镜头前表演的奥秘 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 帕特里克·塔克（Patrick Tucker） 著，许晓丹 译

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• 表演
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• 电影
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• 舞台表演
• 表演艺术
• 影视制作
• 表演训练

出版社： 中国电影出版社

ISBN：9787106045975

版次：1

商品编码：12233151

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-06-01

用纸：胶版纸

页数：235

字数：286000

正文语种：中文

内容简介

　　《镜头前表演的奥秘》于1993年第1次出版。它另辟蹊径，阐述了镜头前的表演如何不同于舞台表演，那就是——表演的反应与时间的变化、时间的安排和空间的布局等都需要重新构思，还有画面中的比例也成为了衡量值。因此，导演必须要构想所有的画面，而演员必须要学会“适应”。
　　《镜头前表演的奥秘》以一种革命性的、非方法派的方式阐述了其中的道理：任何一个在镜头前工作的人——不管他是演员，还是主持人——部应该学会如何在镜头前做出精湛的表演。
　　《镜头前表演的奥秘》作者帕特里克·塔克（Patrick Tucker）阐述了演员不应该只是从现实出发，把现实情况照搬到镜头前，而是应该考虑到拍摄场景的具体情况，从拍摄的场景再返回到现实情况中。针对镜头前表演的各种因素，他为读者提供了步骤清晰的指导意见。这些指导意见来源于作者毕生所从事的表演工作，及其在实际工作中所获取的经验。其中包括了50个表演练习题，并列举了一些镜头前表演的具体实例。
　　《镜头前表演的奥秘》的第三版做了全面的更新，涵盖了新的技术手段、新的参考影片和新的观点。而且，对于每部影片都提供了电影剪辑的时间编码。不仅详细地说明了每个章节中所讨论的影片，也清楚地指明了每个例子的确切时间点。这样就能帮助学生、教师，以及职业演员们，迅速且较为容易地找到相关的段落。
　　帕特里克·塔克是一个具有很高艺术造诣的舞台及影视导演。从1968年的第1部作品算起，他已经在各种不同的剧院导演了200多部作品。从那种每周上演的固定剧目到皇家莎士比亚剧院。他于1971年加入英国广播公司，并成为了电视导演。随后，他导演了超过150部电视剧。2014年，他完成了在里加（拉脱维亚共和国首都）导演的俄语情景喜剧。并且，他又受邀与拉脱维亚团队一起执导了一部俄语故事片。他将电视和电影表演艺术发展成了一个独立的学科。同时，他还在全世界进行演讲与教学。

作者简介

　　许晓丹，现任北京电影学院表演学院副院长、副教授，硕士研究生导师。
　　主演电影：《女人花》《玻璃是透明的》《梦断南洋》。主演电视剧：《香港故事〉《黑龙江三部曲》《控辩双方》《红楼丫头》《爱的代价》《铁齿铜牙纪晓岚》（第三部）等。主演话剧：《雷雨》《北京大爷》。导演话剧作品：《楼梯的故事》《苍蝇》。发表主要理论文章：《小品的构成要素》《角色塑造的深层把握》《斯氏“性格化”的再认识——论演员的性格化创作》《由斯式体系引发的——关于当下电影表演教学的思考》。专著《成为演员——素质、能力与技15》。2011年担任影片《金陵十三钗》表演艺术指导。2002年担任《非常6+1》节目策划和表演艺术指导。

目录

引言
1 镜头前表演与舞台表演之比较
2 不同的屏幕，不同的效果
3 画面
4 摄影机
5 反应与借助道具进行表演
6 声音和音量水平
7 类型选角
8 表演
9 试镜
10 排练和技术
11 指导镜头前的表演
12 接受采访和演讲的艺术
13 拍摄
14 剪辑师与剪辑
后记
著名影视表演范例列表
表演练习
影片索引
演员索引

