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沙伟臣著

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出版社：中国青年出版社

ISBN：9787515349145

版次：1

商品编码：12345020

包装：软精装

开本：16开

出版时间：2018-03-01

用纸：铜版纸

具体描述

内容简介

本书从一个实践者的角度，避开“知识”化的表达方式，仅仅从绘画语言本身来呈现作者对于绘画的理解。作者通过另外一种路径，它是非“知识”的和非概念的途径，靠视觉、形象、构图、色彩、笔触、一块块色斑的组合来讲解绘画形态，内容包括绘画的空间感、材料、技法、构图、色块布局、力量流向、抽象框架、旋涡形态、平面空间、立体主义、极少主义等。

作者简介

沙伟臣，1982 年生于辽宁，2003 年考入中央美术学院，2008 年毕业于中央美术学院雕塑系，学士学位以及硕士学位。师从王华祥、展望、于凡、姜杰、隋建国等著名艺术家。绘画、雕塑、影像作品在国内外多次展出并获奖。有独立实践和国际交流、考察中精研西方古典及现代美术史。

作为特约撰稿人，他以艺术家的视角为《东方艺术大家》杂志长期写作艺术史专栏。同时从事美术教育十多年，以其广博的艺术史知识和清晰的思维结构建立起一套独特的教学模式，在基础美术教育领域享有盛誉，用了五年时间编著有《状元我可以》《为造型而战》《极限系列丛书》等出类拔萃的教材辅导书和范画参考书。

