人音 外国音乐表演用语词典(第2版)（第二版）表情术语字典影视表演艺考书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 汇文盛科图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103011195

商品编码：25312262692

丛书名： 外国音乐表演用语词典(第2版)

开本：32开

出版时间：2011-01-01

 

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编辑推荐

《外国音乐表演用语词典》自1984年问世以来，颇受读者欢迎。为了广大读者的需要，特对本书再作修订。
此次修订，除增强了一些词目及对个别词条作些改正外，主要是进行了词目的注音工作。
早在本书编写伊始，编写组内就有人提出要注音的建议。但由于时间的关系没有稿。本书出版后，陆续听到读者对此的反映。所以趁这次修订的机会，增加注音。在进行这项工作的过程中，吸取了各方面的意见，从实际需要出发，只将法语、西班牙语词目注音；英语词目不注（因考虑到我国读者大都备有英汉词典，接触也较多）；另外，意大利语和德语发音规律较固定，只增加了这两个语种的读音表，读者可按照读音表拼读发音；其他条目数量极少的语种，就不注音了。

内容简介

在音乐的表演、教学、创作和欣赏过程中，必然会遇到用以标记速度、力度、表情以及其他演奏演唱指示的外语词汇。这一类词汇数量浩瀚，语种繁多，其中相当一部分为一般音乐词典所不收，或虽收而其释文语焉不详；加上外语的障碍，这就为我国广大音乐工作者和音乐爱好者正确理解和使用它们带来很大困难。因此，编写了《外国音乐表演用语词典（第2版）》，以期供读者查询质疑之用。 
在编写《外国音乐表演用语词典（第2版）》时，从多种音乐词书、乐谱中广为搜集有关演奏演唱方面的用语，包括见于乐谱的缩写、简记、符号等；除了早已废弃不用或极为生僻罕见者外，尽量收入。此外，还收入一部分与演奏演唱关系较密切的名词，如各个声种名称及与表演风格有关的体裁名称等。

目录

凡例 
正文 
意、英、德、法、西用语 
意大利语读音规则 
德语语音国际音标例释 
俄语用语 
附录 
附表一 基本速度 
附表二 基本力度 
附表三 演奏演唱记号 
附表四 段落反复标记法 
附表五 乐谱简记法 
附表六 常用装饰音 
附表七 管弦乐队乐器名及缩写 
索引

 