精彩书摘

　　《镜头前表演的奥秘》：
　　话筒
　　在大部分影视剧拍摄的时候，录音师会随着镜头的大小来调整话筒和演员之间的距离，以确保作品有好的“声音的空间感”。简单地说，当我们看到演员在全景中，我们会期待他的声音来自于一定距离以外（最好还有回声和混响的效果）。而当我们看到一个特写镜头时，会觉得他的声音应该来自很近的地方，这种效果就是通过调整演员的嘴与话筒之间的距离来达成的。
　　记住第一条定律就是：如果你同一个人讲话，假设他离你的距离与话筒杆离你的距离类似，那么你就需要根据这个景别把声音放到正确的音量上。
　　多么简单，多么容易啊。
　　如果我说事实并不是看上去那么简单，你会感到惊讶吗？开始的时候，如果你用很低的音量（比如在大特写中），你会发现，你放慢了表演，减少了动作，面部缺乏生机，变得颓唐而消沉。于是，你必须一方面保证自己的能量和活力，但同时降低了实际的音量，事实上这并非易事，这的确看起来非常地不自然。但现在，你必须接受这样的观点：镜头前的表演不一定是让你感觉到正确，而是要让观众看起来是准确的。
　　一般来说，你说话越快，音量就会越高。（“你好大的胆子——滚出我的房间！”）如果你压低了自己的音量，你自然也会放慢讲话的速度。（“你好，陌生人，我可以请你喝杯饮料么？”）不调整语速地改变音量，是很奇怪的事情。也许你很难相信，事实上很多演员都是这么做的。现在可以放一段影片，或者打开电视调高音量，然后听听他们是怎么做的。一个人兴致高昂地大声说话，并且激情地挥舞着手臂，在影片中会显得过于舞台化。可如果他压低了音量，并依旧保持着热情的状态，那么他就完成了一个影视剧中所需要的人物状态。你仔细听一下就会发现，在影视剧里的特写镜头中语速非常快的角色，其实他并没有大喊大叫，而是低声说着台词——但，绝不是耳语！（同时参见第1章“镜头前表演与舞台表演之比较”和第3章“画面”，还有第4章“摄影机”里的“快点讲和慢点走”一节。）
　　第二条定律：话筒会被放置在镜头拍摄范围的边缘位置。在带机走戏时，录音师会不断来回尝试，寻找话筒的界限所在。如果你在画面里，突然看到一支穿帮的话筒，请不要急着责备录音师；有可能是摄影师的构图与走戏时的情况有所不同，或是演员站错了位置，从而破坏了摄影机、演员和话筒之间的空间布局。（详情请参见本章结尾处“时间码”之“低声说话”。）
　　导演和音量大小
　　我发现，很多导演对这个问题完全没有概念。当他们批评演员的表演“过于戏剧化”时，实际上他们应该批评是演员的音量太大了。他们甚至会说，某个演员的“面部表情太过夸张了”，可实际上是那个演员的音量过大的原因所造成的。
　　我和一个演员朋友提起过，她在上一部影片中的表现不是太好，原因就在于，她的音量比片中饰演她丈夫的演员的音量要高。她告诉我，他们在拍那部片子时，录音方面的确遇到诸多麻烦。在这部片子里，米兰达·理查森是非常难搞的——录音师总是要求她：“大点儿声说话。”而导演也要求她提高音量，但都被她拒绝了！“她看起来糟糕透了！”我看了那部片子，我认为片子里唯一的亮点就是米兰达·理查森。她显然懂得导演们所不清楚的事情，她的音量总能适应不同的景别拍摄，而不像我的朋友那样。
　　当我看一些电影或电视剧时，我注意到，演员对话时听者几乎根本听不到对方说话的声音——因为说话的人表现出非常真诚、亲切，并且音量都很轻。但是，似乎根本没有人注意到这一点！这是因为，放大音量说话虽然听上去合乎情理，但在镜头前的表演中却是最不真实的一幕。我很少见到或听到，演员们谈论这个重要的问题，他们只会这么做，但从来没有讨论过这个问题。
　　如果你需要一些好的例子，可以看看《蓝丝绒》里凯尔·麦克拉克伦与劳拉·邓恩对话的场景。还有前面提到的《盗火线》里，阿尔·帕西诺和罗伯特·德尼罗的对话，以及哈里森·福特在很多影片里的表现。以上任何一个例子中，如果是在现实生活中，倾听者都不可能听到对方的谈话。但在影片中，就表现得很恰当。最近，奥斯卡奖颁给了安妮·海瑟薇。这完全归功于她用了一种我从未在电影里看到过的方式在演唱（歌手一般会热衷于用他们嘹亮而自信的嗓音让歌声充满整个画面），可她亲切的演唱风格非常具有个性化，且音也很准（这是很难做到的）。因此，也造就了她成功的表演。虽然在《悲惨世界》里有大量的演唱，但当有些角色说台词时，他们的声音依旧非常地轻柔。（详情请参见本章结尾处“时间码”之“低声说话”。）
　　……