内页插图

视界之触：解读绘画的语言与心灵的共鸣一、穿越时空的凝视：绘画作为一种古老而永恒的表达绘画，这项古老的技艺，如同人类文明的脉搏，跳动于洞穴壁画的朴拙线条，埃及象形文字的庄重叙事，希腊雕塑的理想之美，直至文艺复兴时期油画的丰厚肌理。它并非仅仅是对现实世界的复制，更是一种深邃的洞察，一种情感的抒发，一种思想的载体。从最原始的记录生存的需要，到宗教的虔诚描绘，再到对人性、社会、自然无尽的探索，绘画的每一次演变，都烙印着人类文明的足迹，折射出不同时代、不同文化的精神内核。我们眼前展开的，是一场关于“视界”的盛宴，一次对“触碰”的深度探求。这并非仅仅是一次被动的观赏，而是一次主动的对话，一场心灵的交流。绘画，以其独特的视觉语言，跨越了语言的障碍，触及了人类最深层的情感与共鸣。它让我们得以窥见前人的思想，感受他们的喜怒哀乐，理解他们对世界的看法。每一幅画作，都是一位艺术家在特定时空下，用色彩、线条、光影所谱写的诗篇，是他们凝固的思想，是他们永恒的呐喊。二、解构与重塑：绘画形式背后的无限可能艺术的魅力，往往隐藏在其形式的精妙之处。绘画，作为一种视觉艺术，其形式之丰富，变化之无穷，足以令人惊叹。从写实到抽象，从具象到意象，从古典到现代，每一种绘画形式都承载着艺术家独特的理念与表达方式。（一）线条的律动：勾勒世界的骨骼与灵魂线条，是绘画最基础的构成元素，却也是最具表现力的语言。一根锐利的直线，可以传递力量与决绝；一条柔美的曲线，则能抒发温婉与抒情。在鲁本斯的笔下，粗犷而充满生命力的线条勾勒出人物的肌肉与动态，充满了巴洛克式的激情；而在波提切利的《维纳斯的诞生》中，流畅而优雅的线条则勾勒出女神的曼妙身姿，散发着文艺复兴的柔美。即使是抽象画，线条的走向、粗细、疏密，都能引发观者不同的联想与感受。它如同音乐中的旋律，有着自己的节奏与力量，能够直接触动我们的视觉神经，进而引发内心的涟漪。（二）色彩的交响：唤醒情感的万千情绪色彩，是绘画的灵魂，是点燃我们情感的火种。暖色调如红、黄、橙，能带来热情、活力与喜悦；冷色调如蓝、绿、紫，则常常引发宁静、忧郁或神秘的情感。梵高的《星夜》，那浓烈而奔放的蓝色与黄色，不仅仅是对夜空的描绘，更是他内心澎湃情感的宣泄。莫奈的印象派画作，运用光与色的微妙变化，捕捉瞬间的光影效果，营造出梦幻般的视觉体验。色彩的选择与搭配，如同作曲家对音符的编排，能够唤醒观者内心深处最隐秘的情绪，带来视觉上的愉悦，或是心灵上的震动。（三）光影的魔术：塑造空间的深度与层次光影，是画家手中最神奇的魔法。它能够塑造物体的体积感，区分空间的远近，更能够营造出戏剧性的氛围。伦勃朗的“伦勃朗光”，以其强烈的明暗对比，赋予人物深邃的眼神和饱满的面部轮廓，充满了人性与力量。卡拉瓦乔的“明暗对照法”，将人物置于强烈的光影之下，突出关键的细节，营造出宗教场景的庄严与戏剧性。光线的强弱、方向、色彩，都在无形中引导着观者的视线，赋予画面以生命和深度，让二维的平面仿佛有了三维的呼吸。（四）笔触的痕迹：艺术家思想与情感的印记每一笔、每一划，都蕴含着艺术家独特的思考和情感。粗犷的笔触或许代表着力量和激情，细腻的笔触则可能传递着严谨和专注。德加笔下舞者的轻盈，是通过无数细腻而富有弹性的笔触捕捉的；而莫奈的风景画，则通过厚重而跳跃的笔触，表现出光线在物体表面跳跃跳跃的瞬间感。这些可见的笔触，不仅是技法的体现，更是艺术家创作过程中思维的痕迹，是他们与画布之间最直接的对话，让我们得以感受到艺术家的心跳与呼吸。（五）构图的语言：引导视线与诉说故事构图，是画面整体的布局与安排，是引导观者视线、传达信息的重要手段。黄金分割、对称、对比、韵律等构图法则，都在无形中影响着我们的视觉体验。达芬奇的《最后的晚餐》，运用透视法和人物的视觉引导，将观者的目光聚焦在耶稣身上，烘托出场景的中心性和重要性。一幅精心构图的作品，能够清晰地传达画家的意图，让观众在欣赏中，不知不觉地被引导，进入画家的艺术世界，感受其所要诉说的故事。三、从“看”到“懂”：绘画如何触动我们的心灵绘画的形式，并非孤立存在，它们相互交织，共同构建起一幅幅撼动人心的作品。而这些作品，正是通过其独特的视觉语言，触动我们内心最深处的共鸣。（一）情感的共振：在色彩与线条中找到情感的投射当我们在画面中看到熟悉的色彩组合，或者感受到某种线条所带来的力量感，我们的情感便会被唤醒。一幅描绘战争场面的画作，其动荡的线条和鲜艳的红色，能够引发我们对冲突和痛苦的共情；一幅描绘宁静风景的画作，柔和的色彩和舒缓的线条，则能带来内心的平静与安宁。绘画，提供了一个情感的容器，让我们得以将自身的情感投射其中，获得宣泄与慰藉。（二）思想的启迪：在形象的描绘中解读世界的真谛绘画不仅仅是视觉的享受，更是思想的载体。一幅描绘社会现实的画作，能够促使我们思考人生的意义、社会的公平；一幅象征主义的画作，则能引发我们对生命、宇宙的哲思。它们通过具象的形象，隐喻抽象的概念，引导我们超越表面的视觉，去探寻更深层的含义。从达利的超现实主义作品中，我们看到了潜意识的奔涌；从格列柯的宗教画中，我们感受到了超越尘世的精神力量。（三）故事的延展：在静止的画面中听见无声的叙述每一幅人物画，都在讲述着一个故事。人物的表情、姿态、眼神，都蕴含着丰富的叙事信息。我们通过观察这些细节，去猜测他们的过去、现在与未来。一幅描绘日常生活的场景，让我们仿佛置身其中，感受到生活的气息；一幅历史题材的画作，则将我们带回过去，感受历史的厚重。即使是抽象画，其形式的排列与变化，也能激发我们丰富的想象，在脑海中构建出属于自己的故事。