中国传统中的“阴阳”关系，而是用“二分法”所催生的“矛盾”关系。
　　这种性质的“二分法”最常见的统一方式，是消灭对方，进而产生一种新的对立。包括中国的历史自身，也常常是如此。而中国的阴阳哲学，强调的是阴阳两仪的共生、化生与调和关系，是圆转的哲学，是关系的哲学。中国传统哲学在超越二者的对立之上，还有道的“一”存在，这使对立的“矛盾”变成了太极的“两仪”。所以，道以阴阳两仪这种“对立”的观念，将体道的生命行为，导引到了道的大门之前。
　　“二分法”的统一方式，第二种情形是“折中”。这一说法，当然是对中国中庸思想的庸俗理解。在两极对立之中，寻找一个不偏不倚的中点，这一中点不是太极之道的两仪方式，因为道的“一”是包含两个在其中的“一”。折中所取的中点，大概相当于通往道之大门的门缝，若大门不开，人们怎么可能从门缝中钻进去呢？这条道路也是不通的。
　　“二分法”的统一方式，第三种情形是在二元框架中的“合一”。这种合一其实是一种虚假的愿望，就如同谈到的中国哲学是主观与客观的合一，是自我与对象的合一等一样，都是一种主观的愿望。因为，物我合一、心物合一等诸多方式的合一，只会在三合框架前提下完成，对此，我们将在后文详细论述。如果丧失了第三个最重要的道的范畴，合一根本无法完成。只有在道的主导参与的前提下，合一才会真正完成。
　　以上三点情形是把体道这种“知行合一”“性命双修”的神圣行为，仅仅理解为了一种庸俗的方法论，并局限在方法论之中。方法本身不是道，只是达到道之方法，因此，不可能达到“无法之法”之上的道。
　　……

