20世纪管弦乐作品选例分析 [Analysis Of Selected Orchestral Works Form The 20th Century] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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常平 著

图书标签:

• 20世纪音乐
• 管弦乐
• 音乐分析
• 西方古典音乐
• 现代音乐
• 音乐史
• 作品分析
• 音乐理论
• 作曲技法
• 音乐欣赏

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810966672

版次：1

商品编码：12044020

包装：平装

外文名称：Analysis Of Selected Orchestral Works Form The 20th Century

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：胶版纸

页数：183

正文语种：中文

内容简介

　　《20世纪管弦乐作品选例分析》为音乐分析类书籍，主要针对20世纪的管弦乐作品。20世纪是一个管弦乐创作风格多元化的时代，调性的打破、音响的解放使管弦乐写作技术、创作观念以及审美取向产生了巨大的变化与发展。探寻这一时期管弦乐创作的技术特征是《20世纪管弦乐作品选例分析》的主要目的。

作者简介

　　常平，毕业于中央音乐学院作曲系，师从唐建平教授，作曲博士。2008年由国家教育部公派，作为访问学者赴德国柏林艺术大学深造。现执教于中央音乐学院作曲系，研究生导师，并担任中央音乐学院附中副校长，兼任美国华人音乐家协会评委。常平的创作涉猎广泛，作品数量大，有许多作品活跃于国内、国际音乐舞台并多次获得大奖。

目录

引言
第一章 20世纪管弦乐创作概况
第一节 20世纪上半叶
第二节 20世纪下半叶

第二章 乐队的形制
第一节 乐队形制的意义
第二节 乐队形制的具体分析
一、瓦雷兹的《阿关利加》
二、里盖蒂的《大气》
三、彭德雷茨基的《第一交响曲》
四、施托克豪森的《群》
五、贝里奥的《交响曲》
六、克拉姆的《想象中的风景》
七、诺诺的《走自己的路》

第三章 音响观念的发展
第一节 乐队音响多方位化的倾向
一、施托克豪森的《群》
二、诺诺的《走自己的路》
第二节 乐队中的“新”音色
一、非常规“乐器”的引入
二、常规乐器的音色发展
第三节 “新”人声的运用