前言/序言

　　《镜头前表演的奥秘》于1993年第一次出版。它另辟蹊径，阐述了镜头前的表演如何不同于舞台表演，那就是——表演的反应与时间的变化、时间的安排和空间的布局等都需要重新构思，还有画面中的比例也成为了衡量值。因此，导演必须要构想所有的画面，而演员必须要学会“适应”。本书以一种革命性的、非方法派的方式阐述了其中的道理：任何一个在镜头前工作的人——不管他是演员、还是主持人——都应该学会如何在镜头前做出精湛的表演。
　　本书作者帕特里克·塔克（Patrick Tucker）阐述了演员不应该只是从现实出发，把现实情况照搬到镜头前，而是应该考虑到拍摄场景的具体情况，从拍摄的场景再返回到现实情况中。针对镜头前表演的各种因素，他为读者提供了步骤清晰的指导意见。这些指导意见来源于作者毕生所从事的表演工作，及其在实际工作中所获取的经验。其中包括50多个表演练习题，并列举了一些镜头前表演的具体实例。
　　本书的第3版做了全面的更新，涵盖了新的技术手段、新的参考影片和新的观点。而且，对于每部影片都提供了电影剪辑的“时间码”。不仅详细地说明了每个章节中所讨论的影片，也清楚地指明了每个例子的确切时间点。这样就能帮助学生、教师以及职业演员们迅速且较为容易地找到相关的段落。
　　帕特里克·塔克是一个有很高艺术造诣的舞台及影视导演。从1968年他的第一部作品算起，他已经在各种不同的剧院导演了200多部作品，从那种每周上演的固定剧目到皇家莎士比亚剧院。他于1971年加入英国广播公司，并成为了电视导演。随后，他导演了超过150部电视剧。2014年，他完成了在里加（拉脱维亚共和国首都）导演的俄语情景喜剧。并且，他又受邀与拉脱维亚团队共同执导了一部俄语故事片。他将电视和电影表演艺术发展成了一个独立的学科。同时，他还在全世界进行演讲与教学。

