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史晋华 著

图书标签:

• 美术
• 绘画
• 素描
• 静物
• 青少年
• 教程
• 基础
• 墨点美术
• 艺术
• 技法

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534064319

版次：1

商品编码：12312577

品牌：墨点

包装：平装

开本：16开

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

产品特色

编辑推荐

1.本书以素描静物的案例为主，从基础的单个静物讲起，逐渐过到较为复杂的静物组合，形成一个系统化的教程安排，注重基础知识的把握和提高，提高他们的观察力和绘画能力。2. 与传统纸质书本不同，本书中带有同步免费视频，扫码可免费观看作画过程，能够避免纸质书籍带来的枯燥，同步看视频，可边看边学。

内容简介

本书包含47幅范画，其中15幅范画带有视频同步教学。内容编排上遵循循序渐进的原则，案例步骤清晰，文字讲解清楚易懂。一方面易于青少年对素描基础知识的掌握，另一方面逐渐提高他们的绘画技能。

作者简介

史晋华，生于1987年，山西长冶人，毕业于北京林业大学艺术设计专业。在长期的教学实践中积累了丰富的教学经验，绘画基础扎实，理论讲解通俗易懂。

内页插图

《光影之语：素描静物深度解析》 一、 洞悉物体的内在灵魂：形体与结构 素描，作为造型艺术的基石，其核心在于捕捉和表现对象的形体与结构。本书并非仅仅停留于表面的描绘，而是致力于引导读者深入理解物体的三维形态，探究其内在的构成逻辑。我们不会直接给出“你应该画成什么样”，而是引导你去“看见”物体是如何搭建而成的。 首先，我们将从最基础的几何形体入手。立方体、球体、圆柱体、圆锥体，这些看似简单的形态，却是构成万事万物的基本单元。我们将学习如何观察和绘制这些基本形体的透视变化，理解其在不同角度下的投影关系。这不仅仅是“画一个圆”，而是去理解“为什么它看起来是这样”。我们会通过大量的图例和步骤解析，展示如何从二维的平面画布上，构建出具有立体感的几何体。例如，绘制一个立方体，我们将重点讲解如何找到消失点和视平线，如何通过辅助线来精确地确定其边线的走向和比例，从而让它“站立”在纸面上，而不是“躺平”的平面图形。 在此基础上，我们将逐步过渡到不规则形体的观察与表现。一个苹果，一个瓶子，一张椅子，它们都不是单纯的几何体，而是由多个几何体组合而成，或经过复杂的形变。我们将学习如何将复杂的物体分解为基本的几何单元，然后逐步重构，最终形成准确的外部轮廓。这需要我们培养一种“解构”的能力，将观察对象“拆解”成我们可以理解和掌控的部分。例如，在绘制一个水壶时，我们会先找到它的主体部分，可能是由一个圆柱体和半球体组合而成，然后观察其壶嘴、提手等附加结构，分析它们的连接方式和比例关系。我们还会强调“体块感”的训练，即使是简单的几何体，也要赋予它厚度、体积和空间感，避免画成“薄片”。 结构是形体的骨架，而细节则是赋予生命力的血肉。本书将重点训练读者对物体结构的敏锐洞察力。这包括对物体表面纹理、接缝、转折处的细致观察。例如，在描绘一个木质的箱子时，我们不仅要画出它的箱体轮廓，还要留意木板的纹理走向、接合处的缝隙、甚至是不规则的裂纹。这些细节能够极大地增强画面的真实感和表现力。我们将通过案例分析，展示如何通过线条的粗细、虚实、疏密来表现物体的结构起伏和材质特点。