音乐与表演的广阔天地：一部未涉足的艺术之旅 书名：交响之魂：西方管弦乐艺术的精深探索 书籍简介 本书旨在为音乐爱好者、演奏者以及对西方管弦乐历史与实践抱有浓厚兴趣的读者，提供一个深度剖析交响乐团结构、作品分析以及演奏实践的知识宝库。它完全避开了人声、外国音乐的表演用语（如表情术语的字典式解释）以及影视表演艺考的范畴，聚焦于器乐这一核心领域，力求构建一个完整、严谨的管弦乐知识体系。 第一部分：管弦乐的演变与构成 本部分将详尽梳理西方管弦乐团自巴洛克时期萌芽至浪漫主义巅峰，乃至二十世纪现代主义演进的全过程。我们不讨论任何特定语言的术语翻译，而是着眼于乐器本身的物理特性、音色构建以及它们在不同历史阶段的组合逻辑。 第一章：从小型合奏到大型交响团的过渡 详细考察早期歌剧乐队的配置演变，重点分析斯特拉文斯基和勋伯格等作曲家在乐团编制上所做的颠覆性尝试。内容涵盖乐器数量的增长如何直接影响了音乐的织体厚度与动态范围，而非仅仅是术语层面的描述。 第二章：木管组的音色化学反应 深入探讨长笛、双簧管、单簧管、巴松管家族的内部构造、指法系统及其在不同调性上的表现差异。本书侧重于分析它们如何通过复调技巧相互交织，例如德彪西《牧神午后前奏曲》中木管组的色彩铺陈，而非记录这些乐器在特定语境下的表情记号。我们研究的是“声音的物理学”与“乐团的化学反应”。 第三章：铜管组的荣耀与张力 本章聚焦于圆号、小号、长号、大号的材质对音色的决定性影响。我们剖析了瓦格纳如何利用铜管组的宏大力量来塑造戏剧性的场景，以及巴赫如何巧妙地运用早期铜管乐器来增加宗教音乐的崇高感。书中对铜管的讨论将完全聚焦于演奏技法（如圆号的鼻音控制、小号的弱音器使用）与和声功能的实现，摒弃一切表演表情的标签化记录。 第四章：弦乐组的基石作用 弦乐——小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴——是管弦乐的血肉。本书将细致解剖弓弦摩擦产生的物理原理，研究“分奏”（divisi）和“叠奏”（unison）如何构建宏大的音响画面。我们探讨了勃拉姆斯后期作品中弦乐群内声部的精妙平衡，这是一种结构性的探索，而非对“柔和的”或“激昂的”等形容词的堆砌。 第二章：结构、分析与演绎的本体论 本部分将管弦乐作品视为复杂的建筑结构进行分析，着重于音乐形式、动机发展和配器法（Orchestration）的内在逻辑。 第五章：奏鸣曲式在交响乐中的骨架重塑 分析海顿、莫扎特到贝多芬时代，奏鸣曲式如何在管弦乐体裁中被填充以更丰富的乐器色彩。书中会提供详细的乐段结构图，追踪主题动机在不同乐器组间的转移和变形，不涉及任何关于“如何以悲伤的语气演奏”的指导。 第六章：赋格、变奏与曲式融合 探讨巴赫的对位法思想如何被十九世纪的作曲家（如布鲁赫、马克斯·雷格）移植到管弦乐配器中。重点解析变奏曲中，一个主题如何通过更换乐器组合和音域变化而实现“音色叙事”，例如勃拉姆斯《海顿主题变奏曲》中对不同乐器组的独立展现。 第七章：配器法的精细化艺术：从色彩到功能 配器法不仅是声音的堆砌，更是作曲家思想的视觉化呈现。本书将专门论述配器功能学：何时使用单一乐器进行清晰的旋律陈述，何时使用混合音色（如木管与弦乐的交叉）来创造模糊的“气氛音响”。所有分析都基于作品的乐谱和声音的物理特性，完全避免使用任何词典式的表演术语来描述情感。 第三章：演奏实践中的技术挑战 本章探讨演奏家在面对复杂管弦乐作品时，必须掌握的非表情性技术难题，以及对乐团整体协调性的要求。 第八章：复杂的节奏与复调的清晰度 分析二十世纪作品中，如拉威尔或斯特拉文斯基作品中复杂多变的节拍、不对称的节奏组块，以及演奏家如何通过精确的计时和对位逻辑，确保所有声部在不依赖“快速地”或“缓慢地”等模糊指令下，依然能实现高度的同步与清晰度。 第九章：动态控制的物理极限 动态范围（ppp 到 fff）的实现依赖于演奏工具的物理极限和演奏者的身体控制。本书将探讨如何通过弓弦压力、呼吸支持和指端力量，在不诉诸于形容词的情况下，实现精确的力度标记。例如，探讨在马勒的宏大场景中，铜管组如何实现“渐强而不失其音色纯净度”的技术路径。 第十章：乐团排练与整体音响的构建 聚焦于指挥家在排练过程中，如何通过技术性指导（如音高调整、音量平衡、节奏校准），而非情感引导，来统一整个乐团的音响。讨论如如何调整低音区以支撑高声部，如何确保木管的切分音与弦乐的连奏完美契合，从而达成一种技术上无可挑剔的“整体音响效果”。 总结：管弦乐艺术的纯粹探究 《交响之魂》提供了一条完全基于音乐结构、物理声学、历史演变和技术实践的探索路径。它将读者带入到管弦乐艺术的内部运作机制，避开了所有关于外部情感投射的符号体系，专注于器乐表达的本体论与实践性挑战。这是一部献给对管弦乐“如何”发声和“为何”这样发声的深度思考者之作。

评分☆☆☆☆☆

看到这本书名的时候，我脑海里立刻就浮现出我当年艺考的场景。那时我是一名播音主持专业的学生，虽然不像音乐生那样需要掌握大量的乐谱术语，但对于各种情感的表达，尤其是影视表演中的情感变化，却有着极高的要求。我一直觉得，演员能够准确地捕捉和表达角色情绪，是表演的灵魂所在。 这本书的“影视表演艺考书籍”这个标签，立刻吸引了我。虽然它名字里带有“音乐表演用语”，但我相信，情感的表达是相通的，音乐的张力和表演的张力，很多时候是共通的。当我翻开这本书，发现它对于各种情绪状态的细致划分和描述，让我眼前一亮。 它不仅仅是简单地列出“高兴”、“悲伤”这些基本情绪，而是深入到了情绪的细微之处。比如，对于“焦虑”，它会区分是“紧张”、“不安”、“担忧”还是“恐惧”，并且会给出相应的肢体语言和声音上的表现建议。这对于演员来说，是极其宝贵的财富。很多时候，演员之所以演不好一个角色，就是因为对角色情绪的把握不够精准，导致表演显得浮夸或者苍白。 这本书还有一个让我非常欣赏的地方，就是它强调了“用语”的“表演”性。很多时候，我们在影视作品中看到一些台词，或者听一些音乐，会注意到一些特殊的用语，而这些用语本身就带有强烈的情感色彩。这本书就帮助我们去理解这些用语在表演中应该如何被解读和呈现。它提供了一种将语言和情感融为一体的训练方法。 这本书的编排也让我觉得非常用心。它将一些常用且重要的术语放在了显眼的位置，并且配以详细的解释和示例。我甚至在想，如果当年我准备艺考的时候就有这本书，我的表演一定会比现在更上一层楼。这本书不仅对于正在备考艺考的学生有帮助，对于所有希望提升自己表演能力的人来说，都是一本不可多得的宝典。

