西方音乐风格与体裁赏析（上册）：从中世纪到古典主义时期 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙怡 著

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• 音乐史
• 西方音乐
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• 音乐体裁
• 中世纪音乐
• 文艺复兴音乐
• 巴洛克音乐
• 古典主义音乐
• 音乐赏析
• 音乐理论

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810968294

版次：1

商品编码：12180489

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-08-01

用纸：胶版纸

页数：230

字数：281000

正文语种：中文

内容简介

　　《西方音乐风格与体裁赏析（上册）：从中世纪到古典主义时期》的具体特点如下：
　　1.强调风格与体裁的演变。力求用简洁的语言勾勒出包含社会背景、风格特点、重要作曲家、经典作品的音乐“地图”，帮助学生理解音乐。
　　2.讲解重要作品。从曲式结构、和声、复调、基本音乐术语等方面讲解作品，使学生掌握作曲技术的一般概念；学习分析音乐本体的基本思路，促进对讲解内容的理解与把握。
　　3.注重与西方文化史、西方艺术史的融会贯通。通过关联文化史、艺术史来再现音乐产生的社会背景，从而理解音乐史上具有重要地位的作曲家、作品和风格流派的衍变。
　　4.设立课后问题。为了巩固对音乐历史线索的把握，增强音乐分析的实际操作能力，促进思考，教材结合青少年所习惯的其他学科的学习方式，专门设立了课后思考题。
　　5.较强的趣味性和可读性。为了增加学生的学习兴趣，教材中加入了一些据史料可考的作曲家轶事。

目录

第一讲 绪论
第二讲 中世纪的格里高利圣咏、弥撒曲、经文歌、田园恋歌、回旋歌、巴拉塔
重点作曲家：马肖、兰迪尼
第三讲 文艺复兴时期的尚松、牧歌、弥撒曲、坎佐纳
重点作曲家：雅内坎、蒙特威尔第、帕莱斯特里纳、加布里埃利
第四讲 巴罗克时期的意大利歌剧、德国歌剧
重点作曲家：蒙特威尔第、斯卡拉蒂
第五讲 巴罗克时期的法国歌剧、英国歌剧
重点作曲家：吕利、普塞尔、亨德尔
第六讲 巴罗克时期的清唱剧、康塔塔
重点作曲家：许茨、亨德尔、巴赫
第七讲 巴罗克时期的受难乐、弥撒曲
重点作曲家：巴赫
第八讲 巴罗克时期的托卡塔、赋格、前奏曲、随想曲、幻想曲、利切卡尔、奏鸣曲
重点作曲家：巴赫、弗雷斯科巴尔迪、科雷利、塔蒂尼
第九讲 巴罗克时期的变奏曲、协奏曲、古组曲
重点作曲家：科雷利、巴赫、亨德尔、维瓦尔第
第十讲 古典主义时期的歌剧（一）
重点作曲家：佩尔戈莱西、卢梭、佩普施、莫扎特
第十一讲 古典主义时期的歌剧（二）
重点作曲家：格鲁克、莫扎特、贝多芬
第十二讲 古典主义时期的清唱剧、弥撒曲、安魂曲
重点作曲家：海顿、莫扎特、贝多芬
第十三讲 古典主义时期的奏鸣曲
重点作曲家：斯卡拉蒂、海顿、莫扎特、贝多芬
第十四讲 古典主义时期的室内乐
重点作曲家：海顿、莫扎特、贝多芬
第十五讲 古典主义时期的协奏曲
重点作曲家：J．C．巴赫、海顿、莫扎特、贝多芬
第十六讲 古典主义时期的交响曲
重点作曲家：海顿、莫扎特、贝多芬

