十九世纪钢琴音乐（第2版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] R.拉里·托德 著，吴源渊 译

图书标签:

• 钢琴音乐
• 19世纪
• 古典音乐
• 音乐史
• 音乐欣赏
• 音乐理论
• 浪漫主义
• 作曲家
• 音乐作品
• 钢琴

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103049846

版次：1

商品编码：11880751

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

丛书名： 外国音乐学术经典译著文库

开本：16开

出版时间：2015-05-01

用纸：胶版纸

页数：527

正文语种：中文

内容简介

　　《十九世纪钢琴音乐（第2版）》收录现当代国外知名音乐学者对于19世纪钢琴音乐的学术研究文章，对19世纪的重要音乐家的钢琴作品及创作进行了不同角度的分析讨论，是一本极有价值的理论文献。内容简介：《十九世纪钢琴音乐（第2版）》共有11章，收录现当代国外知名音乐学者对于19世纪钢琴音乐的学术研究文章。书中在详细阐述了19世纪钢琴发展和演奏实践的基础上，分别对贝多芬、舒伯特、门德尔松、肖邦、李斯特等19世纪伟大的钢琴家和作曲家为专题进行研究和分析。

目录

第1版序
鸣谢
第2版序
分章作者简介
第一章 钢琴与19世纪
第二章 正统、似非而是和矛盾：19世纪钢琴音乐中的演奏实践
第三章 贝多芬
第四章 舒伯特的钢琴作品
第五章 韦伯的钢琴音乐
第六章 钢琴音乐改革：费利克斯·门德尔松·巴托尔迪的个案
第七章 聆听波兰——肖邦与民族乐派
第八章 舒曼与市场：从蝴蝶到家庭音乐
第九章 从音乐厅到沙龙：克拉拉·维克·舒曼和范妮·门德尔松·亨赛尔的钢琴音乐
第十章 勃拉姆斯——从古典到现代
第十一章 李斯特钢琴音乐中极具表现力的声音

前言/序言

音乐史的深邃回响：十九世纪欧洲器乐的辉煌与变革 本书旨在深入探讨十九世纪欧洲器乐艺术的演进脉络、核心思潮及其代表性成就，构建一个宏大而细腻的音乐图景。它并非仅仅是一部作品的罗列，而是一部关于时代精神、技术革新与美学转型的综合研究。 第一部分：浪漫主义的黎明与序曲 十九世纪的音乐界，如同欧洲大陆上涌动的社会思潮一样，正经历着一场深刻的、自巴赫和莫扎特时代奠基的古典主义向全新领域的跃迁。本部分首先考察了贝多芬晚期作品如何预示了这一转变，特别是其对个体情感表达的极致追求，为后续的浪漫主义浪潮铺设了坚实的思想基础。 我们将详细分析抒情性（lyricism）如何成为衡量音乐价值的新标准。传统上结构至上的观念逐渐被主观情感的直接抒发所取代。肖邦的音乐，尤其是他的夜曲和叙事曲，成为了这种个人化叙事登峰造极的体现。这些作品不再仅仅是为音乐厅服务，它们是为灵魂而作，私密性与公众展示的界限开始模糊。 技术层面的进步，尤其是在钢琴制造领域的突破，为这种情感的释放提供了物理基础。更坚固的框架、更广的音域以及对踏板更精妙的控制，使得钢琴从古典时期的精致乐器，一跃成为能承载史诗般宏大叙事和细腻内心波动的“情感交响乐器”。我们将专门辟章论述这种制造工艺的革新如何直接影响了作曲家的创作手法，例如力度控制（dynamics）和音色（timbre）的运用达到了前所未有的复杂程度。 第二部分：体裁的拓展与英雄主义的颂歌 十九世纪中叶，器乐体裁经历了显著的扩大与重塑。交响乐作为“纯音乐”（Absolute Music）的最高殿堂，受到了来自两股主要力量的挑战与滋养：一是李斯特倡导的“标题音乐”（Program Music）思潮，二是德彪西等对德奥传统发起的隐秘反叛。 交响诗的崛起： 本部分将聚焦于李斯特如何通过交响诗这一全新体裁，成功地将文学、绘画乃至哲学思想熔铸于管弦乐之中。这种创新不仅丰富了音乐的表现手法，更重要的是，它为音乐在社会文化中的角色提供了新的定义——音乐不再是抽象的美，而是能够讲述故事、描绘景象的媒介。我们将细致分析其“主导动机”（Leitmotif）的运用，以及这些动机如何在作品的结构中起到有机统一的作用，这与瓦格纳在歌剧中的实践有着深刻的关联。 室内乐的坚守与突破： 尽管标题音乐声势浩大，但以勃拉姆斯为代表的“保守派”依然坚守着奏鸣曲和室内乐的古典结构。然而，这种“坚守”并非简单的复古。勃拉姆斯的四重奏和奏鸣曲，在继承贝多芬的严谨结构的同时，注入了深刻的德奥民间音乐的内敛气质与晚期浪漫主义的和声色彩。我们需分析，在结构主义的框架内，如何通过和声的复杂化和对复调技巧的娴熟运用，实现了形式上的严谨与情感上的丰富共存。 第三部分：民族主义的色彩与地域之声 随着欧洲民族意识的觉醒，音乐开始承担起构建国家身份的重任。十九世纪中后期的作曲家们，不再满足于维也纳和巴黎的中心地位，他们开始深入挖掘本民族的民间音乐、民间传说和历史叙事。 俄国五人组（The Mighty Handful）的贡献是本阶段分析的重中之重。以穆索尔斯基和林姆斯基-科萨科夫为代表，他们刻意疏远德奥的学院派规范，转而从东正教圣歌、俄罗斯史诗（如《鲍里斯·戈杜诺夫》的音乐语言）以及俄罗斯民间旋律中汲取灵感。他们的配器大胆、和声色彩独特，直接挑战了传统的调性系统，为二十世纪的现代音乐埋下了伏笔。 北欧与东欧的回响： 斯堪的纳维亚半岛的西贝柳斯和捷克的德沃夏克，则以其独特的地理环境和民族气质，为器乐注入了迥异的色彩。西贝柳斯的交响诗如《芬兰颂》，是民族主义精神在音乐中升华的典范，其对北欧荒凉与力量的描绘，彻底摆脱了对德奥传统的依赖。德沃夏克的作品，尤其是他的斯拉夫舞曲和“新世界”交响曲，展示了如何在接受了欧洲传统技法的同时，成功地融合了美国黑人民歌和捷克本土节奏的元素。 第四部分：技巧的极限与乐思的终结 在十九世纪末期，技术难度达到了一个令人咋舌的高度。这不仅体现在李斯特钢琴作品中对指法的极限挑战，也体现在瓦格纳歌剧管弦乐配器中对音域和织体复杂性的极致探索。 然而，这种对表现力的不懈追求，也带来了美学上的反思与疲惫。随着调性系统的被不断拉伸、和声的复杂化已达极致，一些先锋性的作曲家开始寻求新的方向，预示着浪漫主义的终结。 本部分将探讨调性模糊化（Tonal Ambiguity）的早期现象，例如李斯特晚期作品中出现的倾向于半音化的和声，以及理查·施特劳斯在追求极致标题描绘时对传统形式的瓦解。这标志着器乐艺术站在了一个十字路口：要么继续推向无止境的宏大与复杂，要么转向对更本质、更精炼的音乐语言的探索——即二十世纪初的印象主义与现代主义。 总结与展望： 本书的结论部分将梳理十九世纪器乐对二十世纪音乐的深远影响，强调这一百年是技术、情感、民族主义与个人表达激烈碰撞的时代。它为我们理解现代音乐如何脱胎于此，提供了不可或缺的历史参照系。通过对这部史诗般的音乐历程的梳理，读者将能更深刻地领悟到，我们今天所聆听的几乎所有西方器乐传统，都深深地烙印着十九世纪的辉煌印记。

