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李重光编 著

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• 音乐理论
• 音乐基础
• 乐理
• 和声
• 曲式
• 节奏
• 音程
• 调性
• 视唱练耳
• 音乐教学

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103003466

商品编码：25569160665

出版时间：1962-10-01

作  者:李重光 编 定  价:25 出 版 社:人民音乐出版社 出版日期:1962年10月01日 页  数:253 装  帧:平装 ISBN:9787103003466 《音乐理论基础》是中央音乐学院附属中等音乐学校试用教材之一。 ●说明
● 音及音高
● 音
●第二节 乐音体系音列音级
●第三节 音的分组
●第四节 音域及音区
●第二章 音律
● 十二平均律
●第二节 五度相生律
●第三节 纯律
●第四节 自然半音和自然金音变化半音和交化金音
●第五节 等音
●第三章 记谱法
● 音符与休止符
●第二节 五线谱
●第三节 音符与休止符的写法
●第四节 谱号
●第五节 增长音值的补充记号
●第六节 交音记号
●第七节 省喀记号
●部分目录

内容简介

《中央音乐学院附属中等音乐学校试用教材:音乐理论基础》是为中等音乐学校编写的“基本乐理”试用教材，书中重点介绍了五线谱的乐理知识，全书共分十五章，包括音律、记谱法、调式、音程、和弦、节奏、节拍、音乐的速度与力量、转调、移调、装饰音和旋律的知识。同时还有简谱及工尺简介，常用音乐术语等。内容丰富，简明。适合广大专业和业余音乐工作者学习，参考。《音乐理论基础》1962年初版，1980年再版作者作了必要的修改和补充。此次重版又作了少许的改动。     靠前章 音及音高
    靠前节 音
    音是由于物体的振动而产生的。在自然界中能为我们人的听觉所感受的音是很好多的，但并不是所有的音都可以作为音乐的材料。在音乐中所使用的音，是人们在长期的生产斗争和阶级斗争中为了表现自己的生活和思想感情而特意挑选出来的。这些音被组成为一个固定的体系，用来表现音乐思想和塑造音乐形象。
    音有高低、强弱、长短、音色等四种性质。
    音的高低是由于物体在一定时间内的振动次数（频率）而决定的。振动次数多，音则高；振动次数少，音则低。
    音的等