前言/序言

《造形本源：中国传统雕塑的复制与当代中国美术教育体系的建立》系列丛书简介 卷首语：塑成之思，源流之探 艺术的传承，如同一条奔腾不息的长河，既有源头的纯净与力量，亦有汇入百川后的壮阔与新生。中国传统雕塑，作为中华文明史上一颗璀璨的明珠，其悠久的历史、精湛的技艺、深刻的文化内涵，早已在千年的时光中沉淀出独有的精神气质。然而，随着时代的发展，如何让这份宝贵的文化遗产在新时代焕发生机，并成为当下美术教育的基石，成为我们思考的起点。《造形本源》系列丛书，正是以此为核心，旨在深入探究中国传统雕塑的复制实践，并以此为契机，反思和构建符合当代中国国情的、具有民族特色的美术教育体系。 本系列丛书并非简单地罗列传统雕塑的精美图片，亦非仅限于学术层面的理论探讨，而是将目光聚焦于“复制”这一行为本身。复制，在艺术史的语境下，绝非简单的摹仿，它是一种学习、一种理解、一种对话，更是对原初造形精神的再审视与再创造。通过对中国传统雕塑经典作品的细致复制，我们试图剥离其表面形态，深入其内在的结构逻辑、材料特性、工艺流程，以及承载其上的时代精神与哲学思考。这种“形”的追溯，最终指向的是“道”的体悟，即造形之本源，艺术之精神。 同时，我们清醒地认识到，任何艺术教育的建立，都必须根植于其所处的文化土壤，并回应其时代的现实需求。当代中国正经历着前所未有的社会变革与文化转型，美术教育体系的建立，尤其需要深刻的自我反思与创新。本系列丛书将“复制”传统雕塑的实践，视为激活当代美术教育的有力途径。我们相信，对传统造形精髓的深入理解与掌握，能够为当代艺术家和艺术教育工作者提供坚实的学术基础、丰富的创作灵感，以及独特的文化视角。这不仅仅是对历史的致敬，更是对未来的前瞻。 本系列丛书由一系列相互关联、层层递进的独立卷册构成，每一卷都聚焦于传统雕塑的某个重要方面，并将其与当代美术教育的实践紧密结合。我们希望通过这种系统性的梳理与探讨，为中国美术教育的现代化、本土化进程提供有益的参考与借鉴，最终推动中国雕塑艺术及相关教育事业的繁荣与发展。 第一卷：《石窟造像的数字化复原与形态解析》 本卷聚焦于中国石窟造像这一雕塑艺术的集大成者。石窟造像以其宏大的体量、精绝的技艺、丰富的题材和深厚的宗教文化内涵，成为中国传统雕塑的瑰宝。然而，历经千年的风霜雨雪，许多石窟造像饱受侵蚀，原貌难以保存。 本卷首先系统梳理了中国主要石窟群（如敦煌、龙门、云冈、麦积山等）的造像特点、风格演变及其在不同历史时期的文化语境。在此基础上，本卷的核心内容将集中于“数字化复原”的实践。我们运用先进的三维扫描、建模、纹理映射等技术，对部分重要的石窟造像进行精确的数字化扫描与重建。这一过程并非简单的图像复制，而是通过对石窟造像三维形态的精准捕捉，深入解析其体量构成、比例关系、线条韵律、空间处理以及人物情感的表达方式。 通过数字化复原，我们得以在虚拟空间中“重塑”这些珍贵的艺术品，使其细节得以最大程度地清晰呈现。本卷将详细记录数字化复原的技术流程，并重点分析数字化模型如何帮助我们突破传统二维图像的局限，更直观、更全面地理解石窟造像的立体构成与空间关系。例如，我们会深入剖析不同时期、不同地域的造像在头部、躯干、四肢的比例处理上的微妙差异，以及衣纹褶皱的走向与表现力如何服务于人物情感的传递。 更重要的是，本卷将探讨数字化复原的成果如何应用于当代美术教育。通过建立高精度的石窟造像三维模型数据库，学生可以随时随地进行在线学习与观察，突破时空限制，近距离地感受这些古代大师的造形智慧。我们还将讨论如何利用数字化模型进行虚拟创作练习，例如，学生可以尝试在三维建模软件中对经典造像进行局部调整、风格模仿，甚至基于传统元素进行新的创作。这种“虚拟复制”的尝试，能够极大地激发学生的想象力与创造力，并帮助他们建立起对中国传统雕塑宏观与微观形态的深刻认知。 此外，本卷还将讨论数字化复原在古迹保护、学术研究以及公众教育方面的意义。通过对数字化复原的技术难题、伦理问题以及未来发展趋势的探讨，本卷旨在为当代美术教育提供一种全新的、极具潜力的学习工具与研究范式，让中国石窟造像的艺术精髓在数字时代得以更广泛的传播与传承。 