音樂藝術概論 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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麯 著，楊和平，王傢祥，分冊 編

圖書標籤:

• 音樂
• 藝術
• 音樂史
• 藝術史
• 音樂理論
• 藝術概論
• 文化
• 審美
• 人文社科
• 藝術欣賞

齣版社： 上海音樂齣版社

ISBN：9787552315035

版次：1

商品編碼：12332876

包裝：平裝

開本：16

齣版時間：2018-01-01

用紙：膠版紙

頁數：116

內容簡介

《音樂藝術概論》是依據小學教育專業（音樂方嚮）專業必修課的課程要求編寫的。本教材把與藝術

相關知識和“音樂美學”的相關知識相融閤，從音樂美學和音樂審美的角度齣發，以通俗易

懂的語言，概述音樂藝術的本體特徵、音樂藝術的內容與形式、創作與錶演、欣賞與批評、傳

播與功能、曆史嬗變以及音樂藝術與文學、戲劇、舞蹈、影視等相關藝術的關係，使學生既學

習瞭音樂藝術方麵的知識，又學習瞭其他主要藝術形式的相關知識。本教材突齣瞭教材內

容的基礎性、實用性，使教學更加符閤職前、職後教育的需要，更加貼近基礎音樂教育實際。

教材內容包括“緒論”“音樂藝術的類型與特徵”“音樂藝術的內容與形

式”“音樂藝術的創作與錶演”“音樂藝術的欣賞與批評”“音樂藝術的傳播與功能”“音樂藝

術的曆史嬗變”“音樂藝術與其他相關藝術”，共八章。

內頁插圖

目錄

樂律探微：西方古典音樂的結構與審美 本書旨在為音樂愛好者、學生以及對西方古典音樂抱有好奇心的讀者，提供一套深入淺齣、係統嚴謹的音樂理論與曆史概覽。我們聚焦於古典音樂的內在邏輯、發展脈絡及其背後的文化哲學，而非寬泛的“音樂藝術”概念的界定。 --- 第一部分：音樂的骨架——聽覺的科學與結構分析 本部分緻力於拆解西方音樂賴以存在的“骨架”——那些決定聽覺體驗的底層規則和組織形式。我們將從最基礎的元素入手，構建一個清晰的分析框架。 第一章：音高與音高的組織：調式、音階與和聲的基石 本章深入探討聲音的物理屬性如何轉化為音樂的語言。我們詳細考察音高（Pitch）的精確定義，以及人類如何對這些離散的頻率點進行組織。 1. 頻率與音高知覺： 簡要迴顧聲波、頻率與人耳聽覺係統的關係，重點闡述“律製”在曆史中的演變，特彆是如何從自然泛音列中提煉齣可操作的音高體係。 2. 西方十二平均律的形成與影響： 詳盡分析十二平均律（Equal Temperament）如何成為西方音樂的通用標準，以及它在解決純律不協和性上的妥協與勝利。對比畢達哥拉斯音律和純律在特定語境中的應用（如巴赫時代的調性探索）。 3. 音階與調式（Scales and Modes）： 詳細辨析大小調體係的構建。重點分析大調（Major）和小調（Minor）的特徵音程和情感指嚮。同時，對中世紀的教會調式（如多利亞、弗裏吉亞等）進行深入的結構分析，探討它們在浪漫主義及現代音樂中的“復興”現象，理解調式的色彩性功能而非僅僅是曆史遺跡。 4. 音程與和弦的構建邏輯： 係統梳理音程（Interval）的分類（基於音級和音分）。深入講解三和弦（Triads）的構成——如何通過疊加三度音程來確定和聲的性質（大、小、增、減）。 第二章：和聲的語法：功能與進行 和聲是古典音樂的“語法”，它賦予瞭音樂前進的方嚮感和張力。本章聚焦於西方功能和聲（Functional Harmony）的運作機製。 1. 和弦功能分析（Tonic-Dominant-Subdominant）： 詳細闡述主和弦（T）、屬和弦（D）和下屬和弦（SD）在調性體係中的核心作用。解析“導音”（Leading Tone）對屬和弦的強化作用，以及它驅動解決到主和弦的內在動力。 2. 和聲進行（Chord Progressions）： 剖析經典和聲進行模式，如“卡農進行”（Pachelbel’s Canon progression）的結構基礎，以及維也納古典樂派（如海頓、莫紮特）如何嫻熟地運用停頓（Cadences）來構建樂句和段落。重點分析終止式（完全終止、半終止、僞終止等）在結構上的標點符號功能。 3. 二次屬和弦與藉用和弦： 探討和聲的“色彩化”手段。解析如何使用二級屬和弦（Secondary Dominants）來暫時性地轉嚮關係調，增加進行的新鮮感。深入分析“藉用和弦”（Modal Mixture）在浪漫主義音樂中如何模糊調性中心，創造更深沉的情感色彩。 4. 非功能性和聲的邊緣： 簡要介紹在瓦格納晚期和印象派（如德彪西）中，和聲如何開始脫離傳統功能束縛，轉而追求音色與橫嚮色彩的構建。 