例如，粗重的线条可能表现物体的边缘，而轻柔的线条则可以勾勒出微妙的转折。 更进一步，我们将引导读者去理解物体之间的“空间关系”。即使是单独的静物，它们也并非孤立存在，而是占据着一定的空间，并与其他物体产生联系。本书将强调“留白”的重要性，懂得利用背景和负空间来衬托主体，明确物体之间的前后关系和距离感。通过对比和虚实的变化，我们可以清晰地表现出哪个物体更近，哪个物体更远，从而构建出具有深度的画面。例如，在绘制一组水果时，我们会引导你去注意水果之间的重叠部分，以及它们与桌面之间的空间关系，通过虚化背景或降低背景的对比度，让前景中的水果更加突出。 二、 光影的魔法：明暗与体积 光影是素描中最具表现力的语言之一，它不仅赋予物体色彩，更塑造了物体的体积感和空间感。本书将深入探索光影的奥秘，教你如何“听懂”光影的语言，并用它来雕刻物体。 我们将从理解“光源”开始。光源是光影产生的根源，它的性质——方向、强度、色温（虽然素描不涉及色彩，但对冷暖光线的感知是基础）——直接决定了物体的明暗分布。我们将学习如何判断光源的方向，并推断出由此产生的亮部、暗部、反光和投影。这需要我们培养一种“追光”的能力，顺着光线的轨迹去观察。例如，当光源从左上方射来时，物体的右下方和背光面会自然形成暗部，而与此相对的亮部则会被光线照亮。 “明暗交界线”是表现物体体积的关键。我们将详细解析明暗交界线的形成原理，以及如何在素描中准确地捕捉它。明暗交界线并不是一条生硬的直线，它会随着物体的曲面变化而呈现出不同的形态。理解明暗交界线的走向和虚实变化，是塑造物体圆润或棱角分明的重要手段。例如，在绘制一个球体时，明暗交界线会呈现出弧形，并随着受光面的变化而逐渐过渡到暗部。 “反光”是塑造物体立体感的点睛之笔。许多初学者容易忽略反光，导致画面显得僵硬平淡。我们将深入讲解反光的成因，以及它在物体暗部中扮演的角色。反光能够有效地连接亮部与暗部，使暗部不至于死黑，从而增强画面的层次感和真实感。我们将通过图例示范，展示如何在暗部添加微妙的反光，让物体仿佛被光线“包裹”着，而非被“砍断”一样。例如，当物体放置在桌面或其他物体上时，由于光的反射，物体底部靠近接触面的暗部会比其他暗部更亮一些，这就是反光。 “投影”是连接物体与环境的桥梁，它能够有效地交代空间关系和光源方向。我们将学习如何准确地绘制物体的投影，包括投影的形状、深浅和虚实变化。投影的远近、大小和清晰度，都与光源的位置和物体与地面的距离息息相关。通过观察和分析投影，我们可以清晰地判断出光源的性质，以及物体所处的空间环境。例如，在绘制一个台灯投射到桌面上的阴影时，我们会根据台灯的倾斜角度和桌面距离，绘制出不同形状和深度的阴影。 本书还将引导读者掌握“受光面”和“背光面”的微妙变化。即使是受光面，也会有不同程度的亮度和色彩（在素描中表现为灰度）。背光面也并非一片漆黑，它可能会受到来自环境的漫反射光和反光的影响，呈现出不同的灰度层次。我们将通过大量的范例，展示如何通过细腻的灰度变化来表现光线的微妙之处，让画面更加生动和富于体积感。 三、 笔触的叙事：线条与灰度的运用 素描的魅力不仅在于形似，更在于神似，而这一切都离不开线条和灰度的巧妙运用。本书将带领你领略笔触的叙事力量，让你能够通过手中的画笔，讲述出物体的故事。 “线条”是素描最直接的表达方式。我们将从最基础的“轮廓线”开始，学习如何用准确、流畅的线条勾勒出物体的外形。但线条远不止于此，它还可以表现物体的结构、材质、情绪。我们将探讨不同类型的线条：直线、曲线、折线、点线，以及它们各自的特点和表现力。