弦音与律动的交织：西方音乐的结构与美学 本书旨在为所有对西方音乐抱有浓厚兴趣的读者，提供一个系统、深入且富含洞察力的导览。我们不会探讨任何具体的、既有的乐理教材的既有框架或章节内容，而是着重于构建一套理解音乐本质、历史演变及其美学价值的全新视角。 本书的关注点在于“音乐的本质如何被构建”这一宏大命题，而非“如何掌握基础的记谱或和弦配置”。我们将从人类听觉感知与物理声学的基础关联入手，剖析我们为何对某些声音组合产生愉悦感或紧张感，并追溯这些感知如何演化为严谨的音乐体系。 第一部分：声音的本体论——超越音符的震动 我们首先将声音视为一种物理现象，而非仅仅是乐谱上的符号。本部分将深入探讨声波的构成要素——频率、振幅和泛音列。我们不会停留在简单的物理定义，而是着重分析泛音列（Harmonic Series）如何成为西方十二平均律体系的“宿命”与“挣扎”的根源。 超越纯律的困境： 读者将了解到，古希腊以来，毕达哥拉斯音律的理想化与实际乐器制造之间的不可调和的矛盾，如何驱动了音乐家们不断探索新的音律系统。我们聚焦于中世纪“中庸全音阶”的探索历程，以及巴赫时代“平均律”的数学妥协与艺术解放之间的辩证关系。这不是关于如何计算十二平均律的章节，而是关于“为什么我们必须接受这种不完美的均匀性”的哲学思辨。 节奏的身体性： 节奏的探讨将脱离传统的节拍记号分析，转向人类生理学和文化人类学。我们探究心脏的跳动、步行的频率如何塑造了我们对“律动”的先天认知。从非洲鼓点到欧洲教堂的钟声，节奏如何作为一种社会凝聚力和精神催化剂而存在。我们将分析复节奏（Polyrhythm）和非对称节奏（Asymmetric Meter）在不同文化中代表的心理状态和时间观念的差异。 第二部分：结构与叙事——从动机到宏大形式 此部分将深入剖析音乐如何组织其时间维度，从最小的单元（动机 Motive）到最宏大的结构（交响曲或歌剧）。我们的重点在于“设计意图”而非“规则遵循”。 动机的生命周期： 动机（Motive）是音乐叙事的核心。我们不教授如何“发展”一个动机，而是探讨作曲家如何赋予一个短暂的音型以生命力、记忆点和情感张力。我们将分析动机如何在不同调性、节奏和音色之间进行“变形”（Transformation），从而构建出听觉上的连续性和变化性。 对位法与和声的张力场： 对位法（Counterpoint）将被视为一种平等的对话艺术，而非主旋律的附庸。我们探讨两条或多条独立旋律线在声部交织时所产生的“结构性冲突与和解”。随后，我们将和声视为一种垂直的张力场，探讨和弦进行如何构建出一种“预见性”与“满足感”的心理回路。例如，古典时期常用的导引和弦（Dominant）为何能产生强烈的“回家”的心理需求，以及浪漫主义作曲家如何故意延迟或扭曲这种满足，以制造更深刻的情感体验。 形式的心理学： 奏鸣曲式（Sonata Form）将被重新解读为一种戏剧性的结构——陈述（介绍矛盾）、发展（冲突升级）和再现（解决矛盾）。我们不只是罗列其部件，而是分析这种结构如何完美契合人类解决问题的思维模式。同样，回旋曲（Rondo）的循环往复如何模拟了某种稳定或循环往复的生命体验。 第三部分：音色、织体与情感的编码 本部分着眼于音乐的“质感”和“环境”，即配器法（Orchestration）和织体（Texture）如何直接影响听众的情感投射。 音色的光谱学： 乐器的选择不再仅仅是音高的载体，而是情感的特定编码器。我们将探讨铜管乐器在不同动态下所携带的“权威性”与“脆弱性”，木管乐器在“亲密性”与“诡谲性”之间的转换，以及弦乐群如何通过弓法和揉弦来模拟人声的呼吸与情感波动。 织体的多维空间： 音乐的织体——单音、主调、复调——决定了信息量和听觉的清晰度。单音织体如何创造出原始的冲击力，主调织体如何聚焦听众的注意力，而复调织体如何构建出一个信息密度极高的“声音建筑”。我们将分析在特定历史时期（如巴洛克盛期或印象派）对特定织体偏好的文化动因。 空间感的构建： 音乐不仅仅是时间艺术，也是空间艺术。混响、延音、力度变化如何共同创造出一个想象中的演奏空间。我们分析早期音乐中对“圣音”（Sacred Sound）的追求，如何与后期音乐中对“巨大音乐厅”声学环境的适应性设计形成对比。 第四部分：语境与意义——音乐在历史中的身份转变 本书的终极目标是将音乐置于更广阔的文化与哲学背景下审视。我们不提供某个流派的入门指南，而是探讨“音乐在不同时代被赋予了何种使命”。 从仪式到自我表达： 追溯音乐从宗教仪式、宫廷娱乐到市民音乐会的演变轨迹。分析作曲家身份如何从“工匠”转变为“先知”或“叛逆者”。 “绝对音乐”与“标题音乐”的思辨： 我们深入探讨“绝对音乐”（Pure Music）——专注于声音自身的结构与美感——与“标题音乐”（Program Music）——承载外部叙事或描绘场景——之间的永恒张力。这种区分，究竟是艺术上的选择，还是社会对艺术期望的反映？ 现代性的回响： 最终，我们将审视二十世纪以来，音乐如何应对工业化、技术革新和文化碎片化的挑战。我们探讨无调性、十二音体系乃至电子音乐的出现，并非作为一种乐理规则的更新，而是作为对既有美学体系的“价值重估”与“意义重塑”的努力。 本书期望读者在读完之后，能以一种更加开放、批判和充满敬畏的眼光来聆听音乐，理解每一个音符的选择背后，都蕴含着深刻的人类智慧与历史选择。