（四）文化的烙印：在画作中遇见文明的多元与厚重不同的文化，孕育出不同的绘画风格与主题。中国的水墨画，以其写意的手法和对自然景物的描绘，展现出东方哲学的意境；日本的浮世绘，则以其鲜艳的色彩和对市井生活的描绘，反映了江户时代的社会风貌。通过欣赏不同地域、不同时期的绘画作品，我们得以跨越时空的限制，与不同的文化进行对话，感受人类文明的多样性与丰富性。四、走向更深的理解：重塑你的观看视角 “绘画形式解读”，并非是要将艺术简化为僵化的规则，而是要引导我们以一种更深入、更自觉的方式去观看。它鼓励我们放下先入为主的观念，以一颗开放的心去体验。从“看”到“品”：关注画作的每一个细节，感受线条的走向，色彩的碰撞，光影的变化。不再只是匆匆一瞥，而是让视觉在画面上停留，去“品味”其中的奥妙。从“孤立”到“联系”：了解画作的创作背景、艺术家的生平，以及它在艺术史上的位置。将一幅画作置于更广阔的语境中，能够帮助我们更深刻地理解其意义。从“被动”到“主动”：提出问题，思考艺术家为何如此创作，以及作品带给你的感受。每一次观看，都是一次主动的探索，一次思想的碰撞。这趟关于绘画形式的解读之旅，是一场永无止境的探索。每一次凝视，都可能开启一个新的视界；每一次理解，都可能深化心灵的共鸣。让我们一同踏上这段旅程，用眼睛去感受，用心灵去对话，让绘画的语言，成为我们理解世界、认识自我的重要途径。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排也非常巧妙。作者并没有按照时间顺序或者流派来讲解，而是围绕着“形式”这个核心概念，将不同的艺术元素有机地串联起来。比如，在讲到构图的时候，作者会自然地引入空间的概念，再谈到透视，然后又回到线条和形的相互关系。这种跳跃式的讲解方式，看似没有章法，实则暗藏玄机。它能够让你在不同的视角之间切换，从而更全面地理解“形式”是如何构建起来的。我记得有一章，作者将“重复”这个看似简单的形式手法，剖析得淋漓尽致。他分析了波普艺术中的重复，分析了东方艺术中的肌理重复，甚至分析了音乐中的旋律重复，让我看到了“重复”背后所蕴含的节奏感、韵律感和形式的统一性。这种从宏观到微观，再从微观回到宏观的视角，让我对艺术创作有了全新的认识。它不再是孤立的技巧，而是相互关联、相互影响的整体。这本书就像一个精密的仪器，让你能够从各个角度去拆解和理解艺术作品。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的写作风格真的非常特别。它不是那种枯燥的学术论述，而是充满了作者个人独到的见解和生动的语言。读起来一点也不费劲，反而有一种和作者一起漫步在艺术殿堂的感觉。我尤其喜欢作者在分析色彩的时候，那种细腻而富有诗意的表达。他不仅仅告诉你红色的热情，蓝色的忧郁，而是会深入到不同文化中，红色所象征的生命力、权力，蓝色所代表的神秘、永恒。他会告诉你，为什么莫奈笔下的绿色，能够传递出如此生动的生命感，又为何梵高的黄色，能够如此直接地触动人心。作者还引用了很多诗歌和文学作品来佐证他的观点，这让整个阅读过程变得更加丰富多彩。我记得读到关于马蒂斯用色的一段，作者把他比作一位指挥家，用色彩谱写出激昂的交响乐，画面中的每一个色彩都在跳跃、呼唤，充满了生命的力量。这种比喻非常形象，让我一下子就抓住了马蒂斯用色的精髓。这本书让我明白，色彩不仅仅是颜料的混合，更是情感的载体，是艺术家与观者之间无声的交流。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的一点，是它对于“节奏”和“韵律”在绘画中的解读。我之前一直以为，节奏和韵律是音乐独有的概念，但作者通过对毕加索立体主义作品的分析，让我看到了，画面中的线条、色彩、形状，同样能够形成一种动态的节奏和韵律。他会告诉你，为什么毕加索的画作，能够给人一种跳跃、破碎但又充满力量的感觉，又为何莫奈的风景画，能够呈现出一种流动、舒缓的韵律。作者还举了很多例子，分析了不同艺术家是如何运用重复、变化、对比等手法，来营造画面的节奏感。我记得读到关于莫兰迪静物的章节，那种看似简单、重复的瓶瓶罐罐，却能够形成一种宁静而和谐的韵律，仿佛一首低语的诗。这种对画面“声音”的解读，让我感到非常新奇。它让我从一个全新的维度去欣赏绘画，仿佛在观赏一首无声的乐章。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，对我来说，更像是一次在艺术迷宫里的探险。作者没有直接告诉你答案，而是给你一把钥匙，让你自己去打开每一扇门。我记得有一章，专门讲了“留白”的艺术。我之前一直以为留白就是偷懒，或者画面没画完。但作者通过分析中国山水画和西方极简主义艺术，让我看到了留白所蕴含的巨大能量。它不是“什么都没有”，而是“一切皆有可能”。那种未被描绘的空间，反而激起了观者的想象，让他们在脑海中完成了创作。这一点我尤其印象深刻，因为我一直认为艺术就是要“填满”画面。但这本书让我意识到，有时候，缺失反而是一种更高级的存在方式。作者还举了很多具体的例子，分析了不同画家的留白技巧，以及这些技巧如何影响作品的情感表达和意境营造。这让我开始反思，自己在创作时，是否也应该大胆地“放下”一些东西，给观众留出思考和想象的空间。这种颠覆性的观念，是我在其他任何艺术书籍里都没有读到过的。它迫使我重新定义“完整”和“表达”，也让我对艺术的可能性有了更广阔的视野。