评分☆☆☆☆☆

作为一个多年从事音乐教育的老师，我一直都在寻找能够帮助学生更好地理解音乐表演中各种细微情感表达的书籍。当我看到《人音 外国音乐表演用语词典(第2版)》时，我感到非常惊喜。我一直相信，音乐的魅力不仅仅在于旋律和节奏，更在于它所传递的情感，而这些情感的传达，离不开对各种表演术语的准确理解和运用。 这本书的“表情术语”部分，是我最看重的。很多时候，学生们能够准确地弹奏音符，但却无法真正地“唱”出音乐的情感。比如，同样是“悲伤”，在不同的音乐作品中，它的表现方式是截然不同的。这本书就非常细致地讲解了各种表情术语，并且将它们与具体的音乐表演情境联系起来，这对于指导学生进行音乐表演具有非常重要的指导意义。 我尤其喜欢这本书对于“第2版”的更新和丰富。我知道，随着音乐理论和表演实践的发展，新的术语和理解也会不断涌现。一本好的工具书，就需要不断地更新和完善。这本书的“第2版”在内容上一定更加充实和具有时效性，这对于我的教学工作来说，是极大的帮助。 此外，“影视表演艺考书籍”的定位，也让我看到了这本书的跨界价值。音乐表演和影视表演在情感表达上有着许多共通之处。如果学生能够将音乐表演中对情感的细腻处理，运用到影视表演中，那么他们的表演将会更具感染力。这本书正好提供了一个将两者连接起来的平台。 这本书的印刷质量和排版设计也让我非常满意。清晰的文字，合理的布局，都为阅读提供了良好的体验。我会在我的音乐教学中，大力推荐这本书，并把它作为学生们学习和参考的重要资料。我相信，通过这本书的学习，学生们一定能够更深入地理解音乐，更自如地进行表演，从而在音乐的道路上走得更远。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《人音 外国音乐表演用语词典(第2版)》，我第一感觉就是“专业”。作为一个多年的乐迷，我对音乐中的各种术语并不陌生，但一直以来，我总觉得对这些术语的理解停留在比较表面的层面。这本书的出现，让我有机会深入了解这些术语背后的文化和表演意涵。 它最大的特点就是“外国音乐表演用语”。作为一名非音乐专业的普通爱好者，我平时接触到的音乐作品，很多都源自西方。而这些作品中的标记，往往是用意大利语、德语、法语等语言写就的。以往我只能通过零散的翻译软件来理解，但总觉得缺少了些什么，少了那种与音乐本身的融合感。这本书的出现，将这些用语系统地整理出来，并且给出了详尽的解释，这让我感觉自己离真正的音乐理解更近了一步。 我特别喜欢它关于“表情术语”的部分。音乐不仅仅是旋律和节奏的组合，更是情感的载体。而这些表情术语，就是作曲家用来指导演奏者如何表达音乐情感的密码。这本书就如同一个解密器，帮助我读懂这些密码。例如，它会解释“dolce”不仅仅是“甜美的”，更是一种温柔、柔和、带有抚慰感的表达方式，并且在不同的乐章和乐器演奏中，这种“甜美”又会有不同的 nuance。 这本书的内容深度和广度都让我感到惊叹。它不仅仅是枯燥的词汇列表，而是将每一个术语都置于音乐表演的语境中进行阐释，甚至还会提及相关的历史背景和文化习俗。对于我这种对音乐历史和文化都感兴趣的人来说，这本书简直就是一本打开新世界大门的钥匙。 总的来说，这本书不仅仅是给音乐表演者看的，更是给所有热爱音乐，希望更深入地理解音乐的人看的。它让我明白，每一个音符，每一个标记，背后都承载着丰富的意义。这本书就像是一位耐心的老师，循循善诱地引导我走进音乐的内心世界。我会把它当作我的音乐枕边书，随时翻阅，随时学习。

