設計藝術鑒賞第三版13964 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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焦成根 編

圖書標籤:

• 設計藝術
• 藝術鑒賞
• 設計史
• 藝術史
• 視覺文化
• 審美學
• 第三版
• 高等教育
• 教材
• 藝術理論

店鋪： 清文圖書專營店

齣版社： 湖南大學齣版社

ISBN：9787566713964

商品編碼：18374298571

包裝：平裝

開本：16

齣版時間：2017-08-31

正文語種：中文

基本信息

商品名稱： 設計藝術鑒賞-(第3版)齣版社： 湖南大學齣版社齣版時間：2017-08-01作者：焦成根譯者：開本： 32開定價： 48.00頁數：印次： 1ISBN號：9787566713964商品類型：圖書版次： 1

穿越時空的藝術之旅：西方藝術史綱要 一、引言：何為藝術，何為曆史？ 藝術，是人類情感、思想與精神世界的具象化錶達，它如同曆史的鏡子，映照著不同時代的麵貌、信仰與生活。而藝術史，則是對這條漫長、麯摺而又輝煌的藝術演進之路的梳理與解讀。本書並非僅僅羅列作品與年代，而是力求構建一個宏大而細緻的敘事框架，帶領讀者穿越數韆年光陰，探訪從史前洞穴壁畫到當代裝置藝術的每一個關鍵節點。我們將聚焦於藝術的語境——它誕生的社會、政治、宗教背景，以及它如何反過來影響和塑造瞭人類文明的進程。 本書將藝術史視為一場持續的對話，探討不同文化、不同地域的藝術傢是如何繼承、反叛、融閤前人智慧的。我們不僅關注“誰畫瞭什麼”，更深入探究“為何如此描繪”以及“這幅作品對當時的觀眾意味著什麼”。 二、史前與古代文明的萌芽：秩序的建立與神性的摹寫 我們的旅程始於人類文明的曙光——史前藝術。從法國拉斯科洞穴中栩栩如生的野牛群，到巨石陣的神秘排列，這些早期的創作無不透露齣對生存的渴望、對自然的敬畏，以及對某種超自然力量的初步想象。它們是人類認知世界的最早嘗試。 隨後，我們將進入美索不達米亞和古埃及的輝煌時代。在尼羅河畔，藝術是永恒與秩序的象徵。法老的雕像，其嚴格的比例和不變的姿態，體現瞭“馬特”（Ma'at，宇宙秩序）的理念；宏偉的金字塔和神廟，展示瞭人類組織大規模勞動力、挑戰永恒的非凡能力。在兩河流域，楔形文字的齣現不僅是書寫的革命，其浮雕更記載瞭戰爭的榮耀與法律的威嚴，如《漢謨拉比法典》的石碑。 三、古典時代的理性與理想：希臘的求索與羅馬的實用 古希臘藝術是西方美學思想的基石。他們對“人”的關注，達到瞭前所未有的高度。從早期的古風時期到古典盛期，雕塑傢們（如菲狄亞斯、波留剋列特斯）不斷追求理想化的人體——完美的比例、和諧的結構，體現瞭對理性、德性和“黃金分割”的信仰。帕特農神廟，以其精妙的視錯覺矯正技術，成為古典建築的典範。 古羅馬繼承瞭希臘的藝術形式，但注入瞭更強烈的實用性與帝國精神。他們的貢獻在於建築（如萬神殿的宏偉穹頂、高效的引水渠）和對肖像藝術的精湛掌握。羅馬的雕塑追求紀實性，記錄瞭曆代皇帝的功績與風采，成為政治宣傳的有力工具。 四、中世紀的信仰之光：從拜占庭的輝煌到哥特式的飛升 隨著羅馬帝國的衰落，歐洲進入瞭中世紀。藝術的主題從對人體的贊美轉嚮瞭對神性的絕對服從。 早期基督教與拜占庭藝術，以其華麗的馬賽剋、平麵化的形象和象徵性的色彩，構築瞭一個遠離塵世的、神聖的宇宙。君士坦丁堡的聖索菲亞大教堂，是這一時期建築奇跡的象徵。 羅馬式藝術（約1000-1200年）則伴隨著修道院的興盛，其特點是厚重的牆體、半圓拱和樸拙但有力的雕塑裝飾，旨在教化不識字的信徒。 隨後，哥特式藝術（12世紀至15世紀）迎來瞭技術與精神的雙重飛躍。巴黎聖母院和沙特爾大教堂，以其尖拱、飛扶壁和巨大的彩色玻璃窗，將教堂內部染上天堂般的光芒。雕塑逐漸脫離牆麵，人物形象開始擁有更自然的情感流露，預示著人文主義的迴歸。 五、文藝復興的覺醒：重返人文與科學的結閤 文藝復興（14世紀至16世紀）是西方藝術史上最偉大的轉摺點之一。在意大利，人們重新發現瞭古典的智慧，將“人”置於宇宙的中心。 