第二卷：《青铜器纹饰的摹写与抽象造型训练》 青铜器，作为中国古代文明的象征，其表面精美的纹饰不仅是装饰，更是承载着丰富的历史信息、神话传说与审美观念。本卷将重点关注青铜器上的纹饰，并以此为基础，探讨抽象造型的训练方法。 本卷首先对中国商周时期最具代表性的青铜器纹饰进行分类梳理，从饕餮纹、龙纹、凤纹、夔纹到几何纹，分析其构成元素、线条特点、空间布局以及象征意义。我们将深入研究不同纹饰的绘制技法，例如，哪些是线描式的勾勒，哪些是块面式的填充，以及如何运用阴阳、疏密、粗细等变化来增强纹饰的表现力。 本卷的核心实践部分将侧重于“摹写”的训练。摹写，即是对青铜器纹饰的精细临摹。我们强调的并非机械的照搬，而是通过反复的描摹，去体悟纹饰的内在骨骼和生命力。在摹写过程中，学生需要仔细观察纹饰线条的走向、转折，块面的虚实对比，以及整体的节奏感。本卷将提供详细的摹写步骤指导，从初步的轮廓勾勒，到细节的刻画，再到纹饰的整体把握。 摹写青铜器纹饰的意义，在于帮助学生理解一种高度提炼与符号化的造形语言。这些纹饰往往脱离了对自然物象的具象描绘，而是将其精神 essence 提炼出来，形成独特的视觉符号。通过对这些符号的深入学习，学生能够培养对形式美感的敏锐感知，以及对抽象造型的初步理解。 在此基础上，本卷将重点探讨如何将青铜器纹饰的摹写训练，转化为系统的“抽象造型训练”。我们鼓励学生在摹写的基础上，进行纹饰元素的拆解、重组与变形。例如，可以将一个饕餮纹的眼睛、鼻子、嘴等局部元素提取出来，进行放大、缩小、旋转、叠加，或者将其变形为新的抽象图形。也可以将不同的纹饰元素进行嫁接组合，创造出全新的视觉符号。 本卷还将介绍一些通过青铜器纹饰训练抽象造型的教学案例与方法。例如，如何引导学生从纹饰中提取某种“势”或“气”，并将其转化为具有动态感的抽象线条；如何通过对纹饰色彩（如出土青铜器的锈迹色彩）的感知，来训练学生在黑白灰关系中的造型能力；如何利用青铜器的器型特点，将其与纹饰相结合，进行立体的抽象造型探索。 本卷旨在通过对青铜器纹饰的细致摹写与创造性转化，帮助当代美术学生建立起扎实的抽象造型基础，培养其对形式、结构、构成元素的敏感度，以及从传统文化符号中汲取灵感、进行现代化转化的能力，为他们未来的雕塑创作与艺术设计奠定坚实的基础。 第三卷：《木雕与泥塑的工艺传承与当代材料实验》 木雕与泥塑，是中国传统雕塑最普遍、最根植于民间艺术的两种重要表现形式。它们以其独特的材料属性、简便的制作工艺，承载了中华民族丰富多彩的民间信仰、生活习俗与审美趣味。本卷将聚焦于木雕与泥塑的工艺传承，并在此基础上，探索其在当代材料实验中的可能性。 本卷首先对中国传统木雕（如关中、晋南、徽州等地域风格）和泥塑（如彩塑、捏面人、泥塑神像等）进行历史与地域的梳理，介绍其在不同时期的发展脉络、主要特点、代表作品及其文化意义。我们将深入解析木雕与泥塑在工具运用、技法表现（如雕、刻、剔、压、塑、捏、拍等）上的精妙之处，以及它们如何因应材料的物理特性而产生独特的艺术语言。 本卷的核心内容将是“工艺传承”的实践。我们将邀请资深老艺人，通过详实的图文、视频演示，详细讲解木雕与泥塑的传统制作流程，包括选材、备料、造型、打磨、上色等各个环节。我们强调的并非仅仅是技法的掌握，更是其中蕴含的匠人精神、对材料的敬畏以及与物相处的智慧。学生通过亲身实践，能够体会到从原材料到一件充满生命力的艺术品的转化过程，感受传统手工艺的温度与魅力。 在工艺传承的基础上，本卷将大力拓展“当代材料实验”的维度。我们认为，传统的木雕与泥塑工艺，并非只能局限于传统的木材与黏土。本卷将鼓励学生在掌握传统技法的同时，大胆尝试运用各种新型材料，如树脂、石膏、金属、复合材料，甚至回收材料等，来模拟或转化木雕与泥塑的造型特点与表现手法。 例如，学生可以尝试用现代高分子材料来塑造泥塑的质感与色彩，创造出更持久、更多样的表现效果；可以利用激光切割、3D打印等技术，来辅助完成木雕的精密造型，并在此基础上进行手工的二次加工与打磨，实现传统与现代的融合。