时空中的美术(新版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[美] 巫鸿 著

图书标签:

• 美术史
• 艺术史
• 西方美术
• 中国美术
• 艺术理论
• 文化艺术
• 艺术欣赏
• 时空艺术
• 绘画
• 雕塑

出版社： 生活·读书·新知三联书店

ISBN：9787108052971

版次：1

商品编码：11880690

包装：精装

开本：16开

出版时间：2016-01-01

用纸：胶版纸

页数：390

字数：380000

内容简介

　　本书是继《礼仪中的美术——巫鸿中国古代美术史文编》之后，巫鸿先生在三联书店推出的第二部学术论文集，侧重考察中国美术中特有的“时空”观念，以及它在不同媒材的图像中的表现和释读。全书分为三部分——上编：时空的形象；中编：观念的再现；下编：图像的释读，所收1992—2007文章15篇，考查对象包括建筑、明器、拓片、画屏、卷轴、册页、摄影等多种形式。与常见的中国美术史研究不同，这些论文没有局限于孤立的门类和史实，而是竭力为这些现象找到自己的传统和脉络，并赋予其宽阔的视野，使阐释更具启发性。这些文章是对《文集》提出“礼仪美术”概念的完善与补充，从而有助于读者更深入地认识中国美术的独特传统。
　　三联书店于2009年首次出版该书，本次重版，将收入巫鸿作品五种，与《礼仪中的美术》、《黄泉下的美术》、《武梁祠》、《美术史十议》整合，统一开本为170*240mm，精装。

作者简介

　　巫鸿，1963年入中央美术学院美术史系学习。1972-1978年任职于故宫博物院书画组、金石组。1978年重返中央美术学院美术史攻读硕士学位。1980-1987年就读于哈佛大学，获美术史与人类学双重博士学位。随即在哈佛大学美术史系任教，于1994年获终身教授职位。受聘主持芝加哥大学亚洲艺术教学。2002年建立东亚艺术研究中心并任主任。其著作包括对中国古代、现代艺术以及美术史理论和方法的多项研究。主要著作有《武梁祠：中国古代画像艺术的思想性》《中国古代美术和建筑中的纪念牌性》等。

目录

上编　时空的形象
中国艺术和视觉文化中的“复古”模式（2008）
“复古”的源起
再造“古人之象”
复古的语境
对往昔的“历史化”
“意图”的模式
尾声：复古和历史叙事
废墟的内化：传统中国文化中对“往昔”的视觉感受和审美（2007）
丘与墟：消逝与缅怀
碑和枯树：怀古的诗画
迹：景中痕
说“拓片”：一种图像再现方式的物质性和历史性（2003）
两种拓片——碑和帖
拓片的属性

