键盘与和声系列教程：钢琴演奏基础训练 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周广仁 著

图书标签:

• 钢琴教材
• 钢琴基础
• 键盘技巧
• 和声学
• 音乐入门
• 练耳
• 视奏
• 乐理知识
• 钢琴练习
• 基础训练

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040032789

版次：1

商品编码：11834795

包装：平装

丛书名： 键盘与和声系列教程

开本：16开

出版时间：1990-01-01

用纸：胶版纸

页数：245

字数：380000

正文语种：中文

内容简介

　　《键盘与和声系列教程：钢琴演奏基础训练》用了20节课的时间，分专题概括地讲授了有关钢琴演奏的一些基础知识，其中包括钢琴的弹奏方法、识五线谱的方法、技术培训、节奏训练、变调训练、移调训练等课题。
　　《键盘与和声系列教程：钢琴演奏基础训练》内容分三个部分：（1）技术训练；（2）乐曲讲解；（3）欣赏曲。每课的重点根据技术课题而定。因为授课对象的钢琴演奏水平不统一，无法一一因材施教。因此，每一课题所选的教材都有一定的幅度，这样，各种程度的学员都可以有的放矢。另外，因为课程时间和学员的程度以及各地区的音乐生活条件所限，很多学员不能接触音乐作品，为此，编者给大家安排了一些欣赏曲，通过对一些名曲的欣赏，可以增加音乐知识，提高艺术的鉴赏能力，也有助于提高学习钢琴的兴趣。

内页插图

目录

第一课 基本弹奏方法
第二课 连音弹奏
第三课 大调音阶（一）
第四课 大调音阶（二）
第五课 半音阶
第六课 节奏训练
第七课 双音
第八课 三和弦及其转位
第九课 小调音阶
第十课 复调训练
第十一课 琶音
第十二课 五声音阶
第十三课 重复音
第十四课 踏板的运用
第十五课 装饰音
第十六课 双手交叉、交替演奏
第十七课 歌唱性
第十八课 八度与和弦
第十九课 节奏感
第二十课 曲式
结束语
参考书目