评分☆☆☆☆☆

我对于音乐的理解一直停留在“好听”的层面，对于那些专业的乐评或者乐理分析，总是感到一头雾水。《音乐理论基础》这本书，简直就像一股清流，让我这个音乐门外汉，也能窥探到音乐的精妙之处。 首先，这本书的开篇就非常吸引人。它没有直接抛出枯燥的定义，而是从人们听到音乐时的感受切入，比如为什么有些音乐会让人感到快乐，有些则会让人忧伤。这种从“感受”到“原理”的逻辑，一下子就抓住了我的注意力，让我对接下来的内容充满了好奇。 书中对音程的讲解，让我第一次理解了不同音符组合所带来的听觉差异。我以前只是模糊地知道do-re-mi，但这本书让我明白了它们之间的“距离”以及这种距离所产生的“色彩”。特别是它用“声音的宽度”来形容音程，这种形象的比喻，让我很容易就能记住和区分那些不同的音程。 关于和声的部分，虽然一开始有些挑战，但书中提供的图表和实例，让我逐渐理清了和弦的构成和它们之间的关系。我以前总觉得那些复杂的和弦名字很唬人，但通过这本书，我了解到它们都是由基础的音程叠加而来，这大大降低了我对和弦的畏惧感。 最让我惊喜的是，书中还涉及了一些基础的曲式结构。我开始能够识别出歌曲中的“主歌”、“副歌”等部分，并且大致理解了乐曲是如何通过这些结构来组织和发展的。这让我在听歌时，多了一个思考的角度，不再只是被动地接受旋律。 总的来说，《音乐理论基础》这本书，成功地将音乐理论的神秘面纱揭开了，让我这个普通听众，也能感受到音乐的逻辑美和结构美。它不仅让我对音乐有了更深的理解，也让我对未来的音乐探索充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，可以说是一场及时雨，解决了我在音乐学习中的燃眉之急。我一直对音乐抱有极大的热情，尤其喜欢尝试自己弹奏一些简单的乐曲，但常常因为不理解乐谱的奥秘而感到受限。《音乐理论基础》这本书，为我打开了新世界的大门。 这本书最大的特点，我觉得是它的“可操作性”。它不仅仅是理论的讲解，更像是手把手的教学，告诉你如何去理解和运用这些理论。比如，在讲解音阶的构建时，它会一步步地示范，告诉你如何通过全音和半音的组合来构成不同的音阶，并且提供了大量的音阶练习，让我能够立刻上手去练习。 我印象最深刻的是关于“和弦连接”的部分。在过去，我只是机械地记忆一些和弦的指法，但这本书让我明白了为什么某些和弦的连接听起来会很和谐，而另一些则会产生不协和感。它解释了和弦在功能上的不同作用，比如属和弦、主和弦等等，这让我开始理解音乐的“流动性”和“方向性”。 此外，书中对“节奏”和“节拍”的讲解也让我受益匪浅。我以前总是觉得自己的演奏节奏不稳，或者在处理一些复杂的节奏型时感到吃力。这本书通过对拍号、小节线、附点音符等概念的详细解析，并且提供了大量的节奏练习，让我能够有意识地去训练自己的节奏感，现在我感觉自己在弹奏时，对节奏的把控有了很大的提升。 总的来说，《音乐理论基础》这本书，是一本非常实用的音乐理论入门书籍。它不仅仅教会了我“是什么”，更重要的是教会了我“怎么做”。这对于我这样一个希望将理论知识转化为实际演奏能力的初学者来说，具有非常重要的指导意义。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直打开了我对音乐的全新认知！我一直对音乐有着浓厚的兴趣，但总是感觉隔着一层纱，无法真正理解那些动人心弦的旋律和和声是如何构成的。