我们会引导你练习“概括性线条”，在保证准确性的前提下，用简洁的线条捕捉物体的神韵。 “力度与粗细”是线条的灵魂。我们将学习如何通过控制笔的力度和粗细来丰富画面的表现力。粗重的线条能够强调物体的边缘和力量感，而轻柔的线条则可以表现物体的体积转折和细腻的质感。我们将引导你练习“排线”技巧，通过不同方向、不同疏密、不同力度的排线，来塑造物体的体积、明暗和空间感。例如，平行排线可以表现平坦的表面，而交叉排线则可以表现曲面和阴影。 “灰度”是素描的色彩，它直接决定了画面的明暗层次和空间感。我们将系统地学习如何运用不同灰度的铅笔（或炭笔），从最浅的亮部到最深的暗部，构建出丰富的灰度谱。我们将强调“灰度关系”的重要性，即画面中各个区域的灰度对比，以及它们之间的相互关系。正确的灰度关系能够有效地突出主体，区分前景和背景，营造出逼真的空间感。 我们将引导你练习“铺调子”，即在画面上初步建立整体的明暗关系。这能够帮助你快速把握画面的整体灰度分布，避免在细节上花费过多时间而忽略了整体的协调性。我们还会讲解“二次调子”和“三次调子”，即在初步调子基础上，逐步深入刻画，使画面更具层次感和表现力。 “质感表现”是素描的升华。不同的材质，如金属、玻璃、布料、木材、陶瓷，它们在光影下的表现方式截然不同。我们将通过大量的实例分析，讲解如何通过线条的走向、排线的疏密、灰度的细腻变化，以及对反光和投影的准确把握，来表现出各种材质的独特质感。例如，玻璃的透明感可以通过对穿透光线和清晰反光的描绘来体现，而金属的冰冷感则可以通过锐利的轮廓线和高对比度的明暗来表现。 四、 实践与创作：从模仿到独立思考 本书并非一本死板的技法堆砌，而是希望通过引导性的学习，激发你的创作潜力。 我们将从“临摹”开始，这是学习素描最有效的方式之一。通过临摹优秀的作品，你可以学习大师们如何处理形体、光影和笔触，快速掌握基本的绘画技巧。但临摹并非“照猫画虎”，我们将引导你思考“为什么作者要这样画”，理解每一笔每一画背后的思考。 在此基础上，我们将过渡到“写生”。写生是培养独立观察能力和造型能力的关键。我们将提供各种类型的静物组合建议，并指导你如何分析静物组合的整体构图、主次关系、光影变化。从一个简单的苹果，到复杂的场景，每一次写生都是一次挑战，也是一次成长。 我们将强调“构图”的重要性。一个好的构图能够让画面更具吸引力和表现力。我们将讲解基本的构图原则，如三分法、黄金分割，以及如何利用线条、形状和色彩（在这里是灰度）来引导观众的视线，创造出富有节奏感和平衡感的画面。 更重要的是，本书将引导你进入“独立思考”的阶段。当你掌握了基础的技法和观察方法后，就可以开始尝试表达自己的想法和感受。你可以尝试不同的静物组合，探索不同的表现风格，甚至是将自己的生活经历和情感融入到绘画创作中。我们鼓励你大胆尝试，不怕失败，每一次的实践都是一次宝贵的经验积累。 五、 总结与展望：素描的无限可能 素描，作为一种最纯粹的造型艺术语言，它能够训练你的观察力、思考力和表现力。它不仅仅是绘画的入门，更是通往艺术殿堂的必经之路。通过对形体、结构、光影、线条和灰度的深入理解和练习，你将能够用画笔捕捉世界的每一个细节，表达内心的每一个想法。 本书所提供的不仅仅是绘画的技巧，更是一种观察世界的方式，一种理解艺术的视角。希望通过这本书的引导，你能够真正爱上素描，并在绘画的道路上越走越远，发现素描所蕴含的无限可能，最终创造出属于你自己的艺术作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的作者似乎对绘画有着非常深刻的理解，他不仅仅是教授技巧，更是在传递一种绘画的理念。