弦音交织：探索现代音乐制作与声音设计 本书旨在为音乐制作、声音设计领域的爱好者和专业人士提供一套系统、前沿的理论与实践指导。我们专注于解析当代音乐工业中声音的构建、处理与应用，探索如何将技术手段与艺术想象力相结合，创造出富有表现力和市场竞争力的听觉体验。 本书内容不涵盖任何关于钢琴演奏基础训练、键盘技巧或特定乐器演奏方法的教学。我们的焦点完全集中于电子音乐制作、声音合成、混音、母带处理以及声音设计的前沿技术与美学原则。 --- 第一部分：数字音频工作站（DAW）的高效运用与声音的数字化基础 本部分将读者引入现代音乐制作的核心工具——数字音频工作站（DAW）。我们不讨论传统键盘乐器的指法或音阶练习，而是深入探讨DAW的架构、工作流程优化以及如何利用软件环境进行高效的音乐创作。 第一章：DAW环境的深度定制与工作流构建 我们将从底层逻辑解构主流DAW（如Pro Tools, Ableton Live, Logic Pro X）的差异化优势。重点在于建立一套适合个人创作风格的高效工作流，包括模板构建、快捷键的自定义设置、项目文件的管理规范，以及如何利用多核处理器进行资源分配优化。内容详尽描述了如何设置低延迟缓冲、配置外部MIDI控制器（非键盘输入设备，如推子、旋钮控制器）以实现无缝的即兴创作与编排。 第二章：数字音频的理论基石与采集精度 本章聚焦于声音在计算机中的存储与处理原理。详细阐述采样率、位深对音质的影响，以及量化误差的控制策略。我们将分析如何选择合适的音频接口和前置放大器，以确保模拟信号到数字信号转换（A/D Conversion）过程中的保真度。重点讨论了抖动（Jitter）与时钟同步在专业录音棚环境中的重要性，这些是确保录音质量而非演奏技巧的基础。 --- 第二部分：声音的塑形——合成器技术与声音设计原理 本部分是本书的核心，完全致力于声音的源头创造——合成技术。我们将摒弃对传统键盘乐器音色的模仿，转而专注于电子合成器复杂声音的生成与调制。 第三章：基础合成器架构的解构与重构 本章细致剖析了减法合成、加法合成、频率调制（FM）、波表合成（Wavetable Synthesis）以及颗粒合成（Granular Synthesis）的内部工作机制。读者将学习如何通过振荡器波形的构造、滤波器的拓扑结构选择（如Ladd, State Variable Filter）以及包络（ADSR）的精细调整，从零开始构建全新的音色。讨论将侧重于如何利用LFOs（低频振荡器）实现复杂的非线性调制，创造出动态丰富的音效，而非简单的固定音高演奏。 第四章：声音效果器链的设计与空间感知 本章探讨如何运用效果器（Effects）对合成或采样的声音进行深度处理。内容涵盖了失真（Distortion）与过载（Overdrive）的非线性特性分析、延迟（Delay）算法的选择及其在节奏构建中的作用。特别关注调制效果（如Chorus, Flanger）在构建宽度和深度上的艺术性运用。在空间处理上，本书深入讲解卷积混响（Convolution Reverb）的脉冲响应（IR）加载与定制，以及如何利用环绕声技术（如Ambisonics或Dolby Atmos基础）进行三维声场构建，完全超越了传统立体声混音的范畴。 第五章：节奏型编程与微时间精度控制 本书在节奏构建方面，侧重于电子音乐的精确性与复杂性。内容涵盖了步进音序器（Step Sequencer）的高级用法，以及如何利用DAW的编曲视图实现复杂的多层次节奏结构。我们将研究如何通过微小的时值调整（Swing, Groove Quantization的精细化参数控制）来赋予循环（Loops）生命力，以及如何利用采样触发器的门限设置来控制打击乐的瞬态响应，而非依赖演奏者的时值准确性。 --- 第三部分：混音艺术——动态控制与频谱平衡 本部分是确保声音成品达到专业水准的关键环节，内容完全围绕信号处理、电平管理和听觉感知科学。 第六章：动态处理：压缩器、限制器与门限的深度应用 本章摒弃对音量推子简单推拉的操作，深入探讨现代压缩技术。详细分析了VCA、FET、光电管等不同类型压缩器的工作特性及其对声音瞬态和持续音的影响。重点讲解多段压缩（Multiband Compression）在修复频谱失衡问题中的精准定位，以及限制器（Limiter）在母带处理阶段如何安全有效地提升响度而不引入可闻失真。 第七章：均衡（EQ）的频谱雕刻与声学修正 本书将均衡器视为解决声音冲突和塑造音色属性的工具，而非简单的频率增益调节。内容包括线性相位均衡（Linear Phase EQ）在母带处理中的应用场景，以及如何利用中低频的精确提升或衰减来解决不同乐器在混音中的“泥泞感”（Muddiness）。我们还讨论了房间声学对混音决策的影响，以及如何使用测量麦克风和分析软件进行客观的声场校正。 第八章：电平管理、总线路由与混音的维度构建 本章阐述专业混音中复杂的总线架构设计。读者将学习如何设置次级效果发送（Aux Sends）、返回轨道（Return Tracks）以及创建鼓组、人声、合成器等不同组别的主控总线。重点分析峰值电平（Peak Level）与平均响度（RMS/LUFS）之间的关系，并提供行业标准响度目标（如-14 LUFS for streaming platforms）的实施策略，确保混音在不同播放系统中具有一致的听感体验。 --- 第四部分：母带处理与声音的最终优化 本部分聚焦于制作流程的终点——母带处理，目标是使音频成品达到商业发行标准，具备强大的冲击力和一致的响度。 第九章：母带处理的哲学与技术路径 本书将母带处理界定为对混音成果的最终润色和标准化过程。内容详细介绍了在母带处理链中，均衡、立体声扩展（Stereo Widening）、谐波增强（Harmonic Excitement）以及最终限制器（Brickwall Limiting）的顺序与相互影响。讨论将聚焦于如何平衡响度需求与动态余量（Headroom），避免过度处理导致的“泵浦效应”或削波失真。 第十章：跨平台兼容性与元数据管理 本章关注成品音频文件在不同播放环境下的表现。内容包括针对流媒体服务（Spotify, Apple Music）的特定响度规范的调整，以及如何正确地嵌入和管理音频文件的元数据（如ISRC编码、专辑信息），确保成品能够顺利进入全球数字发行渠道。本书不涉及传统乐谱的编制或打印要求，而是专注于数字音频文件的技术标准。 --- 《弦音交织：探索现代音乐制作与声音设计》 是一本面向未来声音创作者的实用指南。它提供的是一套解决“如何让声音听起来更专业、更具创新性”的系统方法论，与任何依赖传统键盘操作或乐理基础训练的教程截然不同。本书致力于培养的是精通数字音频技术的“声音工程师”与“声音艺术家”。