本卷还将介绍一些艺术家如何将传统木雕与泥塑的元素，融入到装置艺术、公共艺术等当代艺术实践中，拓展其应用领域与表现形式。 本卷还将探讨当代材料实验在促进艺术创新、降低创作成本、实现环保可持续等方面的意义。通过对不同材料的性能、表现力以及加工方式的探索，学生能够打破材料的束缚，从更多元的角度理解造型的可能性，并找到属于自己的独特艺术语言。本卷旨在通过对木雕与泥塑传统工艺的深入挖掘与当代材料的创新运用，为美术教育注入新的活力，培养兼具传统功底与现代视野的优秀雕塑人才。 第四卷：《唐三彩与陶瓷雕塑的釉色美学与当代转型》 唐三彩，作为中国古代陶瓷雕塑的巅峰之作，以其鲜艳的釉色、生动的造型、丰富的人物与动物形象，在中国艺术史上留下了浓墨重彩的一笔。本卷将聚焦于唐三彩的釉色美学，并以此为切入点，探讨陶瓷雕塑在当代美术教育中的转型与发展。 本卷首先对唐三彩的艺术成就进行系统回顾，介绍其在历史上的地位、主要特点（如动物、人物、器物造型）、釉色构成（黄、绿、白、褐、蓝等）及其烧造工艺。我们将深入分析唐三彩釉色的丰富层次、斑驳陆离的色彩变化，以及这些釉色如何与造型相互辉映，共同营造出独特的视觉效果。本卷还将考察唐三彩对后世陶瓷艺术的影响，以及其在国际上的声誉。 本卷的核心实践部分将围绕“釉色美学”展开。我们鼓励学生通过临摹唐三彩的典型作品，去理解其色彩搭配的逻辑，釉色流淌的痕迹，以及不同釉料在烧造过程中产生的化学反应。学生需要学习如何调配各种釉料，掌握釉料的厚薄、施釉的方式（如淋釉、浸釉、刷釉）对最终色彩效果的影响。本卷将提供详细的釉色配方与烧制工艺指导，帮助学生在实践中体会唐三彩釉色的独特魅力。 在此基础上，本卷将重点探讨如何将唐三彩的釉色美学，拓展到更广泛的“当代陶瓷雕塑转型”中。我们鼓励学生在掌握传统釉色表现技巧的同时，积极探索新的釉色组合、纹理效果以及色彩运用方式。例如，可以尝试将唐三彩的某些经典釉色，运用到现代陶瓷雕塑的抽象造型中，形成古典与现代的碰撞；可以研究如何利用现代陶瓷技术，如喷釉、手绘、釉下彩等，来创造出超越传统唐三彩的丰富色彩表现。 本卷还将关注当代陶瓷雕塑在材料、技法、题材与观念上的创新。除了传统的黏土，我们还将介绍一些新兴陶瓷材料的应用，以及3D打印等现代技术在陶瓷雕塑创作中的作用。同时，本卷还将探讨当代陶瓷雕塑如何摆脱传统器物或人物造型的束缚，关注社会现实、个人情感、观念表达，形成更多元化的艺术语境。 本卷旨在通过对唐三彩釉色美学和传统陶瓷雕塑工艺的深入研究，激发学生对色彩表现的敏感度，培养其对材料特性的深刻理解，并鼓励他们以开放的姿态，将传统陶瓷雕塑的精髓，与当代的艺术观念、材料技术相结合，创作出具有时代精神与个人风格的陶瓷艺术作品，为当代中国陶瓷雕塑教育体系的丰富与发展贡献力量。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，最初吸引我翻开《造形本源》的是“中国传统雕塑的复制”这个题目，我总觉得“复制”这个词在当代似乎带有些贬义，与“创新”和“原创”对立。 然而，这本书彻底颠覆了我的认知。它以一种极为温和而深刻的方式，将“复制”置于中国传统艺术生态的核心位置，并阐述了它在中国雕塑艺术形成、发展和传播过程中的不可替代的作用。作者并没有回避复制中的局限性，但更着重于展现它所蕴含的积极意义：它是技艺传承的有效途径，是审美观念传播的载体，更是艺术家与前人进行精神对话的桥梁。从石窟寺中匠人的虔诚临摹，到文人书房里的案头玩石，再到民间年画的套印技法，作者层层剥离，让我们看到了“复制”背后蕴含的文化基因和审美取向。更让我惊叹的是，作者将这一历史经验与当代中国美术教育体系的建立巧妙地联系起来，提出了如何在教育中重新审视和借鉴“复制”的智慧，以培养出既有扎实功底，又不失创新精神的艺术家。读这本书，我仿佛经历了一场思想的洗礼，对“学习”、“传承”和“创造”的关系有了全新的理解。它不只是关于雕塑，更是关于艺术的本质，关于如何连接过去，塑造未来。