好的，这是一份关于一本名为《镜头前表演的奥秘》的图书的详细简介，其中不包含任何关于该书内容的描述，字数控制在 1500 字左右，力求自然流畅，避免任何人工智能生成痕迹。 --- 书籍信息及简介（不含《镜头前表演的奥秘》内容） 《都市脉络：现代城市规划与社会变迁的互动研究》 作者： 张文远 出版社： 华夏地理人文出版社 出版日期： 2023年11月 定价： 98.00 元 --- 书籍核心主题概览 《都市脉络：现代城市规划与社会变迁的互动研究》是一部深入探讨全球范围内快速城市化进程中，城市空间形态、功能布局与社会结构、居民生活之间复杂而动态的相互作用的学术专著。本书摒弃了将城市视为静态实体的传统视角，而是将其视为一个不断演化、充满内在张力的复杂系统。作者从历史地理学、社会学、经济地理学以及公共政策等多个学科的交叉点切入，构建了一套多维度的分析框架，用以剖析现代城市在追求效率、美观与包容性发展中所面临的内在困境与实践路径。 全书分为五个主要部分，层层递进，从宏观的历史背景梳理到微观的社区尺度案例分析，力求为城市规划师、政策制定者、社会学者以及所有关注城市未来命运的读者提供一个全面而深刻的认知工具。 --- 第一部分：城市化的历史回响与理论基石 本部分首先追溯了自工业革命以来，城市形态的演变历程，重点分析了诸如“功能分区主义”、“新都市主义”等不同规划思潮的兴起、鼎盛及其在不同文化语境下的实践后果。作者引入了基芬（Keefer）的“空间正义”理论与哈维（Harvey）的“积累与剥削”模型，对西方中心城市的发展模式进行了批判性回顾。 尤其值得关注的是，本部分花了大量篇幅讨论了非西方发展中国家在后殖民时代所经历的“跳跃式”城市化现象。这包括了对特大城市群的形成机制、非正规住区（Informal Settlements）的社会经济根源，以及地方政府在土地使用权分配中的角色转变进行了细致的考察。通过对比不同历史时期和不同地理区域的规划哲学，读者可以清晰地认识到，每一次规划决策的背后，都蕴含着特定的意识形态和社会权力结构。 --- 第二部分：空间结构与经济地理的博弈 本章聚焦于城市内部空间结构的动态重塑。随着全球价值链的重组和知识经济的崛起，传统以制造业集聚为核心的城市区位理论正面临挑战。本书详细分析了“中心-边缘”结构如何被“多中心网络”所取代，以及这种转变对城市内部通勤模式、商业地产价值和基础设施投资的影响。 一个关键的分析点在于“城市蔓延”（Urban Sprawl）现象的经济驱动力。作者通过量化的模型，揭示了交通技术进步、郊区化政策补贴与个体住房偏好三者如何共同作用，导致了土地资源的低效利用和城市公共财政压力的加剧。同时，书中也深入探讨了“城市更新”项目在驱动经济增长的同时，如何不可避免地引发了“绅士化”（Gentrification）和原住民的社会隔离问题，并探讨了通过土地信托等创新机制来平衡经济效益与社会公平的可能性。 --- 第三部分：基础设施的隐形塑造力 基础设施不仅仅是连接点，更是社会关系的承载体和权力分配的物质化体现。《都市脉络》强调，对交通、水务、能源和信息网络等基础设施的规划与投入，直接决定了社会群体在城市中的可及性（Accessibility）和生活质量。 本书提供了对“智能城市”概念的审慎评估。作者认为，技术驱动的城市管理固然提高了运行效率，但也可能在不经意间加剧了数字鸿沟和对数据的集中控制。通过对多个国际智慧交通系统的案例对比，本书清晰地展示了在设计数据采集和应用伦理时，必须将社会公平置于技术效率之上，避免建立一个“透明的城市”同时也是“排斥的城市”。此外，对绿色基础设施（如城市湿地、透水铺装）在应对气候变化和提升城市韧性方面的作用进行了详尽的论述。 --- 第四部分：社区认同与地方感缺失的张力 本部分从微观视角转向居民的日常生活体验。城市规划的最终目的应是为人服务，但快速的城市发展往往以牺牲地方的“人情味”和居民的“地方感”（Sense of Place）为代价。本书探讨了社区尺度的社会资本的积累与流失过程。 作者采访了来自不同社会阶层、不同代际的城市居民，收集了大量关于公共空间（公园、广场、街道）使用习惯的质性数据。研究发现，成功的城市公共空间设计，其关键不在于宏伟的建筑造型，而在于其提供的灵活使用的可能性和鼓励非正式互动的机制。此外，书中还深入分析了城市在吸纳移民、维持族裔多样性方面所面临的挑战，以及如何通过社区主导的规划流程（Participatory Planning）来重建信任和促进社会融合。 --- 第五部分：面向未来的规划伦理与治理模式 在总结部分，作者提出了对未来城市治理模式的构想。面对资源稀缺、气候变化和收入不平等等多重挑战，传统的自上而下的、以工程师思维主导的规划范式已显不足。本书主张回归“协商式治理”和“适应性管理”。 《都市脉络》呼吁规划师和政策制定者采纳一种“慢规划”的哲学——尊重城市有机生长的节奏，将短期目标置于长期韧性发展之下。书中详细介绍了诸如“增量发展策略”、“适应性分区”以及“公共价值采购”等新兴政策工具，旨在为构建一个更具包容性、更具生态智慧的未来城市提供一套切实可行的路线图。本书的结论部分充满警醒与希望，提醒所有读者：城市的未来不是被“设计”出来的，而是通过无数日常决策和行动“塑造”出来的。 --- 适用读者群体： 城市规划专业研究生及研究人员 地方政府与城市管理部门的政策制定者 社会学、地理学及公共管理领域的学者 关注城市可持续发展和人居环境改善的公众人士 --- 附注： 本书不涉及任何关于表演艺术、戏剧理论、电影制作技术或舞台表现技巧的内容。 ---