评分☆☆☆☆☆

这本《十九世纪钢琴音乐（第2版）》实在是让我找到了我一直以来在寻找的宝藏！我本人的钢琴学习经历比较曲折，早年学过一些基础，后来因为工作原因搁置了近十年，最近才重新拾起来。说实话，重新面对那些复杂的和声进行和快速的跑动时，心里是有些打鼓的。但这本书的编排方式，简直是为我这种“半路出家”的成年学习者量身定做的。它没有一上来就扔给我一堆晦涩难懂的理论，而是巧妙地从那个黄金时代各个作曲家的“个性”入手。比如，介绍肖邦时，它深入分析了那些看似随性却极其讲究的“鲁巴托”（Rubato）技巧，并配有大量的范例，让我明白了为何同样一首夜曲，不同演奏家弹出来感觉天差地别。更让我惊喜的是，它对李斯特晚期作品中那种近乎“印象派”的色彩运用，解释得极为透彻，不再是简单地把它们归类为“炫技”。我尤其喜欢书中关于踏板使用精妙之处的论述，它不是教你“该踩还是不该踩”，而是告诉你不同音乐情绪下，踏板如何成为声音的“色彩笔”。这本书的排版清晰，乐谱示例准确无误，即便是作为一本参考书，它也提供了极高的阅读舒适度。对于任何想深入了解十九世纪钢琴艺术精髓的业余爱好者或者音乐学生来说，这绝对是案头必备的工具书，它的价值远超价格本身，我现在甚至开始研究起德彪西对十九世纪晚期和声的继承与反叛了，这一切都源于对那个时代基础的扎实理解。