评分☆☆☆☆☆

《造形本源》这本书，是一部极其珍贵的思想之作。 作为一名长期在艺术领域摸索的旁观者，我一直对“中国传统雕塑的复制”这一主题感到好奇，同时也对其在当代美术教育中的缺失感到遗憾。这本书以其独特的视角，将“复制”这一看似单调的行为，升华为一种对艺术生命力的追溯和传承。作者并没有流于表面的技法展示，而是深入到“复制”的文化语境和教育意义中。我尤其惊叹于作者对“形”的解读，它不仅仅是客观的物象，更是艺术家对内在精神、对宇宙法则的体悟。从唐代石窟寺工匠对佛陀形象的虔诚临摹，到明清时期文人对古董瓷器的反复揣摩，再到民间艺人对吉祥图案的世代演绎，这些“复制”行为背后，都蕴含着深厚的文化积淀和独特的审美追求。书中对这些案例的细致梳理，让我对中国传统艺术的“师承”和“匠心”有了更深刻的理解。而将这一历史智慧与当代中国美术教育体系的建立相结合，更是这本书的亮点所在。作者提出的不是简单的回归传统，而是在理解“造形本源”的基础上，探索如何构建一个既根植于中国文化，又面向未来的艺术教育模式。阅读这本书，我仿佛与千年的艺术大师进行了跨时空的对话，也为中国艺术教育的未来找到了新的方向。

评分☆☆☆☆☆

这本《造形本源》绝对是我近来读到的关于中国传统艺术最有深度、也最能引发共鸣的书籍之一。 我一直觉得，中国传统艺术，尤其是雕塑，在漫长的历史中，有着自己一套独特的学习和传承方式，而“复制”在其中扮演了至关重要的角色。这本书，就是对这一历史进程的深刻挖掘。作者并没有仅仅停留在对雕塑作品的介绍，而是深入到了“复制”这一行为本身，揭示了它在中国传统雕塑艺术发展、风格演变以及审美观念传播中的关键作用。我尤其欣赏作者对“形”的理解，它不仅仅是简单的模仿，更是对原作精神、生命力乃至宇宙秩序的理解和再现。从石窟寺中艺人面对佛像的虔诚临摹，到文人雅士案头陈设的古董复仿，再到民间艺人对传统纹样的世代传承，作者通过大量的案例，层层剥茧，让我们看到了“复制”背后蕴含的文化基因和审美密码。更让我眼前一亮的是，作者将这一历史性的实践经验，与当代中国美术教育体系的建立紧密联系起来，提出了极具启发性的思考。他并没有直接批判当下的教育模式，而是提供了一个宝贵的历史视角，引导我们去反思如何在中国自身的文化土壤中，构建出更具生命力和创造力的艺术教育体系。