我特别欣赏它关于“观察力培养”的部分，它不只是简单地让我们去“看”，而是鼓励我们去“审视”，去分析物体的结构、比例、透视，去体会光线在物体上留下的痕迹。书中的案例都非常经典，每一个练习都充满了挑战性，但也正是这些挑战，让我不断突破自己的瓶颈。我曾经在画一个水杯的时候，总是画不出那种晶莹剔透的感觉，看了这本书的讲解后，我才明白，原来关键在于对高光和反光的精准把握，以及对背景在透明体上的折射的理解。作者还花了很大的篇幅去讲解如何“感受”物体的体积，不仅仅是二维的平面，而是三维的空间感，它通过一系列的练习，帮助我们建立起对物体在空间中的位置和大小的准确判断。另外，它在关于“细节的提炼与概括”这一部分也给了我很大的启发，不是所有的细节都需要一一描绘，而是要抓住物体的“神”，提炼出最能表现其特点的细节，做到“少即是多”。这种对画面整体性的把握，以及对细节的取舍，是我之前从未认真思考过的。这本书真的让我从一个“模仿者”变成了一个“思考者”，让我开始真正地理解绘画的本质。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大感受就是它的“体系化”。它不像市面上很多教程那样零散地讲解几个技巧，而是建立了一个完整的学习体系，让我在学习过程中能够有条不紊。我特别欣赏它关于“空间感的营造”的讲解，它不仅仅是讲解透视，更是从物体的大小、清晰度、色彩倾向等方面，全方位地阐述如何让画面产生景深。书中提到，即使是同一物体，在不同距离下，它的表现方式也应该有所不同，这让我茅塞顿开。而且，它在处理“光线的方向与性质”时，也做到了非常细致的分析。比如，直射光、散射光、漫射光，它们分别会对物体产生什么样的影响，又如何通过不同的笔触和灰度来表现。我之前对这一点一直很模糊，现在终于有了清晰的认识。另外，书中还提到了关于“构图的黄金分割”和“三分法”等经典构图法则，并且通过大量的实例来展示它们是如何运用的，让我能够更直观地理解这些理论。甚至在讲解“如何表现物体的重量感”时，它也给出了独到的见解，比如通过阴影的厚重感和形体的稳定感来体现。总之，这本书让我从一个“新手”成长为一个能够独立思考和创作的“画者”。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让我惊喜不断，原本以为这只是一个简单的素描入门，没想到它在细节的处理上如此用心。就拿对不同材质的描绘来说，作者并没有泛泛而谈，而是深入浅出地讲解了如何捕捉金属的光泽感、陶瓷的温润感、玻璃的透明感，甚至连布料褶皱的细腻纹理都一一剖析。我特别喜欢它关于“形体与结构”的讲解，不仅仅是教我们画出物体的轮廓，更强调了理解物体内部的骨骼和构造，这样画出来的静物才更具立体感和生命力。书中还穿插了一些关于透视的实用技巧，比如如何准确地判断平行透视和成角透视，以及如何在画面中运用辅助线来解决构图难题，这些内容对于初学者来说简直是福音。而且，我注意到书中对光影的运用也做了详细的阐述，它不仅仅是教会我们区分明暗交界线和投影，更重要的是理解光线是如何照射在物体上，从而产生丰富的光影变化，这对于塑造物体的体积感至关重要。甚至在对待物体之间的空间关系上，它也给出了独到的见解，比如如何利用虚实对比来区分前后景，如何通过色彩的冷暖来表现距离感，这些都极大地提升了我对素描的理解高度。总而言之，这本书不仅仅是一本技术指南，更像是一位循循善诱的老师，让我对静物素描有了全新的认识，也点燃了我持续学习的热情。