前言/序言

《光影的轨迹：从古代壁画到数字艺术的视觉探索》 本书带领读者踏上一段跨越数千年的视觉艺术之旅，深入剖析不同历史时期、不同文化背景下的艺术表现形式、核心观念及其社会功能。我们聚焦于那些定义了人类审美与想象力的关键转折点，探讨光影、色彩、形式与空间是如何被艺术家们运用，以映照当时的哲学思潮、宗教信仰与社会结构。 第一部分：原始的低语与文明的曙光 本章追溯艺术的起源，从史前洞穴中那些充满生命力的动物形象，到早期文明如美索不达米亚和古埃及，对永恒与神性的不懈追求。我们细致考察拉斯科洞穴壁画中对狩猎场景的动态捕捉，以及埃及法老陵墓中高度程式化、象征意义明确的图像语言。重点讨论早期艺术如何服务于生存需求、宗教仪式和权力维护，以及早期工匠对材料（如赭石、炭、石灰石）特性的初步认知与驾驭。 继而深入古希腊与古罗马时期。希腊雕塑对人体比例的极致探索，从严谨的古风（Archaic）到和谐的古典（Classical），再到富于情感的希腊化时期，清晰地展现了人文主义思想如何渗透到艺术创作的每一个角落。罗马艺术则在继承希腊成就的基础上，发展出强烈的写实主义和叙事性，尤其体现在纪念碑、浮雕和建筑装饰中。我们分析透视法和解剖学的初步应用，如何使得图像更具“在场感”。 第二部分：信仰的画布与中世纪的象征 进入中世纪，艺术的主题彻底转向宗教。本书详述拜占庭艺术的庄严、平面化与金色背景所营造的超凡脱俗感，以及罗马式和哥特式建筑如何通过高耸的拱顶、绚烂的彩绘玻璃，将信徒引入一个神圣的、象征性的宇宙空间。哥特式大教堂的立面被视为“石头的圣经”，每一个雕像、每一组装饰都有其明确的神学指向。我们剖析手抄本插图的精细工艺，以及中世纪艺术家在匿名状态下对纯粹象征意义的坚守。 第三部分：文艺复兴的觉醒与科学的介入 文艺复兴标志着西方艺术史的重大转折点。意大利（尤其是佛罗伦萨和罗马）的艺术家们重新发现并崇敬古典传统，但融入了新的科学精神。本章详细分析透视法（如布鲁内莱斯基和马萨乔的贡献）、空气透视法以及明暗对比法（Chiaroscuro）的成熟应用。我们不仅关注达·芬奇对人体解剖的精准描摹、拉斐尔对和谐构图的追求，也探讨米开朗基罗如何将雕塑的力度与绘画的激情相结合。此时的艺术不再仅仅是信仰的仆人，艺术家开始被视为拥有创造力的“天才”。 第四部分：巴洛克与洛可可的戏剧性 十七世纪的巴洛克艺术以其强烈的动感、宏大的叙事和对戏剧性光影的偏爱，服务于宗教复兴和绝对君权。卡拉瓦乔的极端光影对比（Tenebrism）如何制造出直击人心的震撼力？贝尼尼的雕塑如何将静止的石材转化为流动的瞬间？在佛兰德斯，鲁本斯展现了富裕的生命力和色彩的狂欢。 随后，洛可可风格在十八世纪的沙龙中兴起，它以轻盈、私密、享乐主义的主题和柔和的色彩，反映了贵族阶层对精致生活的追求。本章对比巴洛克与洛可可，探讨艺术风格如何紧密地依附于其赞助者的品味与时代精神。 第五部分：革命的号角与现代性的开端 十八世纪末至十九世纪初，启蒙思想推动了新古典主义对理性、秩序和英雄主义的回归。然而，拿破仑战争和法国大革命的冲击很快催生了浪漫主义——一种强调情感、直觉、异域风情和个体体验的艺术运动。德拉克洛瓦的色彩运用和特纳对光线、气氛的捕捉，标志着对既有学院派规范的挑战。 十九世纪中叶，工业革命的浪潮和新兴资产阶级的崛起，促使艺术家将目光投向当代生活。现实主义拒绝历史或神话，专注于描绘普通人的工作与困境。紧接着，印象派的革命性在于他们对“瞬间印象”和“光线波动”的痴迷，这彻底改变了绘画对象和技法，为进入二十世纪的实验铺平了道路。 第六部分：现代主义的碎片化与重构 二十世纪初，艺术进入了一个爆炸性的实验阶段。后印象派（如塞尚对结构的几何化、梵高对色彩的主观运用）为现代主义奠基。野兽派大胆的色彩释放，立体主义对多视角的解构与重组，以及未来主义对速度与机械的赞颂，都指向一个共同的目标：摆脱对再现的依赖。 我们深入分析抽象艺术的诞生（康定斯基、蒙德里安），探讨纯粹的线条、色彩和形式如何表达精神世界的本质。达达主义和超现实主义则以荒诞、梦境和潜意识为武器，批判理性社会，探索人类心理的深层结构。 第七部分：战后的多元探索与媒介的拓宽 二战后，艺术中心转移，抽象表现主义（如波洛克滴画）体现了美国艺术家对个人情感的极端投入。紧接着，波普艺术（如安迪·沃霍尔）以对大众文化符号的挪用，模糊了高雅艺术与商业产品的界限。 本章的后半部分着重探讨装置艺术、行为艺术、大地艺术的兴起，它们挑战了“艺术品必须是可收藏的、固定的图像”这一传统观念。影像艺术的介入，使得叙事和时间性在艺术作品中占据了新的地位，艺术家们开始使用全新的“工具箱”来探索存在的意义、身份认同和全球化议题。 本书旨在提供一个连贯而详尽的框架，使读者能够理解艺术史并非一系列孤立的风格更迭，而是一个不断吸收、批判、重塑自身定义的动态过程，是人类文明在不同媒介上留下的深刻印记。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的震撼是多方面的，首先是其内容的广博性，几乎涵盖了从古代到近现代艺术发展的主要脉络，信息密度非常高。但更令人称道的是其批判性的思维框架。作者并非简单地赞美前人，而是以一种审慎的态度去剖析艺术作品背后的权力结构和审美倾向。这让我在看待经典作品时，不再只是停留在表面的赞叹，而是开始思考其深层的文化意涵。比如，书中对特定时期艺术赞助人制度的分析，揭示了艺术如何被历史和政治所塑造。文字的逻辑性非常强，论证严密，让读者能够清晰地跟随作者的思路进行深入的思考。这本书无疑是一部值得反复阅读的佳作，每一次重读都会有新的感悟和体会。

评分☆☆☆☆☆

对于一个长期关注当代艺术发展脉络的人来说，寻找一本能够系统梳理艺术流变的书籍并不容易。这本书的价值恰恰在于它对时间维度的精准把握。它不仅仅罗列了重要的艺术家和作品，更重要的是，它深入挖掘了驱动艺术变革背后的思想动因。我发现，许多过去不理解的艺术现象，在结合了当时的社会思潮和技术进步来看待时，一切都变得顺理成章。书中的图文排版也极具现代感，大量采用的留白处理，使得原本密集的文字和图片得到了很好的呼吸空间，阅读体验非常舒适。每次翻阅，都能从中汲取新的灵感，它像是一个永不枯竭的灵感源泉，不断激发我对艺术创作的思考和热情。