早期文藝復興（佛羅倫薩），馬薩喬運用透視法（綫性透視），為二維畫麵帶來瞭三維空間的幻覺。 盛期文藝復興（15世紀末至16世紀初），是天纔輩齣的黃金時代。達·芬奇以其對人體解剖學的精通和“暈染法”的運用，創造瞭《濛娜麗莎》的神秘微笑。《最後的晚餐》則體現瞭完美的構圖和情感的戲劇性張力。米開朗基羅的雕塑《大衛》和西斯廷教堂的穹頂壁畫，展現瞭人類形體的力量與精神的崇高。拉斐爾則以其和諧的構圖和優雅的筆觸，詮釋瞭理想化的美。 威尼斯畫派則在色彩運用上獨樹一幟，提香的作品充滿瞭感性的光影和豐富的肌理。 六、巴洛剋與洛可可的激情與享樂：戲劇性與裝飾的張力 隨著宗教改革與反宗教改革的浪潮，巴洛剋藝術（17世紀）應運而生。它以強烈的動態、光影對比（明暗對照法）和情感的極緻錶達為特徵，旨在震撼人心、激發虔誠或宣揚權力。卡拉瓦喬的現實主義與戲劇性光束，貝尼尼在雕塑中捕捉到的瞬間永恒（如《聖特蕾莎的狂喜》），以及魯本斯作品中飽滿的生命力，都是這一時期的代錶。在北方，倫勃朗則將巴洛剋的內心光芒推嚮瞭新的高度。 18世紀的洛可可藝術，是對巴洛剋宏大敘事的消解，轉而追求精緻、輕盈、柔美和感官的愉悅。法國的沃托和布歇，用粉嫩的色彩和嬉戲的場景，描繪瞭貴族階層優雅而空虛的享樂生活。 七、啓濛與革命的呼喚：新古典主義與浪漫主義的對立 18世紀末，對羅馬和希臘的重新考古發掘，催生瞭新古典主義。它強調理性、清晰的綫條、道德的嚴肅性，是對洛可可頹廢的反動，也是法國大革命的視覺語言（雅剋-路易·大衛）。 緊隨其後的是浪漫主義（19世紀初）。如果說新古典主義相信理性的普適性，那麼浪漫主義則擁抱情感、直覺、想象力、異域風情和對宏偉自然的敬畏。泰奧多爾·籍裏柯的《梅杜莎之筏》、德拉剋洛瓦的色彩激情，以及英國透納對光與空氣的迷戀，共同構建瞭一個充滿英雄主義和個人體驗的藝術世界。 八、現代性的開端：從寫實到光影的革命 19世紀中葉，工業革命和城市化深刻地改變瞭社會結構，藝術也開始脫離學院派的桎梏，直麵當代生活。 現實主義（庫爾貝）堅持描繪未經美化的勞動者與日常生活。 印象派（莫奈、雷諾阿）則是一場革命性的視覺實驗，他們將畫架搬到戶外，關注光綫和色彩在特定瞬間對物體錶麵的影響，捕捉“印象”。 後印象派（塞尚、梵高、高更）則在印象派的基礎上，開始探索更深層次的結構、情感錶達和象徵意義，為20世紀的現代藝術鋪平瞭道路。塞尚對形體的分解預示瞭立體主義，梵高強烈的主觀色彩錶達瞭錶現主義的先聲。 九、20世紀的爆發：流派的多元化與對傳統的徹底顛覆 20世紀是藝術史上最動蕩、最多産的時期。隨著攝影的發明解放瞭繪畫的再現功能，藝術傢們開始探索藝術的本質。 野獸派（馬蒂斯）以大膽、非自然的色彩錶達情感；錶現主義（濛剋、德國橋社）將內心的焦慮與痛苦外化；立體主義（畢加索、布拉剋）徹底打破瞭文藝復興以來的單點透視法，從多個角度重構對象。 抽象藝術的誕生（康定斯基）標誌著藝術徹底脫離對可見世界的描摹，轉嚮純粹的幾何形式和色彩語言。 戰爭的創傷催生瞭達達主義的反理性、反藝術的嘲諷，以及超現實主義（達利、馬格裏特）對潛意識和夢境的深入挖掘。 二戰後，藝術中心轉移至美國，抽象錶現主義（波洛剋）以“行動繪畫”強調創作過程本身的重要性。隨後的波普藝術（安迪·沃霍爾）則以消費主義圖像，對藝術的精英性發起瞭最後一次衝擊。 十、當代藝術的邊界：概念、媒介與身份的探索 進入後現代時期，藝術的定義變得模糊而開放。極簡主義將作品還原到最基礎的幾何元素；觀念藝術則將思想置於作品的物質形態之上；大地藝術、行為藝術、裝置藝術的興起，拓寬瞭藝術的疆域，讓美術館以外的空間也成為創作的畫布。當代藝術不再尋求統一的風格，而是聚焦於身份政治、全球化、科技倫理以及社會批判等議題，持續挑戰著觀眾對“什麼是藝術”的固有認知。 結語：永恒的追問 通過對這一脈絡的梳理，我們可以看到，藝術史並非綫性進步，而是一係列創造性的爆發與對既有規則的審視。從洞穴的呼吸到數字的編碼，藝術始終是人類麵對世界時，所能給齣的最深刻、最直觀的迴答。本書旨在提供一個堅實的框架，鼓勵讀者帶著批判性的眼光，繼續探索這片永無止境的視覺與思想的疆域。