评分☆☆☆☆☆

这本书的案例分析非常到位，每一个步骤都讲解得非常详细，让我能够清晰地看到作者是如何一步步地构建出一幅完整的静物画的。我特别喜欢它关于“如何处理不同材质的透明度”的讲解，它不仅仅是教你画出透明物体的轮廓，更是教你如何去捕捉背景在透明体上的折射和变形，以及如何通过微妙的明暗变化来表现透明体的厚度和质感。我之前画玻璃杯的时候，总是觉得“实”的，不够透明，看了这本书之后，我才明白，原来是因为我忽略了背景的干扰和折射。而且，它还提到了关于“如何利用空间留白来增强画面的呼吸感”的技巧。有时候，适当的留白能够让画面显得更加简洁、大气，而不是显得过于拥挤。这让我意识到，绘画不仅仅是“加法”，有时候“减法”同样重要。甚至在关于“如何表现物体的重量感”上，它也给出了非常实用的建议，比如通过扎实的底部支撑、沉重的阴影和稳定的大形来体现。总之，这本书让我看到了一个更加全面和深入的绘画世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的讲解风格非常生动有趣，它不是那种枯燥乏味的理论灌输，而是通过大量生动的案例和通俗易懂的语言，让我们在轻松愉快的氛围中掌握绘画技巧。我特别喜欢它关于“如何捕捉物体的表情”的讲解，虽然是静物，但通过对物体形态的微妙处理，也可以赋予它们一定的“个性”。比如，一个稍微倾斜的瓶子，就可以显得很俏皮；一个堆叠不稳的苹果，就会显得有点“无奈”。这种拟人化的处理方式，让我的绘画变得更加有趣。书中还提到了关于“如何处理画面的虚实关系”，这对于初学者来说是一个很大的难点，但这本书通过大量的实例，让我们能够直观地感受到虚实对比所带来的空间感和层次感。我之前画的静物总是显得很“平面”，缺乏立体感，看了这本书之后，我才明白，原来是忽略了虚实对比的重要性。而且，它还强调了“笔触的运用”在表现不同材质上的作用，比如用流畅的线条描绘丝绸，用粗犷的笔触描绘岩石，这些细节的把握，极大地提升了画面的表现力。总而言之，这本书不仅教会了我绘画技巧，更让我体会到了绘画的乐趣，让我爱上了用画笔去表达。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大启发在于它对“观察角度”的重视。它不仅仅是让你站在一个固定的角度去观察物体，而是鼓励你从不同的角度去审视同一个物体，去体会它在不同视角下的形态变化。这对于我来说是一个全新的视角，让我意识到，原来绘画不仅仅是复制，更是对事物内在的理解。书中关于“如何表现光线的体积感”的讲解也让我受益匪浅。它不仅仅是让我们画出明暗，更是去理解光线是如何包裹住物体，形成体积的。我之前画的静物总是缺乏“立体感”，看完这本书之后，我才明白，原来是因为我没有真正地去理解光线的体积感。而且，它还提到了关于“如何处理物体之间的疏密关系”来增强画面的节奏感。当物体密集时，可以通过虚化背景或者简化细节来突出主体；当物体稀疏时，可以通过增加细节或者调整背景来填补空间。这些都是非常实用的技巧。甚至在关于“如何表现物体的温度感”上，它也给出了独到的见解，比如通过温暖的色调和柔和的光线来表现温暖，通过冷峻的色调和锐利的光线来表现寒冷。总之，这本书让我看到了一个更广阔的绘画世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的讲解深入浅出，即便是没有任何绘画基础的人，也能在短时间内掌握核心的绘画技巧。我特别欣赏它在讲解“形体的基本构成”时，将复杂的物体拆解为最基本的几何形体，比如球体、圆柱体、立方体，然后通过组合和变形来构建出各种复杂的形态。这让我对物体的结构有了更清晰的认识。书中还提到了关于“如何处理物体表面的肌理”的讲解，它不仅仅是教你画出线条，更是教你如何通过线条的粗细、疏密、断续来表现不同材质的表面特征。比如，丝绸的光滑，粗麻布的粗糙，都能够通过巧妙的线条处理来表现。