中央音乐学院第三套钢琴考级曲的教学与演奏（套装上下册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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泰尔，宁尔 编

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103051320

版次：1

商品编码：11931803

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-04-01

用纸：胶版纸

页数：331

套装数量：2

正文语种：中文

内容简介

　　《中央音乐学院第三套钢琴考级曲的教学与演奏（套装上下册）》是一本钢琴考级教程的辅导教材，将2010年出版的中央音乐学院第三套钢琴考级曲逐首做了全面、深入的分析与研究，以期对刚走出校门正在进行钢琴教学的广大青年教师以及准备考级的考生能有实际帮助。
　　研究包括：在理论上就乐曲中所涉及的作曲家、创作背景及内容、曲式结构等专业知识做了一些浅显的介绍。在弹奏提示中我们不仅介绍了具体的弹奏方法，还将乐曲放在其特定的历史背景下介绍一些不同的演奏风格，同时还分析一些名演奏家的音响资料，以供大家参考。

目录

（上册）
第一级
一、基本练习
二、练习曲
G大调练习曲
鸡妈妈和它的孩子们
三、复调乐曲
咏叹调
萨拉班德舞曲
四、乐曲
F大调小奏鸣曲（第一乐章Op．41 No．2）
猫主题（选自交响童话《彼得与狼》）
快乐的女战士（选自舞剧《红色娘子军》）
第二级
一、基本练习
二、练习曲
练习曲
快乐的小天使
三、复调乐曲
对话
映山红
四、乐曲
军队进行曲
戈帕克舞曲（选自歌剧《索罗钦斯克集市》）
夏日里最后的玫瑰
第三级
一、基本练习
二、练习曲
愉快的旅行（Op．823 No．54）
练习曲
三、复调曲
帕都亚那舞曲
咏叹调
……
第四级
第五级
第六级