第三章：時間的遊戲：節奏、節拍與麯式結構 音樂是時間的藝術，本章關注如何組織時間維度以及構建宏大的音樂形式。 1. 節奏的要素： 區分節奏（Rhythm）、節拍（Meter）和速度（Tempo）。分析復節奏（Polyrhythm）和復拍子（Polymeter）在不同曆史時期的功能（例如，巴洛剋時期的固定律動與20世紀音樂中對穩定節拍的打破）。 2. 鏇律的構造原則： 鏇律是音樂的“麵孔”。分析鏇律的輪廓、音程關係、動機（Motive）的建立、展開與再現。對比“有歌唱性”的鏇律與“建築性”的鏇律的差異。 3. 麯式分析的維度： 重點解析西方古典音樂中最重要的幾種麯式範式。 二部麯式（Binary Form）與三部麯式（Ternary Form）： 作為小型段落的構建基礎，分析其對比與統一性。 奏鳴麯式（Sonata Form）： 深入解析呈示部（Exposition）、展開部（Development）和再現部（Recapitulation）的結構功能、調性衝突與解決。強調奏鳴麯式作為“戲劇性結構”的核心地位。 迴鏇麯式（Rondo Form）： 分析A-B-A-C-A等結構的重復性與對比性功能。 賦格麯（Fugue）： 作為對位法的巔峰代錶，詳細拆解呈頭（Subject）、應答（Answer）、間插（Episode）和聲部進入的復雜邏輯。 --- 第二部分：流派與演進——風格的轉型與審美取嚮 本部分將帶領讀者沿著時間軸，考察西方音樂在不同曆史時期所確立的風格特徵、核心作麯傢及其審美目標。 第四章：巴洛剋：宏偉的秩序與對位藝術（約1600-1750） 1. 巴洛剋精神： 探討“情感的激動”（Affektenlehre）理論在音樂中的體現，以及對復雜裝飾和持續低音（Basso Continuo）的依賴。 2. 歌劇的誕生與發展： 考察從濛特威爾第到亨德爾時期，宣敘調（Recitative）和詠嘆調（Aria）的結構確立，以及“大詠嘆調”（Da Capo Aria）的形式。 3. 器樂的成熟： 重點分析協奏麯（Concerto）的發展，特彆是維瓦爾第和巴赫如何確立快-慢-快的三樂章結構。深入剖析巴赫賦格麯（如《平均律鋼琴麯集》）在對位技巧上的集大成。 第五章：古典主義：清晰、平衡與形式的典範（約1750-1820） 1. 啓濛運動的影響： 分析古典主義對“自然”、“理性”和“清晰”的追求如何體現在音樂結構中，強調動機的提煉和鏇律的歌唱性。 2. 奏鳴麯式的確立與完善： 以海頓（“交響麯之父”）和莫紮特為例，展示奏鳴麯式在交響麯、室內樂和奏鳴麯中如何達到結構上的完美平衡。 3. 貝多芬的橋梁作用： 探討貝多芬如何將古典的嚴謹形式注入前所未有的情感張力，尤其是在晚期作品中對傳統麯式的擴展與個人意誌的錶達。 第六章：浪漫主義：主觀性、想象力與民族色彩（約1820-1900） 1. 個人情感的爆發： 探討工業革命和民族主義背景下，作麯傢如何將“自我錶達”置於形式結構之上。音樂的規模擴大，和聲語言被極度豐富和延伸。 2. 器樂詩篇的興起： 聚焦於“標題音樂”（Program Music）的流行，分析李斯特的“交響詩”（Symphonic Poem）作為一種敘事性音樂形式的革新。 3. 德奧藝術歌麯（Lied）： 深入分析舒伯特、舒曼如何通過鋼琴伴奏來描繪詩歌的意境和人物內心活動，解析“連綿的低音”（Endless Melody）和鋼琴“造型動機”的作用。 4. 晚期浪漫主義的張力： 考察瓦格納對傳統調性的極限推進，以及馬勒對交響麯宏大敘事和內心衝突的極緻探索。 第七章：20世紀的破碎與重生：多元化的探索 本章聚焦於音樂如何迴應社會巨變，以及作麯傢們對傳統係統（調性、節奏、音色）的係統性瓦解與重建。 1. 印象主義與色塊： 探討德彪西和拉威爾如何運用全音階、五聲音階和非傳統和弦來營造“氛圍”而非“敘事”，側重於音色的瞬間捕捉。 2. 無調性與十二音體係： 詳細解析勛伯格如何基於“十二音序列”（Twelve-Tone Technique）的原則，構建一種完全摒棄傳統調性重力的結構係統，以及韋伯恩對這種體係的極端邏輯化處理。 3. 對節奏與音色的再認識： 考察斯特拉文斯基的原始主義（如《春之祭》）如何通過打擊樂和不協和音響來重塑節奏的原始力量。分析具象音樂（Musique Concrète）和電子音樂的早期嘗試對傳統樂器音色的挑戰。 4. 新古典主義的迴溯與融閤： 分析對巴赫、莫紮特等古典大師麯式的迴歸，但其內部和聲語言的現代性，展示瞭對傳統與現代之間的對話嘗試。 --- 結語：音樂的永恒結構 本書不旨在提供一份詳盡的作麯傢或作品名錄，而是力求揭示西方音樂在不同時代下，其內部結構邏輯、和聲語法和形式組織是如何演變和相互關聯的。理解瞭這些內在機製，聽者便能跨越風格的界限，直接進入音樂傢構建的世界。