评分☆☆☆☆☆

作为一个在国外音乐学院进修的学生，我手头已经有很多关于浪漫主义音乐的英文原版教材，但《十九世纪钢琴音乐（第2版）》在某些细节的呈现上，依然具有不可替代的优势。最显著的一点是它对“演奏传统”的追溯和尊重。它不仅分析了乐谱本身，还穿插了大量十九世纪演奏家（如布索尼、希洛夫等）的访谈片段和对同一作品的不同早期录音的评论，这为理解“什么是地道的十九世纪风格”提供了声音的佐证。它清晰地区分了“作曲家原意”与“后世演奏习惯”之间的微妙张力。此外，这本书的文献引用做得非常出色，每一章后面都有详尽的推荐阅读书目和重要学术论文列表，这对于需要进行深入研究的学生来说，简直是导航图。我尤其赞赏它对“不那么热门”的作曲家的讨论，例如戈特沙尔克（Gottschalk）或门德尔松的钢琴作品，书中对他们的挖掘和定位，远远超过了主流教科书的敷衍介绍，展现了编者广博的学识和严谨的求实态度。这本书的修订版，在更新了最新的研究成果方面做得非常及时，整体而言，它是一部集学术性、实用性与鉴赏性于一体的典范之作，是每一位严肃的钢琴学习者和音乐研究者都应该收藏和仔细研读的精品。

评分☆☆☆☆☆

我对十九世纪音乐的兴趣一直停留在听觉层面，主要是迷恋于勃拉姆斯那种德奥式的严谨和舒曼的诗意交织。然而，真正想“吃透”这些作品，光听是远远不够的。这本书（《十九世纪钢琴音乐（第2版）》）的出现，为我提供了一个结构化的框架去理解这些宏伟的音乐建筑。我特别欣赏它处理“历史背景”的方式——它不是枯燥的年表罗列，而是将作曲家的生平事件、当时的社会思潮（比如民族主义的兴起、工业革命对乐器制造的影响）直接嵌入到对音乐风格的分析中。这使得我理解勃拉姆斯的奏鸣曲时，能清晰地感受到他如何在海顿的古典形式与瓦格纳的浪漫主义浪潮之间艰难地保持自己的“德意志精神”。再者，书中对“小型作品”（如圆舞曲、即兴曲、幻想曲）的分析，视角非常新颖。通常教材会着重于奏鸣曲和协奏曲，但这本书花了大量篇幅探讨这些看似“小品”的作品如何承载了当时文人阶层的情感表达，以及它们对二十世纪“碎片化”音乐思维的奠基作用。阅读过程中，我不断地暂停下来，回头去听那些我过去“听过但没听懂”的作品，豁然开朗的感觉非常棒。这本书的学术深度是毋庸置疑的，但它的叙事口吻又足够平易近人，让你感觉不像是在啃一本教材，而是在听一位极其博学的音乐史学家在私下与你畅谈。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书时，主要目的是想系统梳理一下十九世纪中后期，即从舒曼到德彪西过渡期，钢琴音乐是如何一步步走向现代主义的。这本书的第二版果然没有让我失望，它在对核心人物的分析上做到了兼顾广度与深度。让我印象特别深刻的是，它对“民族主义音乐家”在钢琴写作中的体现，提供了非常具体的案例。以往的教材多将格林卡、巴拉基列夫夫等人视为陪衬，但这本书细致分析了他们如何将民间旋律和节奏融入到复杂的欧洲主流钢琴曲式中，比如穆索尔斯基那些充满俄罗斯土壤气息的音型，是如何被巧妙地“钢琴化”的。这种对地方色彩与普世技巧的结合分析，极大地拓宽了我的视野。阅读过程中，我发现它在论述上非常注重“内在逻辑”的连贯性，而不是简单地堆砌作品。例如，它在分析一首练习曲时，会先回顾前人对该体裁的贡献，然后指出这位作曲家是如何通过技术创新来表达新的情感诉求，最后展望其对后世的影响，形成一个完美的闭环。这种层层递进的论述方式，使得即便是相对陌生的作曲家作品，也能迅速抓住其核心价值。这本书的文字功底也十分扎实，流畅而不失学术的严谨性，读起来非常享受。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，作为一个对古典音乐历史有一定了解的听众，我对于市面上那些泛泛而谈的“浪漫主义钢琴”介绍已经感到厌倦了。它们总是把焦点集中在“情感爆发”和“激情澎湃”这些标签上，忽略了技术革新和音乐美学思想的根本转变。《十九世纪钢琴音乐（第2版）》给我的最大震撼在于其对“钢琴本体”的探讨。它没有回避技术层面的进步，而是详尽描述了十九世纪钢琴从维也纳式键盘到全钢架式大钢琴的演变，以及这种物理变化如何直接催生了新的演奏技法和作曲语汇。比如，书中对“延音踏板的极限使用”和“音色的层次控制”的讨论，直接解释了为什么李斯特的织体可以如此庞大和丰富，而早期的莫扎特作品则需要更轻盈的触键。这种由“器乐硬件”反推“软件（音乐）”的逻辑，对我来说是耳目一新的。此外，它对“柏林乐派”和“巴黎乐派”在钢琴音乐上的分野也做了精妙的对比，一个追求结构完整与内在的深刻，另一个则更偏向于光影的描绘与和声的实验。这种细致入微的比较，极大地提升了我对特定乐派之间微妙差别的鉴赏能力。这本书的深度，让我的音乐欣赏从“被动接受”转向了“主动解构”。