精彩书摘

　　西方音乐史上的巴罗克（Baroque）时期通常是指1600-1750年，这是西方音乐史上一个伟大的时期，西方音乐文化自此走向成熟。
　　Baruque为法语，源于葡萄牙文baroco，原意指珍珠的怪异及其不规整的形状。巴罗克艺术最早产生于意大利，首先用于建筑艺术中，批评建筑师把小物品，如金盒子和餐具等的巴罗克装饰风格转用到大型建筑装饰中。后来，17世纪流行的建筑风格被称为巴罗克式。特点是规模宏大，大量采用圆柱、圆顶和大量精细甚至奢侈的装饰。巴罗克艺术的特点为既有浓郁的宗教因素又有享乐主义的色彩。它打破理性的宁静和谐，强调艺术家的丰富想象力，关注作品的空间感和立体感，并重视艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合等等。
　　在美术史上，巴罗克原带有贬义。人们把美术史上酌黄金时代——文艺复兴后期出现的老化甚至畸形的阶段称为巴罗克。在艺术批评史上巴罗克也一直与变形、奇异、夸张和怪诞的风格相联系。19世纪末和20世纪，人们的观点发生了变化。德国艺术史学家韦尔夫林对巴罗克风格及其发展进行研究，作出了肯定的评价。美籍德国音乐学家萨克斯继而把这种观点用于音乐史研究方面。
　　巴罗克音乐产生于17世纪和18世纪上半叶，这是欧洲充满矛盾动荡的时期。英国资产阶级革命的爆发标志着欧洲跨入近代历史。几个世纪的商业革命摧毁了停滞的中世纪行会经济。国家规模扩展，王权增大，欧洲政治上的专制主义正向着鼎盛发展。宗教改革与反宗教改革运动，使欧洲的教会处于分裂复杂的对立状态，导致了宗教派别间、专制君主间及国家间的大规模战争。这也是科学振兴的时代，西方近代科学之父们为人类翻开了科学思维的新篇章。
　　政治上的变动也带来巴罗克音乐生活的改变。在巴罗克时期，欧洲各国的宫廷成为音乐发展的中心，教堂的重要性明显减弱。大小宫廷纷纷建立唱诗班、歌剧团和乐队，音乐成为不可缺少的风雅。歌剧和古钢琴倍受青睐。随着城市的发展，资产阶级、市民阶层逐渐壮大，17世纪上半叶在一些商业发达的大城市，先后出现了商业性歌剧院和公开售票的音乐会。尽管这类歌剧和音乐会直到18世纪中叶以后才普遍起来，但已显示出资产阶级、市民阶层对艺术的需要，并影响着音乐内容、风格和体裁在整个18世纪发生着转变。
　　巴罗克时期音乐面貌产生了许多新的变化：
　　首先，在人文主义思想和古希腊修辞学启发下，巴罗克时期许多作曲家都探索用音乐表现不同的情绪状态。在声乐作品中他们追求以音乐表达出与歌词词意相关的情绪，这种追求常导致巴罗克式的“夸张”。
　　其次，通奏低音在巴罗克时期得到广泛运用，以致这一时期有“通奏低音时期”之称。它虽然只是一种创作的记谱方法，但却标志着主调风格、和声观念在逐渐走向成熟，教会调式最终被大小调式所取代。而复调音乐则走向了最后的高峰。
　　通奏低音也被称为数字低音，它是巴罗克音乐最重要的特征之一，是主调和声织体，基本上是由旋律加和声伴奏构成的。它强调的是高低两端的声部旋律线条，即低音部和高音部这两个基本的旋律线条。它有一个独立的低音声部持续在整个作品中，所以被称为通奏低音。
　　再次，巴罗克时期是声乐艺术获得突破性发展的时代，产生出近代的歌唱风格技法和歌剧、清唱剧等近代大型声乐体裁。同时，器乐性能的提高对器乐音乐的创作和演奏风格产生重要影响，器乐音乐由此获得前所未有的进步。
　　……