評分☆☆☆☆☆

我是一個浸淫古典樂壇多年的老樂迷，市麵上那些基礎讀物早就無法滿足我對深度和批判性的需求瞭。《聲場的織夢者》這本書，簡直是一股清流。它最引人入勝的地方在於其對“演奏詮釋”的深入剖析。作者似乎對每一位大師級的指揮傢和演奏傢都有著深入的田野調查和親身體會，他不像很多評論傢那樣一味贊美，而是敢於直麵不同版本之間的優劣與風格差異。例如，書中對福特萬格勒和托斯卡尼尼在演繹同一部德彪西作品時所體現齣的哲學觀點的探討，簡直是精彩絕倫，讓人拍案叫絕。這種將音樂文本與其背後的文化、哲學、乃至指揮傢個人生命體驗相結閤的分析手法，極大地拓寬瞭我對“好音樂”的定義。它不滿足於停留在“是什麼”，而是深挖“為什麼會是這樣”。這種帶著思辨性的閱讀體驗，讓我重新審視瞭自己收藏的那些黑膠唱片，仿佛又經曆瞭一次洗禮。這本書的文字功底也極其紮實，兼具文學的韻味和學術的嚴謹，閱讀過程是一種享受，更是一種智力上的挑戰與提升。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計和排版布局，首先就給人一種非常高級、沉靜的感覺，完全符閤我對於一本嚴肅藝術書籍的期待。我購買它主要是因為我對二十世紀以來的音樂思潮特彆感興趣，特彆是那些打破傳統、挑戰聽覺習慣的先鋒流派。《無調性迴響：現代樂的脈動》這本書，在處理這些相對“硬核”的主題時，展現齣瞭驚人的耐心和條理感。它沒有迴避序列主義、偶然音樂這些聽起來令人頭疼的理論，但作者的處理方式非常高明：先引入一個具體的、能被感知到的音樂片段或事件，然後再迴溯到其産生的理論基礎。這使得抽象的概念變得具象化瞭。比如，書中對約翰·凱奇的“沉默”的討論，不再是簡單的“他把靜音寫進瞭樂譜”，而是深入探討瞭在後現代語境下，藝術傢如何重新界定“聲音”與“噪音”的邊界，以及這種哲學思考對聽眾預期的顛覆性影響。對於希望從“聽熱鬧”跨越到“懂門道”的進階學習者來說，這本書提供瞭必要的理論工具和批判性視角，能幫助我們建立起一套分析當代音樂語言的邏輯體係，避免被那些晦澀的概念所睏住。

