曲式与作品分析课程谱例集（公共课2） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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中央音乐学院作品分析教研室 编

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出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810960373

版次：1

商品编码：12203337

包装：平装

开本：16开

出版时间：2004-07-01

用纸：胶版纸

页数：253

正文语种：中文

内容简介

　　《曲式与作品分析课程谱例集（公共课2）》包括27首经典西洋曲的五线谱，包括莫扎特的《回旋曲K511》、贝多芬的《钢琴奏鸣曲第三乐章Op.14No.2》、巴赫的《磔刑（选自《g小调弥撒》）》、海顿的《变奏曲Op.83》等。

目录

1．古钢琴小品《最亲爱的》
2．晚间的微风
3．回旋曲K511
4．钢琴奏鸣曲第三乐章Op．14 No．2
5．钢琴奏鸣曲第三乐章Op．53
6．朱丽叶小姑娘（选自舞剧《罗米欧与朱丽叶》组曲）
7．磔刑（选自《g小调弥撒》）
8．固定低音Op．5 No．5
9．前奏曲0p．34 N0．12
10．波斯人合唱（选自歌剧《鲁斯兰与柳德米拉》）
11．变奏曲Wo O 80
12．钢琴奏鸣曲第一乐章K331
13．变奏曲Op．34
14．变奏曲Op．19 No．6
15．变奏曲Op．51
16．变奏曲Op．83
17．钢琴奏鸣曲K430
18．钢琴奏鸣曲第一乐章K283
19．钢琴奏鸣曲第一乐章Op．10 No．1
20．小提琴与钢琴奏鸣曲第一乐章Op．24
21．钢琴奏鸣曲第二乐章Op．10 No．3
22．钢琴奏鸣曲第一乐章Op．35
23．歌剧《费加罗的婚礼》序曲
24．钢琴奏鸣曲第二乐章Op．10 No．1
25．钢琴协奏曲第一乐章K466
26．钢琴奏鸣曲第一乐章K311
27．钢琴奏鸣曲第二乐章Op．90