评分☆☆☆☆☆

《绘画形式解读》这本书，就像一扇窗户，让我窥见了艺术背后隐藏的数学和几何之美。作者在讲解“比例”和“黄金分割”时，并没有用枯燥的公式来轰炸读者，而是通过分析古希腊雕塑、文艺复兴时期的建筑，以及无数经典的画作，让你看到，那些看似自然的和谐，背后却有着严谨的数学原理支撑。我记得有一章，讲到达芬奇的《蒙娜丽莎》，作者详细分析了画中人物的面部比例，以及整个构图的黄金分割点，让我第一次真正理解，为什么这张画能够如此引人入胜，如此令人难以忘怀。原来，人类的审美，在某种程度上，已经被数学所“编码”了。这种发现，让我感到既震撼又兴奋。它让我明白，艺术不仅仅是感性的表达，更是理性的构建。这本书让我对“美”的理解，从纯粹的主观感受，上升到了更加客观和普遍的层面。每次看到精美的画作，我都会不自觉地去寻找其中的数学规律，这种“寻宝”的过程，让艺术变得更加有趣和富有挑战性。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为，“象征”在绘画中的运用，只是给画面增添一些寓意。但这本书彻底改变了我的看法。作者在分析“象征”的时候，不仅仅停留在解释某个符号的含义，而是深入探讨了象征是如何在不同的文化、不同的历史时期，演变和融合的。他会告诉你，为什么十字架在西方艺术中具有如此重要的地位，又为何莲花在东方艺术中象征着纯洁和觉醒。更重要的是，作者会分析艺术家是如何巧妙地将这些象征融入到画面中，让它们既能被理解，又不显得突兀。我记得有一章，讲到弗里达·卡罗的自画像，作者详细解读了她画作中那些充满个人化的象征符号，比如猴子、鹦鹉、藤蔓，以及这些符号如何折射出她饱受痛苦的内心世界。这种对个人化象征的深入剖析，让我看到了艺术家如何用最私密的语言，与世界进行对话。它让我意识到，艺术的象征性，不仅仅是文化的传承，更是个体内心的呐喊。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我着迷的地方，在于它能够将抽象的理论，转化成具体可感的视觉语言。作者在分析“肌理”时，并没有生硬地给你灌输概念，而是通过大量精美的图片，让你直观地感受到不同材质、不同技法所带来的视觉和触觉上的差异。我记得有一章，讲到安塞尔姆·基弗的画作，那种厚重的、粗糙的肌理，仿佛蕴藏着历史的重量和岁月的痕迹。作者分析了基弗是如何运用泥土、稻草、铅板等材料，来表达他对历史和身份的思考。这种将材料的质感与作品的内涵紧密结合的解读方式，让我耳目一新。我之前总是觉得，艺术创作就是关于“画什么”，而这本书让我意识到，“怎么画”，以及“用什么画”，同样至关重要。它打开了我对艺术物质性的认知，让我明白，艺术不仅仅是精神的产物，也是一种物质的实践。每次读到关于肌理的章节，我都忍不住想去触摸书页上的图片，去感受那种触感，这种直观的体验，是任何语言都无法替代的。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开《绘画形式解读》，我并没有期待它能给我带来什么惊天动地的改变。然而，这本书确实像一颗小石子，在我平静的艺术认知湖面投下了一圈又一圈的涟漪。作者在探讨“笔触”这个主题时，我才真正意识到，每一笔的落下，都承载着艺术家当时的情绪、力度和思考。比如，他分析了伦勃朗那些粗犷而富有力量的笔触，是如何塑造出人物深刻的内心世界的；又分析了印象派画家那种短促而跳跃的笔触，是如何捕捉光影瞬间的变化。这些分析让我不再仅仅看到画面，而是能感受到艺术家在创作时的“动作”和“呼吸”。我开始留意到，有些画家的笔触是细腻而平滑的，仿佛温柔的絮语，有些则是粗粝而奔放的，如同狂风骤雨。这种对笔触的深入解读，让我对艺术家“手”的艺术有了更深的理解。它不再是冰冷的工具，而是艺术家情感和思想的直接延伸。我甚至开始尝试着用不同的力度和方式去描绘，去感受那种笔触带来的不同触感和视觉效果，这是一种非常个人化的、沉浸式的体验。