第四章 音乐结构及展开的技术
第一节 《阿美利加》的结构观念和思维
第二节 里盖蒂《大气》的音乐结构及其发展

第五章 关于配器技术
第一节 《阿美利加》的配器分析
第二节 《大气》的配器分析
第三节 彭德雷茨基的《第一交响曲》
第四节 卢托斯拉夫斯基的《第三交响曲》

结语
主要参考文献

20世纪管弦乐作品选例分析 [Analysis Of Selected Orchestral Works Form The 20th Century] 简介 本书旨在为音乐学习者、演奏家、指挥家以及所有对20世纪管弦乐发展史感兴趣的读者提供一份深入、系统且富有洞察力的分析指南。20世纪是西方音乐史上最具变革性的时期之一，作曲家们以前所未有的速度和广度探索了音色、和声、节奏和结构的可能性。理解这一时期的管弦乐队作品，不仅需要掌握传统的对位法和曲式知识，更需要深入理解新兴的音乐哲学、技术革新以及社会文化背景对创作实践的影响。 本书并非一部包罗万象的音乐史教科书，而是一部聚焦于“选例分析”的实践性研究。我们精选了从世纪初至今，在管弦乐技法发展和美学观念转变中具有代表性和里程碑意义的作品，通过细致入微的乐谱分析，揭示其内在的逻辑、创新的手法以及对后世的影响。 --- 第一部分：导论与世纪初的转向 (Early 20th Century Transitions) 在深入具体作品分析之前，本书首先构建了理解20世纪管弦乐语汇转变的理论框架。我们探讨了从浪漫主义晚期到现代主义初期的过渡，重点关注了德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）如何通过印象主义的手法，彻底改变了管弦乐队的音色观念，将乐队视为一个“色彩的调色盘”。 核心议题探讨： 和声的解放与模糊性： 分析了全音阶、五声音阶以及和弦平行进行在管弦配器中的运用，以及如何挑战传统的调性中心。 配器的革新： 考察了传统乐器组的功能性变化，例如木管乐器独立声部的增多、打击乐器的地位提升，以及对管弦乐队音响空间感的重塑。 选例分析焦点： 本部分深入分析了如拉威尔的《圆舞曲》（La Valse）中，那种看似流畅实则内在瓦解的结构，以及德彪西在《海》（La Mer）中对“声响的瞬息变化”的捕捉。 --- 第二部分：表现主义与新古典主义的张力 (Expressionism and Neoclassicism) 20世纪前四分之一的音乐创作被两种截然不同的哲学思潮所主导：柏林学派对人类心理深层焦虑的极端表达，以及对巴洛克与古典时期清晰性与平衡感的回归。 表现主义管弦乐技法（以勋伯格、贝尔格、魏本贝格为例）： 十二音体系的管弦应用： 本书详细解析了十二音序列如何在复杂的管弦织体中得以组织和呈现，尤其关注其在配器上的“非功能性”分配，即不再依赖传统的主导声部与伴奏声部区分。 音色作为结构元素： 重点分析了“音色组”（Klangfarbenmelodie）的概念，即通过快速切换乐器来构建旋律线，而非仅仅是旋律的装饰。 新古典主义的复兴与批判（以斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫为例）： “疏离”的音色： 研究了如何运用古典时期的曲式结构（如奏鸣曲式、赋格）但填充以不协和的和声与冷峻的配器，从而达到一种“疏离的清晰感”。 节奏的机械化： 深入探讨了斯特拉文斯基如何通过强烈的、非对称的、如同机器般精确的节奏模式，重塑管弦乐队的驱动力。 --- 第三部分：战后实验：序列主义、偶然音乐与电子媒介的渗透 (Post-War Experiments) 二战后，音乐创作进入了一个更为激进的探索阶段，作曲家们试图在完全控制（全面序列化）和完全失控（偶然性）的两个极端寻找新的秩序。 全面序列化的管弦控制： 维度控制的复杂性： 详细剖析了布列瑟（Boulez）等作曲家如何将音高、时值、力度、音色等多个维度完全序列化，并探讨这种极端控制对管弦乐演奏技术提出的挑战。 宏大结构与微观分析： 以特定作品为例，展示了如何在宏大的篇章结构中，嵌入高度密集的微观节奏与音响事件的组织。 偶然音乐与开放形式： “未决定性”的配器： 分析了约翰·凯奇（John Cage）等人的作品中，指挥家和演奏者在演奏过程中如何拥有选择权，以及这种选择权如何影响到管弦乐队的整体音响效果。本书特别关注了如何通过图示记谱法（Graphic Notation）来指示乐队的演奏行为，而非传统的五线谱。 电子与声学融合： “活的”变声器： 研究了早期将磁带录音或现场电子处理引入管弦乐队的作品，探讨作曲家如何利用技术手段扩大管弦乐团的音色范围，模拟或超越传统乐器的能力。 --- 第四部分：后现代的多元化与回归 (Pluralism and Retrospection) 进入20世纪后半叶，音乐语言趋于多元化。一些作曲家转向探索新的极简主义结构，另一些则开始有意识地“挪用”或“致敬”过去时期的材料，但用现代的视角进行重新包装。 极简主义的管弦策略： 过程的透明性： 聚焦于重复、渐变和相移（Phasing）技术在大型管弦乐编制中的应用，分析如何通过极简的动机驱动整个作品的运动，以及这种重复如何创造出催眠或冥想式的听觉体验。 新浪漫主义与混合风格： 回归叙事与情感表达： 探讨了在经历了数十年对“进步”的追求后，一些作曲家如何重新拾起情感深度和调性暗示，但其配器手法依然保留了现代主义的色彩技巧。分析了如何平衡传统旋律写作与复杂的现代和声背景。 对传统管弦乐音响的解构与重建： 本部分着重于对传统乐器演奏技法的极限探索——例如，使用延长弓法、非标准演奏位置（如在琴码上演奏）或特殊的呼吸技巧——来挖掘管弦乐队中未被充分利用的“噪音”或“边缘音响”潜力，并将其整合为具有结构意义的音乐材料。 --- 结论：持续演进的管弦乐未来 本书在分析完这些关键作品之后，总结了20世纪管弦乐发展的几个核心趋势：从强调“结构透明度”到拥抱“音响的复杂性”；从对“调性中心”的否定到在特定语境下对其的审慎回归；以及管弦乐队本身作为文化符号的地位变化。 通过对这些选例的深入剖析，读者将能够掌握理解现代管弦总谱的必要工具，并能识别出不同流派和风格背后的深刻创作意图。