评分☆☆☆☆☆

《中国传统雕塑的复制与当代中国美术教育体系的建立系列丛书：造形本源》这本书，让我彻底改变了对“复制”这一行为的刻板印象。 在我以往的认知里，“复制”似乎是与“原创”相对立的，是一种缺乏创造力的表现。然而，这本书以中国传统雕塑的“复制”为切入点，深刻地阐述了它在中国艺术发展、技艺传承和审美观念传播中的重要作用。作者并没有仅仅停留在展示精美的雕塑图片，而是深入挖掘了“复制”背后所蕴含的文化逻辑、教育模式以及艺术家与前人之间的精神联系。我尤其欣赏作者对“形”的解读，它不仅仅是物质的形态，更是艺术家对生命、对自然、对宇宙的理解和体悟。从石窟寺中工匠们对佛陀形象的虔诚临摹，到文人雅士对古董器物的赏玩与仿制，再到民间艺人对传统纹样的世代传承，这些“复制”行为都充满了生命力和文化底蕴。更让我感到惊喜的是，作者将这一历史性的实践经验，与当代中国美术教育体系的建立紧密结合，提出了许多富有建设性的思考。他鼓励我们从中国自身的文化土壤中汲取智慧，构建出既有传承又有创新的艺术教育体系。这本书的阅读过程，更像是一次对艺术本质的追问，一次对文化根源的探寻，让我受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开《造形本源》这本书，我首先被它宏大的标题所吸引：《中国传统雕塑的复制与当代中国美术教育体系的建立》。 这个题目本身就充满了探索的张力，将遥远的古代艺术实践与当下紧迫的教育改革紧密地联系在一起。读完全书，我感到这本书的价值远不止于提供知识，更在于它所引发的深刻思考。作者并非简单地罗列雕塑的形态，而是深入到“复制”这一行为本身，揭示了它在中国传统雕塑发展中所扮演的关键角色。我一直以为“复制”就是照搬，是缺乏创造力的表现，但这本书彻底改变了我的看法。它告诉我，在中国传统语境下，“复制”是一种主动的学习、一种深刻的理解、一种精神的传承，甚至是一种对原作生命力的再创造。作者通过对石窟造像、佛教造像、文人器物以及民间工艺品等多个维度的深入分析，展示了“复制”如何承载着技法、风格、审美趣味，甚至是对宇宙观和人生观的理解。更重要的是，作者将这些历史经验与当代中国美术教育体系的建立相结合，提出了极具建设性的观点。他让我意识到，我们不能仅仅依赖西方现有的教育模式，而是应该从我们自己的文化土壤中寻找智慧。这本书让我对“学习”有了更深的认识，也对如何构建一个真正具有中国特色的艺术教育体系充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

这本《造形本源》给我带来的冲击，不仅仅是知识上的，更是精神层面的。 我一直对中国传统艺术，特别是雕塑，有着一种莫名的亲近感，但总觉得在当代的语境下，这种联系似乎有些断裂。这本书，以“中国传统雕塑的复制”为核心，为我揭示了一个全新的视角。它让我明白，“复制”在中国传统艺术中，并非简单的模仿，而是一种深入骨髓的学习、一种对生命力的延续、一种与古人精神的对话。作者并没有流于表面地介绍雕塑的风格和技法，而是深入探讨了“复制”背后的文化逻辑、教育模式以及审美观念的传承。我特别被书中对“形”的阐释所吸引，它不仅仅是外在的轮廓，更是内在的灵魂、是艺术家对天地万物的理解。从石窟寺中工匠们对佛像的反复揣摩，到文人雅士对古董器物的细致品味，再到民间艺人对传统纹样的世代演绎，这些“复制”行为都承载着鲜活的生命力和深厚的文化积淀。更重要的是，作者将这一历史智慧与当代中国美术教育体系的建立相结合，为我们指明了一条融合传统与创新的道路。这本书让我对“学习”有了更深的理解，也对中国艺术的未来充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

《中国传统雕塑的复制与当代中国美术教育体系的建立系列丛书：造形本源》这本书，对我这样一位长期关注中国艺术教育发展，却常常感到迷茫的读者来说，是一次意义非凡的阅读体验。 我一直在思考，我们当代的艺术教育，在汲取西方艺术精髓的同时，是否丢失了一些属于我们自己的宝贵遗产？这本书，以“复制”为切入点，深入剖析了中国传统雕塑在历史长河中，如何通过“复制”这一独特的方式，承载和传承着技艺、审美和精神。作者不仅仅是呈现了大量的雕塑图片，更重要的是，他追溯了“复制”背后的文化逻辑和教育模式。从石窟寺的工匠们面对佛像的细致临摹，到文人墨客对古董器物的赏玩与仿制，再到民间艺人对传统纹样的世代传承，每一个案例都充满了鲜活的生命力。我被书中对“形”的解读深深吸引，它不仅仅是物理形态，更是艺术家对生命、对自然的理解和感悟。通过对“复制”与“造形本源”的深度挖掘，作者引出了对当代中国美术教育体系建立的思考，他并没有简单地给出结论，而是提供了一个极为宝贵的历史视角，引导我们去探索如何在中国自身的文化土壤中，孕育出更具生命力和创造力的艺术教育体系。这本书的阅读过程，更像是一次与历史的对话，一次对艺术本质的追问。