音乐的脉动：从浪漫主义的炽热到二十世纪的变革 本书致力于深入探索西方音乐史中一个至关重要、充满剧烈变革与无限创造力的时期——浪漫主义晚期、民族乐派的兴盛，以及二十世纪上半叶的现代主义浪潮。它并非对中世纪、文艺复兴或古典主义时期的重复论述，而是将焦点完全集中在自十九世纪中叶直至二战前夕的音乐图景之上，旨在剖析这些时代如何共同塑造了我们今天所理解的音乐语言。 第一部分：浪漫主义的巅峰与延伸（约1830s – 1900） 在柏辽兹、肖邦和舒曼奠定了浪漫主义早期基调之后，这一时期的音乐进入了一个情感表达的极致，同时对形式的掌控也达到了新的高度。本书将详细审视这一阶段的核心特征：主观性、对叙事和文学的依赖，以及对音色与和声的空前探索。 1. 德奥晚期浪漫主义的宏大叙事 我们将聚焦于理查德·瓦格纳对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求。书中将细致分析其主导动机（Leitmotif）系统在《尼伯龙的指环》等歌剧中的运作机制，探讨其对和声的革命性推进——特别是对半音性和不协和音的激进使用，这直接预示了二十世纪的音乐方向。 紧随其后，约翰内斯·勃拉姆斯代表了另一种浪漫主义路线：一种古典主义结构的内在继承者。我们将对比他如何将古典的奏鸣曲式与饱满的浪漫主义情感语汇相结合，尤其是在其晚期的室内乐和声学处理上的精妙平衡。 此外，本书将探讨古斯塔夫·马勒的交响曲传统。马勒的音乐被视为浪漫主义时代的终结和过渡点。我们将分析他如何将民间音乐元素、荒诞的幽默与宏大的哲学思考融入到体量惊人的交响曲中，探讨他对“世界之声”的捕捉尝试，以及这种规模感对后世音乐家的影响。 2. 法国抒情与印象主义的曙光 在法国，音乐摆脱了日耳曼的厚重，转向了更为精致和色彩斑斓的表达。 加布里埃尔·福雷的作品，特别是其艺术歌曲（Mélodie），展现了一种内敛而优雅的浪漫主义，强调文字与音乐的清晰契合，以及对传统调性框架的微妙侵蚀。 更重要的是，本书将深入剖析克劳德·德彪西和莫里斯·拉威尔如何引领了印象主义音乐。我们将不再简单地将此视为“模糊”或“朦胧”，而是深入研究他们对五声音阶、全音阶的使用，以及对管弦乐配器中音色（Timbre）的绝对优先权。德彪西对东方音乐、日本浮世绘以及象征主义诗歌的回应，如何转化成了他独特的时间感和空间感，例如在《牧神午后前奏曲》中的探索。 第二部分：民族乐派的地域回响（约1860s – 1920s） 十九世纪下半叶，欧洲各地的作曲家开始有意识地从本国的民间音乐、舞蹈和历史叙事中汲取灵感，以对抗德奥音乐的统治地位。本书将此视为对音乐普世性的反思与重塑。 1. 俄国的五人强力集团与通俗叙事 我们将详细考察巴拉基列夫、穆索尔斯基、林姆斯基-高沙可夫等人如何致力于创造一种“真正的俄罗斯音乐”。穆索尔斯基的歌剧《鲍里斯·戈杜诺夫》将作为研究对象，分析其对俄罗斯历史题材的直接处理、对民间复调的运用，以及其原始且非学院派的和声处理方式。林姆斯基-高沙可夫的管弦乐作品则展示了民族乐派在色彩运用上的极致成就。 2. 中欧与北欧的地域精神 捷克的德沃夏克和斯美塔那如何通过波西米亚的民间节奏和斯拉夫舞曲语汇，成功地将民族情感注入到宏大的交响形式中。特别分析德沃夏克在美国的经历，以及《新世界交响曲》中对美洲黑人灵歌（Spirituals）的借鉴与吸收，揭示民族主义音乐的跨文化交流面向。 