评分☆☆☆☆☆

我最近在寻找一些关于色彩理论和绘画技巧的书籍，希望能找到一些既有深度又易于理解的入门读物。看了不少推荐，最终选定了这本。不得不说，作者在构建知识体系方面下了很大功夫。他没有仅仅停留在传统的艺术史叙述上，而是巧妙地将不同时期的艺术流派与当时的社会文化背景相结合，使得艺术的演变脉络清晰可见。尤其是一些关于光影和透视的章节，讲解得非常系统和透彻，让我这个业余爱好者也茅塞顿开。书中的一些对比分析非常精彩，比如将文艺复兴时期的写实主义与印象派的光影捕捉进行比较，让人对艺术的发展有了更宏观的认识。虽然内容量很大，但作者的叙述方式非常引人入胜，即便是一些枯燥的理论知识，在他的笔下也变得活泼起来，让人忍不住一口气读完。

评分☆☆☆☆☆

这部书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，从封面到内页的排版，都透露出一种对艺术的敬畏与细腻。尤其是那种触感温润的纸张，拿在手里仿佛就能感受到时光的流淌。我特别喜欢它在细节上的处理，比如那些精心挑选的插图，每一幅都经过了细致的打磨，色彩的运用和构图的选择都极具匠心。翻阅的过程本身就是一种享受，就像是走进了一个精心布置的艺术殿堂，让人心神为之一振。作者在文字描述上同样功力深厚，那种对美学的独到见解和深刻洞察，总能轻易抓住读者的心。读完后，我感觉自己的审美眼光被提升了一个层次，看世界的方式都变得不一样了。书中的一些案例分析，深入浅出，既有理论高度，又不乏生动的实例，让人在轻松阅读中领悟到艺术的精髓。这本书不仅是知识的积累，更是一次心灵的洗礼。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对这种“大部头”的艺术类书籍有些望而却步，担心内容会过于晦涩难懂。然而，这本书完全超出了我的预期。它的叙事风格极其流畅自然，仿佛一位经验丰富的导游，带着你穿梭于不同的艺术时空。作者的文笔中有一种特有的温和与坚定，既表达了对经典的尊重，也展现了对新观念的包容。我尤其欣赏它对于不同文化背景下艺术表现手法的探讨，那种跨越地域和民族的视角，极大地拓宽了我的视野。比如，书中对东方水墨画意境的描绘，与西方油画的写实风格形成鲜明对比，但作者却能从中找到共通的美学内核。这本书读起来没有压力，更像是一场愉快的知识探险，让人在轻松愉悦的心情中收获满满。

评分☆☆☆☆☆

《黄泉下的美术》是巫鸿在三联继《礼仪中的美术》、《时空中的美术》后出版的第三本专著，也是他在《美术史十议》第七章《“墓葬”：美术史学科更新的一个案例》中提出的方法论的一个具体实践，是他第一部对中国墓葬艺术传统的综合性研究。他从空间性、物质性、时间性三个比较观念性的角度，阐释了中国墓葬艺术从史前一直到宋辽金这漫长时段中的历史变迁，也具体呈现了他尝试建立的一套系统的处理和理解考古材料的理论方法，从而生动地向我们展示出中国古人对于“生”与“死”这一人生基本问题的看法和实践，对读者多有启发，对研究者也有一定的借鉴意义。

评分☆☆☆☆☆

买早了，应该等618的，质量不错，就是彩图不是很多，可以全部彩图呀，多好看！

评分☆☆☆☆☆

好看!!!!发货也快，值得购买的好书

评分☆☆☆☆☆

巫鸿先生的作品，理路特殊。印刷精良，值得拥有

评分☆☆☆☆☆

最值得称赞的是快递员的服务和送货速度。这是我选择京东的原因。但是活动力度，特别是图书的活动力度比不上当当。要改进哟。

评分☆☆☆☆☆

替别人买的，也不知道他看没看。社会社会|?ω?｀)

评分☆☆☆☆☆

我是顶喜欢巫鸿对于中国艺术另辟蹊径的解读的。从《黄泉下的美术》《时空中的美术》《中国古代美术和建筑中纪念碑性》《重屏：中国绘画的媒介和表现》再到荣荣画家的记述，老师博大的事业确实令人震撼。这本书其实就是这么多书附属讲座的收割机，略带重复意味。但还是好可惜没听到他在复旦的讲座。

评分☆☆☆☆☆

还没有歇息的读物，洪镇能出书啊，基本上都买了，所以价格也要花销一大部分，等读完了再来追评吧

评分☆☆☆☆☆

精装，很不错，就是有点贵啊。