我之前总觉得画不出物体的质感，看了这本书之后，我才明白，原来是忽略了线条在表现肌理上的作用。而且，它还鼓励我们在绘画中融入自己的“情感”，让画面不仅仅是客观的记录，更是带有个人风格的表达。它提到了，可以通过改变物体的角度、光线的强弱、背景的衬托等方式，来传达不同的情感。总而言之，这本书让我从一个“描摹者”变成了一个“创作者”，让我开始用自己的眼睛和心灵去感受世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的逻辑结构非常清晰，从基础的线条、明暗关系，到复杂的形体塑造和光影表现，层层递进，让我在学习过程中能够循序渐进，不至于感到迷茫。我特别喜欢它在讲解“如何处理不同材质的纹理”时，给出的具体方法。比如，画木头的时候，它会教你如何通过粗细不一的线条和微妙的明暗变化来表现木材的年轮和纹理；画石头的时候，它会教你如何通过硬朗的笔触和丰富的灰度来表现石头的质感。这些都非常实用，让我能够快速地掌握描绘各种材质的技巧。书中还有关于“如何捕捉物体的动态”的讲解，虽然是静物，但作者通过对物体之间相互的挤压、倾斜、支撑等关系的处理，也能让画面充满生命力，而不是呆板地堆砌。我之前画的静物总是显得有些“飘”，缺乏“落地感”，看了这本书之后，我才意识到，原来是因为我对物体在重力作用下的表现不够深入。它还提到了关于“环境色与物体色”的相互影响，如何理解环境中的色彩是如何渗透到物体表面的，即使是素描，也能通过灰度的细微差别来暗示这种影响。总而言之，这本书不仅教会了我如何画，更教会了我如何“看”，如何用画笔去解读这个世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的感受就是它对“细节的打磨”近乎苛刻。它不仅仅是教你如何画出物体的基本形状，更是要求你对每一个细节都做到精益求精。我特别喜欢它关于“如何捕捉光影的微妙变化”的讲解，它不仅仅是区分亮部和暗部，更是要求你仔细观察光线在物体表面是如何流动的，又是如何在不同弧度的表面产生不同的明暗过渡。这让我对光影有了更深刻的认识。我之前画静物总是显得有些“平”，缺乏立体感，看了这本书之后，我才明白，原来是因为我对光影的理解还不够深入。而且，它还提到了关于“如何处理物体之间的相互遮挡”来增强画面的空间层次。当物体之间相互遮挡时，可以通过虚化被遮挡的部分，或者通过改变对比度来区分前后关系。这让我意识到，绘画的每一个细节都至关重要。甚至在关于“如何处理画面的整体调子”上，它也给出了非常独到的见解，比如如何通过统一的灰度变化来营造和谐的画面氛围。总而言之，这本书让我看到了一个更加精细和严谨的绘画世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和插图风格我非常喜欢，看起来就很赏心悦目。那些示范画作，每一个细节都处理得恰到好处，尤其是对不同质感的表现，简直可以说是出神入化。比如说，画面的中的一个苹果，你能清晰地感受到它表皮的微皱和光泽，就连上面可能存在的细小划痕，都清晰可见，这让我惊叹不已。作者在讲解色彩的运用上也颇具匠心，虽然是素描教程，但它巧妙地引导读者去理解不同颜色在黑白灰中的转换，以及如何通过色调的变化来表现物体的固有色和环境色。我印象特别深刻的是关于“构图中的平衡与节奏”这一章节，它不仅仅是简单地告诉我们要把物体放在画面的中央或者偏向一边，而是深入地分析了如何通过元素的疏密、大小、形状的对比来达到视觉上的和谐与统一，以及如何引导观者的视线在画面中游走。书中还提到了关于“主题与配景”的关系，如何让主体突出，配景起到烘托作用，而不是喧宾夺主，这些对于我们初学者来说，无疑是宝贵的经验。而且，它并没有一味地强调写实，而是在写实的基础上，鼓励我们加入自己的情感和理解，让画面更具个性和艺术感染力。我之前画静物总觉得死气沉沉，看了这本书之后，我才明白，原来是因为我没有真正地去“观察”和“感受”眼前的物体，这本书给了我一个全新的视角去审视世界。