（下册）
第七级
第八级
第九级
主要参考书目

乐音的指引：西方古典钢琴演奏的深度探索与实践 图书名称： 乐音的指引：西方古典钢琴演奏的深度探索与实践（套装两册） 作者： 钢琴教育研究组 出版社： 音乐学府出版社 装帧形式： 精装，双册套装 页数： 约 1200 页（上下册合计） --- 图书简介 本套《乐音的指引：西方古典钢琴演奏的深度探索与实践》共分上下两册，并非针对特定地域或特定教育体系的考级曲目进行逐一解析，而是立足于整个西方古典钢琴音乐历史的宏大叙事，提供一套全面、系统且富有洞察力的演奏理论、技术构建与艺术诠释指南。本书旨在为所有严肃的钢琴学习者、演奏家以及音乐教育工作者提供一个超越曲目限制、直抵音乐核心的知识体系。 上册：技术基石与风格溯源 (The Foundation: Technique and Stylistic Provenance) 上册的核心目标在于构建坚实的演奏基础，并带领读者穿越巴洛克至浪漫主义早期数个重要音乐时期的演变历程，理解不同时代风格对演奏技巧和情感表达的内在要求。 第一部分：钢琴演奏的本体论与人体工程学 本部分深入探讨钢琴演奏的生理基础和触键机制。我们摒弃了机械化的“标准姿势”说教，转而关注演奏者与乐器之间形成的最有效、最健康的人体工学关系。 触键的物理学解析： 分析重量传递、手指独立性、手腕的柔韧性如何共同作用于琴键，实现从 pianissimo 到 fortissimo 的动态广度控制。重点解析“重量的释放”与“音色的塑形”，而非单纯的“力度练习”。 指法设计的哲学： 探讨古典指法（如车尔尼、哈农）的演进，并结合现代音乐对大跨度、复杂交织音型的需求，提出一套灵活的指法应变策略。特别关注如何处理复调织体中声部的独立性。 节奏的精准与自由： 深入解析时间感在演奏中的作用。不仅涵盖节拍的准确性，更探讨如巴赫与莫扎特作品中内在的“律动”（Pulsation）与演奏者对小节线处理的微妙弹性（Rubato的古典概念）。 第二部分：风格的语境与历史的音响 本部分是本书的灵魂之一，它强调演奏风格的“历史可信度” (Historical Verisimilitude)。我们不将不同时期的作品视为同一把“钥匙”可以开启，而是将其视为需要特定文化背景和乐器知识的“密码锁”。 巴赫的“多声部思维”： 探讨巴赫键盘音乐（如《平均律》与法国组曲）中，如何将对位法结构转化为清晰的声部线条。着重分析了原乐器（羽管键琴）对现代钢琴演奏的启示，例如触键的清晰度与音链的连续性。 古典主义的清晰与平衡（海顿、莫扎特）： 聚焦于清晰的结构、精妙的对话感与透明的音响。解析奏鸣曲式中主题的展开与再现，以及在钢琴上如何实现弦乐四重奏般的清晰度与层次感。 贝多芬的革新与力量： 深入分析贝多芬如何利用钢琴性能的扩展来表达情感的冲突与英雄主义。重点分析其踏板用法（不同于早期钢琴的弱化或强化作用），以及如何平衡力度对比与织体密度。 第三部分：乐谱的解密与诠释的边界 这部分指导读者如何像一位历史学家和侦探一样阅读乐谱。 记号的层级分析： 对力度标记（p, f, sffz）、表情术语（espressivo, dolce）进行细致的词源学和历史语境考证，避免当代诠释的“过度浪漫化”。 踏板艺术的再审视： 区别和弦踏板、延音踏板与保持音踏板的运用。结合不同钢琴制造时期对延音效果的差异，提出在现代钢琴上重建早期效果的实用技巧。 --- 下册：跨越时期的演奏实践与当代视野 (Practice Across Eras and Contemporary Perspectives) 下册将视线投向浪漫主义中后期至二十世纪初，并探讨现代音乐对演奏技法提出的新挑战，最终落脚于建立个人化的艺术表达体系。 第一部分：浪漫主义的深度与色彩 (The Depth of Romanticism) 浪漫主义时期，钢琴技术和情感表达达到了前所未有的广度和深度。 肖邦的“歌唱性”与指尖的诗意： 探讨肖邦音乐中对波兰民间音乐的内化，以及如何将钢琴演奏转化为无与伦比的“美声唱法”。重点解析揉弦（Tremolo）和琶音的流畅性，以及如何在高密度音符中保持旋律线的呼吸感。 舒曼与李斯特的叙事性： 分析舒曼作品中对文学和梦境的描绘，如何在音乐中实现“角色的转换”。对于李斯特，则侧重于展现大型炫技作品背后的结构逻辑与戏剧张力，而非纯粹的技术展示。 德彪西与印象派的和声空间： 介绍如何处理非传统调性体系下的踏板和音色。如何利用钢琴的共鸣腔体，创造出“色彩斑斓”的音响雾霭，这是对古典清晰度的一种有意识的偏离。 第二部分：跨越边界的现代技法 本部分面向对二十世纪及当代音乐感兴趣的演奏者。 拉赫玛尼诺夫与大型协奏曲的驾驭： 专注于处理超大跨度、复杂和声与巨量音符下的耐力与清晰度。讨论如何在保持管弦乐般厚重和声的同时，确保每一声部的清晰表达。 二十世纪的演奏挑战： 探讨巴托克、斯特拉文斯基作品中对节奏的非对称处理、打击乐化音色（Percussive Timbres）的运用，以及对传统音律的挑战。 第三部分：个人化的诠释构建与舞台准备 本书的最终目标是培养演奏者独立思考和自我完善的能力。 听觉训练与自我评估： 提出一套系统的录音分析与反思方法，帮助演奏者跳出主观感受，以客观“听众”的角度审视自己的演奏，特别是音色、平衡与结构。 音乐会的心理调适： 提供从排练到舞台的完整心理准备流程，包括如何管理演奏焦虑、如何在现场根据乐器和厅堂条件进行微调（即兴的艺术判断）。 建立个人演奏“词典”： 鼓励学习者系统整理和吸收不同大师的演奏理念，最终融合形成一套既尊重历史传统又符合个人天赋的、独一无二的演奏风格。 总结 《乐音的指引》是一部旨在深入挖掘西方古典钢琴音乐“为何如此演奏”的深度著作。它不提供标准答案，而是提供解析的工具、历史的背景和技术的框架，帮助每一位学习者在广阔的音乐历史长河中，找到属于自己的声音和表达的路径。本书适合具有一定基础，渴望从“技巧学习者”迈向“音乐诠释者”的严肃钢琴爱好者与专业人士。