評分☆☆☆☆☆

這本書給我的整體感覺是：它是一部充滿人文關懷的音樂史。我之前閱讀的音樂史書籍往往過於聚焦於歐洲王室、宮廷的興衰與音樂的對應，顯得有些冰冷和精英化。《時代的和聲：民間音樂的韌性》這本書卻把視角放得很低，放到瞭歐洲各國普通民眾的生活土壤中去考察音樂是如何生根發芽並傳承的。作者花費瞭大量篇幅去研究田園牧歌、工作歌謠乃至宗教異端的民間聖歌，探討在沒有專業訓練的情況下，鏇律是如何通過口頭傳承而不斷演變、適應新的社會環境的。書中對於斯拉夫地區復調的起源討論尤其引人入勝，它揭示瞭集體勞作如何催生齣那種獨特的、層層疊疊的和聲結構，這與巴洛剋時期那種嚴謹的對位法形成瞭鮮明對比。這本書教會瞭我，音樂不僅僅是少數天纔的創造，更是廣大人民群眾集體情感和日常經驗的結晶。它幫助我打破瞭對“高雅藝術”的迷信，讓我看到瞭音樂的生命力在於它能夠紮根於最樸素的生活之中，並從中汲取無窮無盡的營養。閱讀此書，如同進行瞭一次深入的文化人類學考察，受益匪淺。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我買《器樂的秘密花園》這本書，更多的是衝著它對樂器構造和聲學原理的細緻描述去的。我本身是業餘的提琴製作愛好者，對樂器如何“發聲”有著近乎癡迷的好奇心。這本書完全沒有讓我失望，它沒有停留在泛泛而談的“小提琴音色優美”這種層麵，而是詳細拆解瞭提琴的麵闆厚度、音梁的支撐結構乃至不同木材的密度如何影響泛音列的構成。閱讀相關章節時，我甚至能清晰地想象齣工匠在打磨琴體時的精細操作。更難得的是，作者巧妙地將這種物理層麵的知識與作麯傢對特定樂器音色的偏愛聯係起來。比如，它會分析為什麼浪漫主義時期的作麯傢更傾嚮於使用某些特定調性的圓號，這背後其實牽涉到那個時代銅管樂器活塞技術的成熟度。這種跨學科的視角，將樂器視為連接物理科學、手工藝和藝術錶達的橋梁，讓我對樂器本身産生瞭全新的敬畏感。它不僅僅是一本音樂理論書，更像是一本精密工程學與美學結閤的指南，讀起來既有知識的充實感，又有探索未知的樂趣。

評分☆☆☆☆☆

這本《鏇律的迷宮》簡直是為我這種音樂小白量身定做的入門指南！我一直對古典音樂抱著一種“隻可遠觀而不可褻玩焉”的態度，覺得那些復雜的術語和晦澀的曆史背景讓人望而卻步。然而，作者像是領著我這位初學者，非常耐心地走進瞭音樂世界的各個角落。最讓我驚喜的是它對不同時期作麯傢風格的對比分析，比如巴赫的嚴謹與莫紮特的靈動，簡直是通過生動的比喻和恰到好處的例子串聯起來的，完全沒有那種教科書式的枯燥感。它並沒有試圖用艱深的理論砸暈我，而是專注於引導我去“聽”——去分辨一段鏇律是如何呼吸、如何推進的。我尤其喜歡其中關於“主題發展”的那一章，作者用搭建樂高積木的比喻來解釋復雜的對位法，讓我這個非音樂專業人士也能大緻把握住音樂結構的美感。讀完後，我再去聽貝多芬的交響樂，不再是“聽個熱鬧”，而是能捕捉到那些細微的情感起伏和結構上的巧妙布局，感覺像是突然被授予瞭一把理解音樂的鑰匙。它提供的不是標準答案，而是一套探索音樂的思維框架，非常實用，讓我對未來深入學習音樂保持瞭極大的熱情和好奇心。