评分☆☆☆☆☆

《绘画形式解读》这本书，就像一个耐心的向导，引领我穿越艺术史的长河，去发现那些隐藏在作品深处的“秘密”。作者在探讨“光影”这个主题时，不仅仅是告诉你如何画出明暗，而是深入到不同时期、不同流派，光影所扮演的角色。他会告诉你，为什么巴洛克艺术中的光影戏剧性十足，又为何印象派的光影如此微妙而动人。更让我着迷的是，作者会分析光影如何影响观者的情绪，如何塑造画面的空间感和立体感。我记得读到关于卡拉瓦乔的“暗部派”绘画，那种戏剧性的光线，仿佛聚光灯一样，将人物最关键的表情和动作照亮，而周围的黑暗则将一切都衬托得更加神秘和引人遐想。这种对光影的精妙运用，让我对“看见”本身有了更深的思考。它让我明白，艺术不仅仅是记录现实，更是通过对光影的捕捉和重塑，来揭示更深层次的真实。

评分☆☆☆☆☆

《绘画形式解读》这本书，我拿到手已经有一段时间了，但说实话，我一直在犹豫从何说起。它不像我之前读过的很多艺术类书籍，上来就给你罗列一堆大师的名字，告诉你他们是怎么“伟大”的。这本书更像是作者在和你进行一场深度的对话，一点一点地剥开那些我们习以为常的绘画元素，让你重新审视它们。比如，作者在讲线条的时候，不是简单地说“直线是力量，曲线是柔美”，而是会深入到不同文化背景下，线条所承载的哲学意义，以及不同时代艺术家是如何运用这些线条来表达他们内心世界的。我记得有一次，我看着书里一个关于点彩画派的章节，突然间就理解了为什么塞尚会对后来的抽象艺术产生那么大的影响。原来，那些看似零散的点，在艺术家手中，能够组合出如此令人惊叹的空间感和光影效果，这完全颠覆了我之前对“形”的理解。它让你明白，我们看到的画面，不仅仅是物体表面的呈现，更是艺术家通过形式语言，将抽象的情感和思想具象化的过程。这本书的魅力就在于此，它让你不再满足于“好看”或“不好看”的简单判断，而是引导你去探索画面背后更深层次的逻辑和情感连接。读完之后，我再去看任何一幅画，都会不自觉地去分析它的构图、色彩、笔触，试图去理解艺术家是如何“构建”这个世界的，这是一种非常奇妙的体验。