评分☆☆☆☆☆

《造形本源》这本书，与其说是一本关于雕塑的书，不如说是一部关于中国艺术精神的探寻之旅。 作者以“造形本源”为题，将目光聚焦于当代中国美术教育体系的建立，并巧妙地将传统雕塑的复制经验置于其中进行审视。我一直对国内美术教育的某些模式感到困惑，总觉得在强调技巧训练的同时，似乎忽略了更深层次的文化根基和人文关怀。这本书恰恰触及了我的痛点，它通过梳理中国传统雕塑复制的脉络，揭示了中国古代艺术家如何在对前人作品的学习中，汲取养分，形成自己的风格，并将艺术的生命力代代相传。我特别欣赏作者对“形”的理解，它不仅仅是外在的轮廓，更是内在的精神、气质和生命力的体现。书中对不同时期、不同地域雕塑复制的案例分析，让我仿佛穿越了时空，亲眼见证了艺术家们如何通过对“形”的反复揣摩和提炼，最终达到了“得其神”的境界。而将这一切与当代的艺术教育体系建立联系起来，更是这本书的画龙点睛之笔。它并没有简单地批判当下，而是提供了宝贵的历史智慧，指引我们如何在继承传统的基础上，构建出更符合中国文化特质、更具创新活力的美术教育体系。这本书让我对“中国风”的艺术教育有了更清晰的认识，也充满了对未来中国艺术发展的期待。

评分☆☆☆☆☆

《中国传统雕塑的复制与当代中国美术教育体系的建立系列丛书：造形本源》这本书，让我对“学习”和“传承”这两个概念有了全新的认识。 我一直认为，“复制”似乎是与“原创”相对立的，是缺乏创造力的表现。然而，这本书彻底颠覆了我的这种观念。作者以中国传统雕塑的“复制”为切入点，深入探讨了它在中国艺术发展中的独特地位和重要意义。他并没有简单地展示复制的作品，而是深入剖析了复制背后的逻辑、方法以及它所承载的文化信息。我被书中对“形”的解读所打动，它不仅仅是物质的形态，更是艺术家对生命、对自然的理解和感悟。从石窟寺中工匠们对佛陀形象的细致临摹，到文人雅士对古董器物的赏玩与仿制，再到民间艺人对传统纹样的世代传承，这些“复制”行为都蕴含着深厚的文化底蕴和独特的审美追求。更让我感到惊喜的是，作者将这一历史性的实践经验，与当代中国美术教育体系的建立紧密结合，提出了许多富有建设性的观点。他鼓励我们从中国自身的文化土壤中汲取智慧，构建出既有传承又有创新的艺术教育体系。这本书的阅读过程，更像是一次对艺术本质的追问，一次对文化根源的探寻。

评分☆☆☆☆☆

这套《中国传统雕塑的复制与当代中国美术教育体系的建立系列丛书：造形本源》绝对是我近些年读过的最令人耳目一新、也最具启发性的艺术类书籍之一。 作为一个对中国传统艺术，尤其是雕塑有着浓厚兴趣，但又常常感到其精神内核在当代传承中似乎有些断裂的读者来说，这本书的出现，如同在迷雾中点亮了一盏明灯。它并没有简单地罗列历代雕塑的图片和介绍，而是深入到“复制”这一行为的本质，探讨它在中国传统雕塑的发展、学习和传承过程中扮演的独特角色。从石窟寺的临摹学习，到文人雅士的案头陈设，再到民间艺人的技艺传习，作者细致入微地梳理了“复制”如何承载着技法、风格、审美理念，甚至是对原作者精神的理解与再创作。更让我印象深刻的是，它并没有将“复制”简单地视为对“原创”的模仿，而是将其提升到了一个与“创造”同等重要的地位，揭示了在特定的文化语境下，复制本身就是一种创造性的实践，是一种对生命力的延续和再激活。读完关于复制的部分，我才真正理解了为什么中国古代的艺术教育如此注重临摹，以及这种方式如何在潜移默化中塑造了中国艺术的独特面貌。它让我对“学习”的定义有了更深层次的思考，不再局限于当下的即时创作，而是看到了一个跨越时空、连接古今的完整链条。