在北欧，爱德华·格里格（挪威）与雅尼·西贝柳斯（芬兰）的作品，则展示了地理环境如何塑造音乐的质感——西贝柳斯对广阔冰雪景观的描绘，以及他独特的、看似游离于传统发展手法之外的“有机结构”的构建。 第三部分：现代主义的黎明与决裂（约1900 – 1940s） 二十世纪初，音乐界发生了一场彻底的“结构性危机”。随着调性系统的衰弱，作曲家们被迫寻找新的组织原则。本书将重点探讨“新秩序”的建立过程，这涉及对传统美学的彻底颠覆。 1. 调性的瓦解与原始主义的爆发 伊戈尔·斯特拉文斯基是这一变革的核心人物。我们将深入研究《火鸟》和《彼得鲁什卡》中对俄罗斯民间节奏的野蛮化处理，以及《春之祭》所引发的音乐史上的巨大震动。分析《春之祭》中如何通过多调性（Polytonality）、反复的节奏动机和尖锐的打击乐，构造出一种原始的、仪式性的暴力美学。 同时，我们将考察贝尔格和勋伯格在“自由无调性”阶段的探索，特别是勋伯格如何寻求新的秩序，最终发展出十二音体系（Dodecaphony）。本书会详细解释十二音体系的运作规则，以及它如何从根本上挑战了数百年来的主音功能。 2. 表达主义的心理深度 在德语区，无调性音乐与表达主义（Expressionism）哲学紧密相连，其目的是将潜意识的焦虑、恐惧和梦魇直接投射到音乐中。我们将分析阿尔诺·勋伯格的《月迷的皮埃罗》和阿尔班·贝尔格的歌剧《沃采克》，探讨这些作品如何使用极端的情感张力、突然的音色变化和扭曲的旋律线，来描绘心理上的异化与痛苦。贝尔格的《抒情组曲》也代表了在无调性框架内对浪漫主义情感的最后一次尝试。 3. 战间期的“新古典主义”与“新客观主义” 面对早期现代主义的极端，一部分作曲家开始寻求一种“回归清晰”的立场，这并非回到古典主义的表面，而是以现代的和声语汇去重塑巴赫或莫扎特的形式结构，即新古典主义。斯特拉文斯基的《普尔钦奈拉》即是例证。 此外，在德国，保罗·兴德米特倡导的“新客观主义”（Neue Sachlichkeit），强调音乐应服务于社会功能，回归到更清晰、更易于理解的复调结构，反对过于主观的浪漫主义情感宣泄。 通过对这些关键人物、风格和作品的细致梳理，本书将勾勒出十九世纪末至二十世纪初音乐界从调性的黄金时代走向多元化和实验性探索的复杂历程，为理解战后音乐的全面爆炸奠定坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐爱好者的宝藏！我一直对古典音乐充满兴趣，但总觉得对不同时期、不同作曲家的风格了解得不够深入。收到《西方音乐风格与体裁赏析（上册）：从中世纪到古典主义时期》这本书后，我迫不及待地翻开。书中对中世纪音乐的介绍，特别是格里高利圣咏的部分，让我对那种空灵、纯粹的声响有了全新的认识。作者并非简单罗列历史事实，而是通过生动的语言，引导读者去感受那个时代的音乐氛围。接着，关于文艺复兴时期复调音乐的讲解，也让我豁然开朗，理解了巴赫之前，音乐是如何变得如此复杂而又和谐。最令我惊喜的是，书中对巴洛克时期音乐的细致描绘，从维瓦尔第的协奏曲到巴赫的赋格，仿佛一幅幅色彩斑斓的音乐画卷在我眼前展开。特别是对赋格技巧的解析，虽然专业，但作者的讲解深入浅出，让我这个非科班出身的读者也能窥见其中的精妙。我特别喜欢书中对“情感的表达”这一主题的探讨，它让我意识到，即使是古老的音乐，也蕴含着丰富而深刻的人类情感。这本书不仅是知识的传授，更是一种音乐的浸润，让我对西方音乐的历史之旅充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