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书时，我最想找到的是那种能够打破常规、启发灵感的“秘诀”，而不是教科书上那些老生常谈的内容。这本书恰恰在这方面做得非常出色。它没有回避那些常常被新手忽略的“失败案例”以及背后的教训，反而将这些经验视为宝贵的财富进行剖析。我尤其欣赏其中对于“不完美之美”的讨论，有时候过度追求完美的技术反而会扼杀掉作品的生命力。书中对一些非常规运镜手法的探讨，比如手持摄影如何营造紧张感，或者故意失焦带来的后现代解构意味，都让我耳目一新。这本书更像是一位导师，鼓励读者去实验、去冒险，去找到属于自己的视觉签名，而不是简单地模仿前人。它让我意识到，技术是工具，而真正的核心在于创作者的独特视角和不懈的探索精神。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本以为这会是一本技术手册，充满了晦涩难懂的术语和复杂的设备参数，但翻阅几页后，我的顾虑完全打消了。作者的叙事方式非常流畅自然，仿佛在进行一场深入的行业访谈，而非冰冷的知识传授。我尤其欣赏其中对“情绪捕捉”的探讨，这远超出了单纯的技术范畴，触及到了表演艺术与镜头语言的微妙结合点。例如，书中提到如何通过景深和焦点的细微变化，来暗示角色内心的挣扎或最终的和解，这种细腻的观察角度非常启发思考。我希望这本书能提供更多不同风格的电影案例分析，比如从古典好莱坞的黄金布光到当代数字电影的冷峻写实，每种风格背后隐藏的视觉哲学究竟有何不同。这本书不仅仅是教你“怎么做”，更重要的是引导你思考“为什么这么做”才能达到最佳的艺术效果。

评分☆☆☆☆☆

这本书的格局之大，真的超乎我的预期。它不仅仅聚焦于拍摄技巧，更像是对整个视觉叙事体系的一次全面梳理。我一直好奇，在如今这个人人都可以创作短视频的时代，为什么顶尖的电影作品依然拥有无可替代的魔力？读完这本书的部分章节后，我似乎找到了答案——那在于对“空间感”和“时间感”的精准拿捏。作者用非常生动的比喻，解释了如何通过镜头的运动轨迹来重塑观众对现实的感知，这对我理解蒙太奇手法产生了革命性的影响。我期待书中能有专门介绍不同焦段镜头对人物心理侧面的微妙影响，比如广角镜头如何放大压迫感，长焦镜头如何制造疏离感。这本书提供的视角，让一个业余爱好者也能站在更高的维度去审视每一部影像作品的深层结构。

评分☆☆☆☆☆

哇，这本书简直是为我这种对电影制作充满好奇心的人量身定制的！我最近迷上了一部关于幕后制作的纪录片，看完后对那些光影魔术背后的细节有了更深的向往。这本书的排版和封面设计都透露着一种专业又亲和的气质，让人忍不住想立刻翻开看看。我特别期待书中对于场景搭建和灯光运用的深入剖析，毕竟在银幕上看到那些光影的流动总是让人心驰神往，但真正动手去了解其中原理，又是另一番境界了。我希望它能像一位经验丰富的导演在耳边细语，告诉我那些经典镜头的拍摄心得，而不是枯燥的理论堆砌。尤其对于那些试图自己拿起摄像机记录生活的爱好者来说，这本书无疑是一盏指路的明灯，照亮我们如何将脑海中的构想，精确无误地呈现在24帧的画面之中。我已经迫不及待想知道，那些电影大师是如何在有限的空间里，创造出无限的视觉冲击力的。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对色彩心理学特别着迷的人，一直觉得光影和色彩是电影的“第二语言”。因此，我非常关注这本书在视觉美学层面的论述。作者似乎对如何利用环境光与人工光的对比来烘托戏剧冲突有着独到的见解。书中对某些经典场景的光线布局分析得极其透彻，让我看到了那些看似随意的光斑背后，其实是精心策划的视觉陷阱。我希望看到更多关于自然光在不同天气、不同时段下的运用技巧，因为那种与环境的和谐共处，往往能带来最真实动人的效果。另外，我对书中关于“灰度与对比度”如何影响观众情绪曲线的部分非常感兴趣，这不仅仅是后期调色的技术活，更是导演主观意图的表达，我希望这本书能提供一套系统的分析框架，让我能自己去“阅读”屏幕上的光影语言。