《音乐的结构与形态：西方音乐作品分析导论》 导言 本书旨在为音乐学习者提供一个全面而深入的分析框架，用以理解和剖析西方音乐艺术作品的内在结构、形态演变及其美学意义。本书不专注于任何特定乐器或历史时期的曲式范例，而是构建一套普适性的分析工具和理论基础，使读者能够独立、有效地解读从巴洛克到近现代的各类音乐文本。我们将重点放在音乐语言的基本元素——旋律、和声、节奏、织体、乐章结构——如何被组织、发展和转化，从而构建出具有逻辑性和表现力的音乐叙事。 第一部分：音乐分析的基石 本部分致力于奠定坚实的理论基础，使读者掌握进行深入作品分析所需的基本术语和方法论。我们强调分析并非孤立的结构解剖，而是理解作曲家意图与时代背景的桥梁。 第一章：音乐元素的语义学 本章探讨音乐元素如何承载意义。我们将超越简单的音高和节奏的记录，深入分析旋律动机的建立与发展（Motivic Development）。这包括动机的节选（Fragmentation）、移位（Transposition）、序列（Sequencing）以及变形（Transformation）等技术在不同时期的应用。讨论将涵盖旋律线条的轮廓分析（Contour Analysis），以及如何通过线条的张弛来体现音乐的戏剧性。 第二章：和声语言的语境化 本书对和声的探讨超越了传统的功能和声体系。我们关注和声选择背后的功能性、色彩性以及其在整体结构中的承载作用。内容包括：调性中心的确立与偏离（Tonal Centering and Deviation），半音化和声的引入如何影响调性边界的模糊化，以及非功能性和声（如印象主义的和声色彩）的分析方法。特别强调和声语言如何服务于曲式的骨架构建，例如，通过和声的紧张度变化来标记乐段的起止。 第三章：节奏与节拍的动态张力 节奏分析不仅是度量拍子，更是理解时间在音乐中如何被塑形。本章细致考察节拍的组织方式，包括规整节奏（Metric Regularity）与不规整节奏（Irregular Metering）对听觉体验的影响。我们将深入探讨复节奏（Polyrhythm）、节奏的推进（Rhythmic Drive）与停滞（Stasis）的机制，以及如何通过节奏的密度变化来划分音乐的结构层次。 第四章：织体与复调思维 织体（Texture）是作品的“触感”。本章系统梳理了单音音乐（Monophony）、主调音乐（Homophony）和复调音乐（Polyphony）的演变轨迹。分析重点在于如何通过声部间的相互关系——模仿、对位、声部交织——来构建音乐的深度和立体感。对于复杂的赋格或卡农，我们将介绍声部布局的几何学分析；对于管弦乐配器，则分析不同声部在织体中的角色转换。 第二部分：宏观结构与乐章形态 本部分将理论应用于宏观结构分析，探讨音乐作品的“蓝图”。我们关注大型作品的组织原则，以及这些原则如何随着历史发展而演变。 第五章：小型乐段与单元的构建 在分析大型作品之前，必须精通其基本建筑单元。本章聚焦于乐句（Phrase）、乐段（Period）的构成规则，以及“终止式”（Cadence）作为结构性标点的功能。我们将详细区分“完整乐段”（Complete Period）与“不完整乐段”（Incomplete Period），并探讨如何通过句法变化来制造预见性或惊喜感。 第六章：奏鸣曲式的结构逻辑 奏鸣曲式是古典与浪漫时期器乐的基石。本书将对奏鸣曲式进行高度抽象化的解构，关注其内在的戏剧冲突——呈示部（Exposition）的对比建立、展开部（Development）的动机性加工与调性游移，以及再现部（Recapitulation）的调性解决。分析将侧重于“功能区”（Thematic Zones）而非僵硬的曲调标签，探讨作曲家如何在遵守基本框架的同时进行个性化的偏离与重构。 第七章：变奏与循环结构 变奏（Variation）作为一种重要的结构模式，体现了音乐思维的连贯性。本章分类探讨不同类型的变奏技术：如固定低音变奏（Basso Continuo Variation）、曲调变奏（Melody Variation）以及自由变奏（Freely Associated Variations）。同时，我们将考察循环结构（Cyclical Form）在交响乐等大型作品中的运用，分析主题或动机如何在不同乐章间建立起跨越时间的情感联系与统一性。 第八章：组曲、舞曲与套曲的序列 本部分考察多乐章组合体的内在连接。我们将分析传统舞曲套曲（如组曲）的结构顺序及其历史起源，并过渡到浪漫主义时期艺术歌曲套曲（Liederkreis）或清唱剧（Oratorio）中的叙事序列安排。重点在于理解乐章间的内在关联性（无论是风格上的并置还是叙事上的递进），以及这种序列安排如何支撑起整体作品的情感或哲理意涵。 第三部分：分析的方法论与美学考量 本部分将视角从作品内部扩展到分析行为本身，探讨如何进行有深度的、符合语境的诠释。 第九章：风格分析与历史语境 音乐分析必须植根于历史语境。本章讨论风格分析（Stylistic Analysis）的方法，即如何识别特定时代或流派（如早期对位、盛期古典、晚期浪漫）的“音乐语法”。我们将探讨“模仿”与“创新”在不同历史阶段的界限，并理解分析工具的选择必须适应所分析作品的时代背景。 第十章：诠释的深度与限制 最终，分析导向诠释。本章讨论了不同诠释学流派（如结构主义、符号学、语境分析）对音乐作品的介入方式。强调分析报告应清晰区分“客观结构描述”与“主观审美体验”，鼓励读者发展出严谨而富有洞察力的个人解读，避免空泛的赞美辞藻，专注于结构、和声、节奏如何共同服务于作品的表达目的。 结论 本书提供的工具集旨在培养音乐学习者独立、批判性地面对任何西方音乐作品的能力。真正的理解，来自于对作品各个层面——从微小的动机到宏大的结构——进行细致而富有目的性的审视，最终把握音乐语言所构建的复杂而精妙的世界。

评分☆☆☆☆☆

对于一个在音乐学院学习多年的学生来说，《曲式与作品分析课程谱例集（公共课2）》提供了一个非常宝贵的学习资源。我参加过不少曲式分析的课程，但很多时候，理论知识的灌输会让人感到有些抽象，难以与实际的音乐作品建立起有效的联系。这本书恰恰弥补了这一不足。它精选了大量具有代表性的古典音乐作品片段，这些片段的跨度很大，从巴洛克时期的赋格，到古典时期的奏鸣曲，再到浪漫时期的交响乐片段，几乎涵盖了所有重要的曲式类型。而且，作者在选取谱例时，非常注重其清晰度和典型性，这意味着我们能够清晰地看到不同曲式在实际作品中的具体体现。更重要的是，书中的分析方法和讲解思路非常严谨且富有启发性。它不仅教会我们如何划分乐段、识别主题，更引导我们思考主题的动机发展、调性布局以及织体变化等更深层次的问题。我特别欣赏书中的一些分析案例，它们往往能够深入挖掘作品的内涵，揭示出作曲家精妙的构思。对于我们这些将来要做音乐分析、音乐评论的学生来说，这本书无疑是一个极好的范本，它培养的不仅仅是分析能力，更是一种对音乐本质的深刻洞察力。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的音乐爱好者，我一直对古典音乐的结构和形式感到好奇，但常常因为缺乏专业的指导而感到力不从心。这本《曲式与作品分析课程谱例集（公共课2）》简直是我一直寻觅的那本书！它以非常直观的方式，将复杂的曲式理论呈现在我们面前。我最喜欢的是书中的插图和标记，它们清晰地标注了乐句、乐段的划分，主题的重复和变化，以及和声的走向。这让我能够非常容易地理解音乐是如何一步步展开的。比如，在分析一段奏鸣曲式的时候，我不再只是茫然地听，而是能够跟着书中的谱例，辨认出第一主题、第二主题，甚至还能体会到发展部里主题如何被“打散”和“重组”，再到最后回到熟悉的调性中。书中的语言也通俗易懂，避免了生硬的学术术语，让我能够轻松地进入音乐分析的世界。而且，它收录的谱例都是大家耳熟能详的经典作品，这让我更有兴趣去深入了解。这本书的价值不仅仅在于它教授了多少知识，更在于它激发了我主动去探索音乐、去感受音乐背后的逻辑。它让我在欣赏音乐时，不再只是一个被动的听众，而是一个能够与音乐进行深度对话的参与者。