评分☆☆☆☆☆

“我最近入手了一本《管弦乐指挥艺术：从乐谱到舞台》的书，作为一名对古典音乐充满热爱但从未接触过指挥的人，我原本以为会很难理解。然而，这本书却以一种非常生动且极具启发性的方式，将指挥这项复杂的艺术呈现在我面前。它并没有一开始就抛出晦涩难懂的理论，而是从指挥的基本手势开始，用清晰的图示和视频（虽然书中没有直接提供视频，但文字描述让我脑海中自动浮现画面）来讲解拍号、强弱、速度等基础元素如何通过肢体语言来传达。我特别喜欢书中对不同乐器组在乐队中的作用和音色的讲解，这让我能够更深入地理解乐谱背后隐藏的丰富层次。此外，书中还穿插了许多著名指挥家的案例分析，以及他们如何解读不同作曲家的作品，这让我对指挥艺术的理解不再局限于技术层面，而上升到了艺术诠释的高度。虽然我还没有机会真正去指挥，但读完这本书，我感觉自己仿佛已经站在了指挥台上，能够更自信地去想象和感受音乐。”

评分☆☆☆☆☆

“我最近在读一本叫做《古筝的魅力：指法与技巧全解》的书，这本书简直是为我这种古筝初学者量身定做的。我之前对古筝的了解仅限于它的外观，一点基础都没有。这本书从最基本的握筝、坐姿开始讲起，每一个细节都写得非常清楚。然后进入到指法的部分，像勾、托、抹、挑这些基础指法，书里不仅有清晰的图示，还配有文字的详细讲解，告诉你每个指法的手型、力度和发力方式。更让我惊喜的是，书中还提供了很多经典的古筝练习曲，从最简单的《小星星》到稍微复杂一些的《高山流水》，每首曲子都配有详细的指法标注和演奏提示，让我能够边学边练，非常有成就感。我跟着书上的练习，感觉自己的手指灵活度有了明显的提升，也慢慢能够弹奏出一些旋律了。这本书的排版也非常清晰，纸张质量也不错，阅读体验很好，绝对是一本值得推荐的古筝入门书籍。”

评分☆☆☆☆☆

“这本《音乐创作的无限可能：旋律与和声的探索》的书，给我最大的感受就是它在音乐理论和实际创作之间的平衡做得非常好。我之前读过很多纯理论的书，虽然知识点很扎实，但总感觉和实际创作有点距离，不知道怎么运用。而这本书不一样，它在讲解比如调式、音阶、和弦进行的时候，会立刻跟上相应的创作练习，比如如何利用不同的调式来营造不同的情绪，如何运用常见的和弦进行创作出优美的旋律。作者还分享了很多他自己创作的乐句和乐段作为例子，并且会详细分析其创作思路，这一点对我非常有启发。特别是关于“动机发展”的部分，我一直觉得这是创作的难点，但这本书用了很多有趣的方式来讲解，比如如何通过重复、变化、对比等手法来发展一个音乐动机，让我的思路豁然开朗。这本书让我觉得音乐创作不再是遥不可及的事情，而是可以通过系统学习和不断练习来掌握的技能。”

评分☆☆☆☆☆

“天哪，我简直不敢相信我花了这么多钱买的这本《乐理入门与实践指南》！宣传的时候说得天花乱坠，什么“零基础也能轻松掌握音乐理论的奥秘”，结果内容简直让人吐血。图表少得可怜，而且那些所谓的“插图”简直是小学生画的，一点专业性都没有。文字解释枯燥乏味，就像在啃一本枯燥的字典。我本来想学点和弦编配，结果里面讲的和弦都是最基础的C、G、Am、F，而且连怎么把它们串起来都没有详细的讲解。更别提什么进阶的乐句构建、动机发展了，简直是天方夜谭。翻来覆去就那几个简单的例子，感觉作者根本没用心去做，把读者当傻子一样糊弄。我按照书上的练习做，结果弹出来的东西一点音乐性都没有，完全是生搬硬套。我真的太失望了，早知道我就去报个线下的乐理班了，至少还能有老师指导。这本书简直是浪费时间和金钱，我强烈建议大家不要再被它的宣传语欺骗了，这根本就是一本毫无价值的“凑数”教材。”

评分☆☆☆☆☆

“这款《声乐技巧精粹：从入门到进阶》给我留下了非常深刻的印象，尤其是它在气息控制方面的内容，我觉得写得特别细致。书中用了很多生动的比喻来解释腹式呼吸和胸式呼吸的区别，比如把腹部比作一个充满气的气球，不断地充气和放气，让我这个之前对气息概念很模糊的人，一下子就理解了核心要点。而且，书中提供的练习方法也很系统，从最基础的发声练习，到逐步加入气息的稳定性训练，再到乐句的连贯性训练，都有循序渐进的指导。我特别喜欢书中关于“声音的支撑”的描述，作者用了很多形象的语言来阐述如何找到身体的支撑点，避免声音的飘忽不定。我尝试了书中的一些练习，感觉自己的声音稳定性确实有所提高，而且能够更持久地演唱。对于那些想要改善自己演唱气息的朋友来说，这本书绝对是一个非常好的选择。我还会继续深入研读，相信能从中获得更多宝贵的声乐技巧。”