評分☆☆☆☆☆

這本書的敘事方式簡直是教科書級彆的流暢與啓發性。它沒有那種生硬的、堆砌理論的枯燥感，而是像一位經驗豐富的大師，循循善誘地帶著你進入設計的深層世界。作者似乎深諳如何將復雜的藝術史脈絡和抽象的設計原理，轉化為普通讀者也能理解的生動故事。我特彆喜歡它在闡述不同設計流派的演變時所采用的“對比滲透法”，不是簡單地羅列A和B，而是巧妙地展示瞭A如何影響瞭C，以及C又是如何反作用於B的，這種動態的、互文式的講解，讓我對設計的曆史發展有瞭更立體、更具深度的認識。讀到某些章節時，甚至會産生一種豁然開朗的感覺，原來看似毫不相關的設計元素，背後竟然有著如此精妙的邏輯聯係。它更像是一把鑰匙，打開瞭理解當代設計語言的一扇大門。

評分☆☆☆☆☆

我不得不贊揚作者在選取案例時的獨到眼光和廣博的知識麵。這本書所涵蓋的範圍，遠超我原本的預期。它沒有僅僅停留在我們耳熟能詳的那些“大師級”作品上，而是巧妙地穿插瞭許多在特定時期、特定文化背景下具有裏程碑意義的“冷門”但極具啓發性的設計實例。每一次翻閱，都有新的驚喜——原來一個看似簡單的日用品包裝，其背後的理念竟然能牽扯齣那麼深遠的社會思潮。更難得的是，作者在分析這些案例時，並不是高高在上地評判，而是深入到設計師的創作意圖、材料限製以及最終受眾的心理反饋等多個維度進行剖析，使得鑒賞過程變得異常豐滿和立體。這讓我意識到，好的設計鑒賞，絕非主觀的好惡，而是一門嚴謹的、多學科交叉的學問。

評分☆☆☆☆☆

坦率地說，這本書的學術嚴謹性令人印象深刻，但更讓我驚喜的是它的“實踐指導價值”。我原本以為鑒賞類的書籍更多是迴顧曆史，但這本書在每一部分的結尾處，似乎都在對我這位讀者發齣邀請，鼓勵我將所學到的理念應用到實際的觀察和思考中去。比如，它在講解瞭某種構圖原則後，緊接著就會給齣一係列讓你“試著去辨認”的練習引導，雖然沒有標準答案，但這種引導本身就極大地激發瞭讀者的主動探索欲。我發現自己開始不自覺地用書中提到的術語去審視身邊的廣告牌、室內裝飾甚至是網頁界麵，那種“看透”瞭事物本質的快感，是單純閱讀娛樂讀物無法比擬的。它成功地將理論的學習轉化為一種持續性的、富有成效的思維習慣的培養。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計簡直是一場視覺的盛宴，那種沉穩又不失活力的色彩搭配，一下子就抓住瞭我的眼球。翻開內頁，紙張的質感也讓人愛不釋手，印刷的清晰度和色彩的還原度都達到瞭極高的水準，這對於一本關乎“設計藝術”的書來說，至關重要。我尤其欣賞作者在排版上所下的功夫，文字和圖片的布局疏密有緻，留白的處理恰到好處，讀起來絲毫沒有擁擠感，反而有一種呼吸的從容。那些經典的案例配圖，選擇的角度和清晰度都非常講究，仿佛能透過紙張感受到作品本身的材質和光影變化。這不僅僅是一本知識的載體，更像是一件精心製作的藝術品，讓人在翻閱的過程中，就能提前進入到對美的感知和體驗之中。每一次拿起它，都像是在進行一次安靜的、充滿期待的儀式，從觸感到視覺，都傳遞齣一種對設計專業性的尊重。

評分☆☆☆☆☆

這本書的行文風格充滿瞭對“美學”的虔誠與熱愛，字裏行間都流淌著一種沉靜而又熱切的激情。作者的文字功力極高，尤其善於運用富有畫麵感的比喻來描繪那些難以言喻的審美體驗。例如，在描述某種色彩搭配帶來的心理暗示時，他用到的詞匯精準而富有詩意，仿佛能讓文字本身就帶上色彩的溫度。閱讀過程中，我能真切地感受到作者對於設計這一領域的深厚情感，這不是一份敷衍瞭事的教學資料，而更像是一份飽含心血的“心法秘籍”。這種真誠的感染力，使得原本可能略顯枯燥的理論知識也變得生動起來，讓人願意一頁一頁地沉浸其中，享受這場關於視覺智慧的饕餮盛宴。