评分☆☆☆☆☆

老实说，当初买这本《曲式与作品分析课程谱例集（公共课2）》的时候，我还有点犹豫，担心它是不是又一本“照本宣科”的教材。但事实证明，我的担忧完全是多余的！这本书最让我惊喜的地方在于它的“实操性”。它不是那种只讲理论，让你在脑子里空想的书，而是真正将理论与实践紧密结合。每一页都充满了各种乐谱片段，而且这些片段不是随意拼凑的，都是精心挑选的、能够清晰展示特定曲式特点的例子。我特别喜欢它对奏鸣曲式分析的部分，从呈示部、发展部到再现部，书中都给出了不同作曲家、不同作品的丰富谱例，并且详细标注了主题的出现、变形以及调性变化。这对于我这种需要通过大量练习来巩固知识的人来说，简直是量身定做的。我常常会一边听着书里推荐的音乐，一边对照谱例进行分析，感觉自己就像一位音乐侦探，在乐谱的海洋里寻找线索，解开音乐的秘密。而且，书中的讲解语言也非常接地气，不会使用太多晦涩难懂的术语，即使是对曲式分析不太熟悉的读者，也能轻松理解。这本书不仅帮助我提升了对古典音乐的理解深度，还极大地激发了我自己动手分析音乐的兴趣。我发现，当你能理解音乐的结构时，听音乐的感觉完全不一样了，它变得更加生动、更加有层次感。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，一开始拿到《曲式与作品分析课程谱例集（公共课2）》这本书，我并没有抱太大的期望，觉得可能又是市面上那些陈词滥调的曲式分析教材。但是，这本书真的给了我一个大大的惊喜！它的编排方式非常巧妙，将理论阐述与丰富的谱例紧密结合，而且谱例的选择非常用心，都是那些经典的作品片段，能够非常清晰地展现各种曲式的特点。我个人非常喜欢书中关于复调音乐和变奏曲式部分的讲解，它用一种非常形象化的方式，将复杂的织体和变化过程梳理得井井有条。比如，在分析赋格时，书中能够清晰地标注出各个声部的进入顺序、主题的模进以及对位的手法，这让我能够一步步地理解赋格的严谨结构。而变奏曲式的部分，更是通过层层递进的分析，展现了作曲家如何巧妙地在保持主题骨架的同时，丰富其音乐的色彩和表现力。这本书不仅提供了大量的“案例”，更重要的是，它传授了一种“分析思维”。它鼓励读者去主动思考，去发现音乐中的逻辑和规律，而不是被动地接受既定的结论。我常常会带着这本书去听音乐会，或者在听唱片时对照谱例，感觉自己对音乐的理解又上了一个层次。这本书对于任何想要深入理解音乐结构和形式的人来说，都是一份珍贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

这本《曲式与作品分析课程谱例集（公共课2）》真是太棒了！我最近正好在学习曲式分析，这本书简直是及时雨。翻开第一页，我就被丰富的谱例吸引住了。它收录了从巴洛克时期到古典时期、再到浪漫时期大量的经典作品片段，这些片段的选择非常具有代表性，涵盖了各种重要的曲式类型，比如奏鸣曲式、回旋曲式、变奏曲式等等。不仅仅是简单罗列，更重要的是，书中对每个谱例都进行了细致的讲解。我最喜欢的一点是，它不像有些教材那样枯燥乏味，而是用一种非常清晰、循序渐进的方式，一步一步地引导读者去理解乐句、乐段的划分，以及它们之间的逻辑关系。每当读到一段音乐，我都能在书里找到相应的标记和解释，这让我能够更好地把握作曲家是如何构建音乐的，以及为什么某些乐段会如此引人入胜。而且，书中的文字部分也很有深度，不仅仅停留在表面，还会涉及到一些和声、旋律、节奏上的分析，这对我理解音乐的整体结构非常有帮助。我之前在听一些古典音乐的时候，总是感觉“好听”，但却说不出好在哪里，这本书就像一把钥匙，为我打开了理解音乐的门。即便我是初学者，也能在书中找到自己的学习路径，而且那些经验丰富的音乐爱好者，也能从中获得更深的启发。这本书绝对是我音乐学习路上的必备伴侣。