评分☆☆☆☆☆

这套《中央音乐学院第三套钢琴考级曲的教学与演奏（套装上下册）》的出版，对于正在备考或从事钢琴教学的音乐人来说，无疑是一份及时雨。我尤其欣赏它在曲目选择上的独到眼光。它并非仅仅罗列了考级曲目，而是深入挖掘了每一首作品背后的技术难点与音乐内涵。比如对于巴赫的赋曲，书中详尽地分析了声部线条的独立性与织体层次的清晰处理，这远超一般教材的泛泛而谈，它教会的不是“怎么弹”，而是“为什么这样弹”。我还注意到，对于肖邦的练习曲，编者没有简单地提供指法建议，而是结合了演奏者的生理特点和不同的触键深度，给出了多种可行性的技术路径，这对于不同基础和手型的学生来说，提供了极大的灵活性和参考价值。这种将理论深度与实践操作紧密结合的编排方式，使得这套书的实用价值大大提升，让我在指导学生时，能更自信、更精准地把握教学重点，避免了许多以往在处理高难度技巧时容易陷入的误区。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的钢琴教师，我最看重的是教学方法的系统性和前瞻性。这套书在方法论上的构建，简直可以称得上是一份详尽的“教学蓝图”。它不仅涵盖了从初级到高级的完整曲目解析，更巧妙地融入了不同历史时期、不同风格作品的鉴赏与处理策略。比如，在处理近现代作品时，书中不仅提到了非传统音阶和和声的运用，还引入了当代音乐分析的视角，引导学生跳出传统审美框架去理解音乐的张力与色彩。更让我耳目一新的是，它在“演奏”层面的探讨，加入了对舞台心理学和乐谱“再创作”的讨论。这部分内容非常宝贵，它提醒我们，钢琴教育的最终目标是培养具有独立音乐思想的演奏者，而不仅仅是技巧的复制者。这种将音乐学、心理学与演奏技巧融为一体的综合性视角，使得这套书的价值远远超出了考级辅导的范畴，更像是一部钢琴教育的“百科全书”。

评分☆☆☆☆☆

我最近在研读这套书时，对其排版和装帧质量深感满意。众所周知，厚重的钢琴教材，如果内页设计不合理，阅读体验会大打折扣。然而，这套上下册的纸张选用上乘，墨色清晰，即便是长时间在灯光下对照乐谱研习，眼睛也不会感到疲劳。尤其值得称赞的是，在关键的指法标注和力度记号的处理上，采用了高亮或不同字体的区分，使得复杂乐谱中的细节一目了然，极大地提高了学习效率。此外，我发现书中对部分难点的“慢练示范”描述得极为生动形象，它不是冰冷的文字，而是仿佛能听到演奏家的声音在耳边指导。这种对细节的极致追求，体现了出版方对专业人士的尊重，也让这套书不仅是工具书，更是一件值得收藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

从一个普通学习者的角度来看，这套书最大的优点在于它的“可读性”与“应用性”达到了完美的平衡。虽然内容专业，但作者的叙述语言却保持了相当的亲和力，没有使用过多晦涩难懂的术语来故作高深。对于我这种虽然有一定基础但缺乏系统理论支撑的自学者而言，它就像一位耐心且博学的导师。书中对曲目背景的介绍，如当时的社会环境、作曲家的创作心境等，都描绘得引人入胜，这极大地激发了我对作品深层情感的探索欲望。我不再是机械地模仿指法，而是开始尝试去“理解”和“表达”作曲家想要诉说的故事。这种由“技术驱动”转向“情感驱动”的学习转变，是这套书带给我的最宝贵的收获，它让枯燥的练习过程变得充满乐趣和意义。

评分☆☆☆☆☆

购买这套书的初衷是想解决我学生在备考过程中遇到的瓶颈问题，尤其是那些在技术与音乐表现力之间难以平衡的曲目。令我惊喜的是，它在“技术转化”这块的处理非常到位。书中提供了一种将单一技术片段进行拆解、变奏和组合练习的方法论，这套方法论让我得以从根本上解决学生“会弹但弹不好”的顽疾。例如，针对某些需要强大手腕支撑和手指独立性的段落，书中所述的“重量转移”训练法，比我以往使用的“手指强化”训练更具效率和音乐性，它教会学生如何用身体的协调性去支撑手指的力量，而不是单纯地“练死力气”。这种深入到身体力学层面的解析，是市面上许多同类教材所缺失的，它确实是为追求高标准演奏而设计的专业指南。

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非常好

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正品，信赖京东，满意。

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相当给力

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