本书的最终目标是培养读者对20世纪管弦音乐的鉴赏能力，使其不仅能“听懂”这些作品，更能“理解”它们是如何在历史的洪流中诞生的。本书所选的案例，无一不代表了当时作曲家对“管弦乐”这一体裁所能达到的边界的坚定探索与重新定义。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐教师，经常需要为学生们准备讲解材料。《20世纪管弦乐作品选例分析》这本书，为我提供了宝贵的教学资源。书中对一些具有代表性的20世纪管弦乐作品的分析，讲解清晰，条理分明，非常适合用于课堂教学。例如，书中对格什温《蓝色狂想曲》的分析，不仅解释了其独特的融合爵士与古典的风格，还深入剖析了其旋律、节奏和配器的特点，让学生们能够轻松理解这部作品的魅力所在。此外，书中对一些被认为是“入门级”的20世纪管弦乐作品的讲解，如巴托克《管弦乐协奏曲》，作者是如何将复杂的结构和多声部写作，用通俗易懂的语言和生动的例子呈现出来，对于激发学生的学习兴趣起到了关键作用。我尤其欣赏书中对不同作曲家创作风格的比较分析，这有助于学生们建立起对20世纪音乐多样性的整体认知。虽然我希望书中能增加更多针对中小学生的音乐欣赏练习，但总体而言，这本书极大地减轻了我的备课负担，并提升了教学效果。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对音乐充满热爱，但又对乐理和作曲技巧知之甚少的普通听众。听20世纪的管弦乐作品，对我来说常常是一种挑战，很多时候我能感受到其独特的音响效果，但却不理解其背后的深层含义。《20世纪管弦乐作品选例分析》这本书，就像一位耐心的向导，带领我一步步走进20世纪管弦乐的奇妙世界。书中对那些我从未听过的、但又被推荐的作品，进行了生动形象的介绍。我尤其喜欢书中对新古典主义作品的讲解，比如普朗克，作者是如何用一种幽默而又不失深刻的笔触，描述了普朗克如何将巴洛克和古典时期的音乐语汇，重新组合成一种既熟悉又陌生的新面貌，这让我对“复古”的创新有了新的认识。书中也涉及了一些极简主义的作品，虽然我仍然觉得它们的重复性有时让我感到困惑，但通过作者的解释，我开始尝试去感受那种“流逝的时间”和“细微的变化”，逐渐体会到其中蕴含的哲学意味。这本书没有使用过多的专业术语，而是用一种非常具象化的方式，让我能够“听见”音乐背后的故事和情感，极大地提升了我欣赏音乐的乐趣，让我对20世纪管弦乐不再感到畏惧，而是充满了探索的欲望。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐学院的学生，主修作曲。在学习过程中，对于20世纪管弦乐的庞杂风格和革新技法常常感到无从下手。《20世纪管弦乐作品选例分析》这本书，可以说是我近期遇到的最宝贵的学习资料。书中对勋伯格十二音技法的阐述，让我从理论的迷雾中走出来，看到了它在实际作品中的应用。作者清晰地分析了《五首管弦乐曲，作品16》中十二音体系的构建方式，以及这种技法如何影响了旋律、和声和整体的结构。这对于我理解无调性音乐的内在秩序至关重要。此外，书中对斯特拉文斯基《春之祭》的分析，更是让我对现代节奏和配器的力量有了全新的认识。作者是如何揭示乐曲中那些令人不安的节奏断裂、不协和的和声以及独特的打击乐运用，如何共同塑造出一种原始而野性的力量，这是我以前在纯粹的理论学习中难以体会到的。书中还涉及了巴托克、普罗科菲耶夫等作曲家，他们如何将民族音乐元素与现代创作手法融合，创造出独具特色的声音世界，也为我的创作提供了丰富的灵感。虽然我希望书中能有更多关于如何实际运用这些技法的案例，但总体而言，这本书为我提供了一个坚实的理论基础和丰富的实践范例，是我的学习路上不可或缺的伙伴。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对20世纪音乐充满好奇的业余爱好者，我一直渴望能有一本能够深入浅出地解读那个时代浩瀚管弦乐海洋的指南。这部《20世纪管弦乐作品选例分析》在我手中，就像打开了一扇通往新世界的大门。我尤其被书中对印象派大师们的作品的剖析所吸引，那些细腻的色彩变化、模糊的轮廓以及对自然界声音的模拟，通过作者严谨而富有洞察力的文字，变得生动形象。我不再仅仅是听到音符的堆砌，而是能够理解德彪西如何用管弦乐描绘出一幅幅流动的画面，如何营造出一种沉浸式的听觉体验。书中对拉威尔的《波莱罗》的解析更是让我大开眼界，它不仅仅是关于节奏的重复和音量的渐强，更是关于如何通过乐器组合和音色变化来构建一种极致的张力，以及这种张力如何在结尾达到令人惊叹的爆发。作者对乐曲结构、和声语言以及配器手法的细致解读，让我能够更深层次地体会到作曲家们在创作中的匠心独运。虽然我对某些前卫的、实验性的作品 still feel a bit lost，但通过这本书的引导，我发现即使是那些看似“难以理解”的作品，也蕴含着独特的逻辑和情感表达，等待着我去发掘。这本书的价值在于它不仅提供了分析，更激发了我进一步探索和聆听的热情。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的古典音乐发烧友，我收藏了大量20世纪管弦乐的唱片。然而，很多时候，在欣赏过程中，我总觉得缺少了点什么，像是隔着一层纱。《20世纪管弦乐作品选例分析》这本书，恰恰填补了我的这一空白。书中对一些我耳熟能详但又难以捉摸的作品，进行了深入的剖析，让我豁然开朗。比如，书中对马勒的后期作品的解读，不仅仅停留在对宏大结构和深刻情感的描述，更是深入挖掘了其配器上的创新，如何通过奇特乐器的运用和非传统的音响组合，来营造出一种既辉煌又充满内省的氛围。我一直对马勒那些看似“随心所欲”的配器感到好奇，这本书为我揭示了其背后严谨的逻辑和深刻的艺术追求。另外，书中对肖斯塔科维奇那些充满戏剧张力和隐喻的作品的分析，也让我对那个特殊时代音乐家的创作有了更深的理解。作者是如何在压抑的环境下，通过音乐的旋律、节奏和和声，表达出复杂的情感和深刻的社会关怀，这让我对肖斯塔科维奇音乐的理解上升到了一个新的高度。通过这本书，我能够更自信地进入那些挑战性的作品，并且从中获得更丰富的艺术享受。