我是一位对音乐理论接触不多的读者，但一直以来对那些流传下来的古老乐章充满好奇，总想知道它们是如何被创作出来的，又蕴含着怎样的美学思想。《西方音乐风格与体裁赏析（上册）：从中世纪到古典主义时期》这本书，让我觉得踏入音乐殿堂的大门变得不再那么遥远。它没有用过于艰深的术语吓退我，而是用一种非常友好的方式，将那些古老的音乐形式，比如中世纪的“诺特派记谱法”，或者文艺复兴时期复杂的“卡农”技法，都解释得非常清楚。我尤其喜欢书中对不同时期作曲家作品风格的对比分析，比如对比巴洛克时期音乐的“华丽”与古典主义时期音乐的“清晰”。这让我能够更容易地分辨出不同时期的音乐特色。书中对“旋律”、“和声”以及“配器”等基本音乐元素的讲解，也都融入了历史的语境中，让我明白这些音乐“语言”是如何在不同的时代发展和演变的。读完之后，再听那些以前只是“听过”的音乐，感觉完全不一样了，仿佛能够听到音乐背后的故事和时代的回响。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对历史文化研究感兴趣的读者，而音乐史无疑是人类文化史中不可或缺的一部分。《西方音乐风格与体裁赏析（上册）：从中世纪到古典主义时期》这本书，从历史的视角切入，将音乐的发展与社会、宗教、哲学等思潮紧密联系起来，让我看到了音乐不仅仅是声音的组合，更是时代精神的反映。书中对中世纪“教会音乐”的阐述，让我理解了宗教在中世纪社会中扮演的至关重要的角色，以及它如何塑造了当时的音乐形态。而进入文艺复兴时期，书中对“人文主义思潮”如何影响音乐创作的分析，也让我看到了音乐开始摆脱宗教的束缚，逐渐走向世俗化和情感化的过程。在巴洛克时期，书中对“绝对主义”和“炫技”的探讨，让我理解了那个时代音乐的宏大、复杂与戏剧性。而古典主义时期，书中对“理性”、“平衡”和“形式美”的强调，则与启蒙运动的时代背景不谋而合。这本书让我意识到，理解音乐风格，就是理解一个时代的文化密码，它提供了宝贵的历史洞见，让我对西方文明的演进有了更深刻的认识。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音乐史有初步了解的爱好者，我一直在寻找一本能够帮助我系统梳理从早期到古典主义时期音乐发展脉络的书籍。这本书的出现，无疑填补了我的这一需求。《西方音乐风格与体裁赏析（上册）：从中世纪到古典主义时期》的结构设计非常合理，从最古老的教会音乐开始，层层递进，清晰地展示了音乐体裁和风格的演变。我对书中关于中世纪音乐中“装饰音”和“节奏处理”的讨论印象深刻，这让我理解了为什么当时音乐听起来与现代音乐如此不同，也体会到了音乐在历史长河中的不断探索与革新。在进入巴洛克时期时，书中对“通奏低音”的讲解尤其细致，它让我明白了那个时期音乐“骨架”的构成，也为理解亨德尔和巴赫的宏大作品打下了基础。而对于古典主义时期的介绍，特别是对奏鸣曲式和交响曲的阐述，更是让我受益匪浅。我一直对莫扎特的音乐情有独钟，书中对莫扎特创作理念和作品特点的分析，让我对这位音乐巨匠有了更深的理解和欣赏。总而言之，这本书提供了扎实的理论基础，又辅以恰当的范例，让我的音乐认知更加系统和立体。

评分☆☆☆☆☆

作为一名乐器演奏者，我对音乐的实践层面更为关注。这本书《西方音乐风格与体裁赏析（上册）：从中世纪到古典主义时期》在理论分析之外，也兼顾了音乐演奏的实际需求，这让我感到非常惊喜。书中对于不同时期音乐的“演奏技巧”和“表现方式”的探讨，对我非常有启发。例如，关于中世纪和文艺复兴时期音乐的“装饰奏法”和“即兴性”，让我对如何更好地诠释那个时期的作品有了新的认识。而对于巴洛克时期音乐的“力度变化”和“乐句处理”，也为我提供了具体的演奏指导。我特别关注书中对“不同乐器在各时期扮演的角色”的分析，这让我更清楚地理解了协奏曲、奏鸣曲等体裁在不同时代的发展是如何与乐器本身的特性相结合的。对于古典主义时期音乐的“清晰度”和“平衡感”的强调，也让我对如何弹奏莫扎特或海顿的作品有了更深的体悟。这本书不仅仅是理论知识的堆砌，更像是为演奏者提供了一本“风格指南”，让我能够更加精准地把握作品的精神内涵。