评分☆☆☆☆☆

收到这本书的时候，我简直是欣喜若狂，感觉像得到了一个宝藏。我是一名在校的戏剧表演系学生，平时接触大量的剧本，里面充斥着各种各样的情绪和表情描述，有时候会觉得词不达意，或者找不到最贴切的表达方式。我一直很想找一本能够系统地梳理这些表演术语的书，结果就让我遇到了它。“人音”出品，果然名不虚传，质量保证！ 这本书的重点在于“表情术语”。我一直在思考，演员如何才能准确地传达角色的情感？光靠模仿是远远不够的，需要对情感有深刻的理解，并且能够通过专业的术语和技巧来呈现。这本书就做到了这一点。它将各种细微的情绪变化，例如“忧伤”、“狂喜”、“愤怒”、“恐惧”等等，都进行了非常细致的拆解，并用专业的音乐表演术语来对应。 让我印象最深刻的是，它不仅仅给出术语的定义，更重要的是，它会结合具体的表演情境来解释。比如，对于“悲伤”，它会区分是“哀伤”、“凄凉”、“绝望”还是“落寞”，并且会给出相应的面部表情、肢体动作以及声音的处理建议。这种细致入微的分析，让我能够更深入地理解角色的内心世界，并且在表演时能够更加精准地把握情感的尺度。 这本书对于我准备艺考也起到了至关重要的作用。很多音乐类的艺考，都需要考生对音乐的情感进行准确的表达。而这本书恰恰是连接音乐和表演的桥梁。它让我明白，即使是同一个音乐片段，不同的表情术语也会带来完全不同的表演效果。这对于我在考场上快速进入角色，并且根据音乐的特点进行个性化表演，提供了强大的理论支持。 总的来说，这本书是一本非常有价值的表演参考书。它不仅能够帮助我更好地理解和运用表演术语，更重要的是，它能够提升我的表演敏感度和表现力。我会在接下来的艺考准备中，把它作为我的“秘密武器”，不断学习和实践，相信它会成为我表演道路上一个不可或缺的伙伴。

评分☆☆☆☆☆

这本书我觊觎了很久，终于在一个偶然的机会入手了。拿到手里的时候，厚实的分量就让我对它充满了期待。封面设计简洁大气，“人音”二字尤其醒目，透着一股专业和权威。我是一名正在备考音乐表演的大学生，平时接触的乐谱中，很多术语都是英文、法文、德文甚至意大利文，虽然老师会讲解，但总觉得不够系统，有时会查阅一些零散的资料，效率不高。这本书的出现，简直是解决了我的大难题。 它不仅仅是一本简单的词典，更像是一本音乐表演的百科全书。我特别喜欢它将表情术语与表演的联系讲解得如此透彻。很多时候，我们只知道一个术语的字面意思，却不知道它在音乐中应该如何体现，如何用身体和情感去诠释。这本书就弥补了这一空白。比如，它会详细解释“agitato”不仅仅是“激动的”，更是一种由内而外的、带有不安和急促感的表演状态，并给出了具体的肢体语言和情绪表达建议，甚至还结合了一些经典的音乐片段进行示范。 这本书的编排也非常人性化。首先，它将术语按照字母顺序排列，查找起来非常方便。其次，每个术语的解释都非常详尽，不仅有原语言的写法，还有中文释义，更重要的是，它会对这个术语在不同音乐风格和不同情感情境下的细微差别进行区分，这对于理解和运用术语至关重要。我尤其看重的是，它还收录了一些与影视表演相关的术语，这对于我这种跨界学习的人来说，简直是惊喜。很多时候，音乐表演和影视表演在情感的表达和细节的刻画上是相通的，这本书让我看到了两者之间的联系，也为我的表演拓宽了思路。 这本书的印刷质量也相当不错，纸张厚实，不易泛黄，排版清晰，字体大小适中，阅读起来非常舒适。我经常会在学习过程中拿出它来翻阅，有时候甚至会一口气读上好几页，沉浸在对音乐术语的探索中。它让我明白了，每一个细微的表情术语背后，都蕴含着作曲家深刻的情感和意图，也蕴含着表演者需要付出的努力和智慧。这本书不仅仅是工具书，更是一本引人入胜的音乐表演启蒙读物。 总而言之，这是一本我强烈推荐给所有音乐表演、影视表演专业学生以及对音乐表演有浓厚兴趣的读者的书籍。它不仅提供了专业的术语解释，更重要的是，它教会我们如何去理解和表达音乐中的情感，如何在表演中赋予音乐生命。这本书让我对音乐表演有了更深层次的认识，也让我在备考的路上更加自信。我会把它作为我学习过程中的重要伴侣，反复研读，相信它会帮助我在未来的学习和表演中取得更大的进步。