翻开《音乐理论基础》，我迫不及待地想找到答案，而它也绝没有辜负我的期望。 首先，它的语言风格非常亲切，没有那些枯燥乏味的专业术语堆砌，而是用一种非常通俗易懂的方式，将那些看似复杂的音乐原理娓娓道来。我尤其喜欢它在讲解音程、和弦时，穿插的那些生动的比喻和形象的图示，仿佛一下子就把抽象的概念具象化了。比如，书中用“建筑的砖块”来比喻音符，用“和弦是音符的组合，就像建筑的房间”来解释和弦的构成，这种类比让我瞬间茅塞顿开。 更令我惊喜的是，书中不仅仅是理论的堆砌，更注重实际的应用。在讲解完某个乐理知识点后，作者总会立刻给出相应的练习题，并且附带详尽的解答和分析。这不仅仅是让我巩固了所学，更重要的是，我开始尝试将这些理论运用到实际的乐曲分析中，甚至在自己尝试创作时，也能够运用上一些基础的和声进行。这种理论与实践的紧密结合，让我感觉自己不再是一个被动的接受者，而是能够主动地去探索和理解音乐。 这本书的编排也非常合理，循序渐进，从最基础的音阶、调式开始，逐步深入到节奏、节拍、和声、曲式等更复杂的概念。每一章的内容都承接上一章，并且层层递进，让我在学习过程中不会感到迷茫或 overwhelmed。我曾经尝试过阅读一些其他音乐理论的书籍，但往往因为内容的跳跃性或者难度过大而半途而废，而《音乐理论基础》则给了我一种稳定前进的安全感。 总而言之，这本书是我音乐学习道路上的一盏明灯。它不仅让我对音乐有了更深刻的理解，更激发了我进一步探索音乐奥秘的兴趣。我强烈推荐所有热爱音乐，渴望了解音乐背后原理的朋友们阅读这本书，相信它一定会给你带来意想不到的收获。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉，就像是在一个宏大的音乐厅里，有人为你耐心指引，让你不再迷失于复杂的音符海洋。我一直以来都对音乐有着一种莫名的向往，但总是缺乏一个系统的入门指南。《音乐理论基础》正好填补了我的这一空白。 这本书的优点在于，它非常注重基础概念的严谨性，但又不会显得过于学院派。作者在介绍每一个概念时，都会先给出清晰的定义，然后通过大量贴合实际的例子来加以阐释。我特别喜欢书中对“拍子”和“节奏”的讲解，用到了很多生活中的场景来类比，比如跑步的步伐、心跳的规律，这让我在理解这些核心概念时，感到非常轻松和自然。 在我看来，这本书最核心的价值在于它帮助我建立了对音乐的“框架性”认知。在阅读之前，我可能只是零散地了解一些音乐术语，但这本书的逻辑结构非常清晰，从最基本的音高、音值，到乐句、乐段，再到更高级的和声进行和曲式分析，层层递进，让我能够构建起一个完整的音乐理论体系。 我特别欣赏书中对“调性”的讲解，这部分内容常常让我感到困惑。但这本书用非常形象的方式，比如把调性比作“音乐的色彩”，把主音比作“稳定点”，让我一下子就理解了不同调性所带来的不同情感色彩。这对我理解不同风格的音乐，起到了至关重要的作用。 而且，这本书的内容深度非常适中。它既包含了足够多的理论知识，又不会让人觉得难以消化。对于初学者来说，它是一个非常好的起点；对于有一定基础的人来说，它也能帮助梳理和巩固知识。我会在听音乐的时候，时不时地翻看这本书，对照着书中的理论去分析，感觉自己的音乐鉴赏能力有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

我一直以来都对音乐充满了好奇，尤其是当我在欣赏一首动听的乐曲时，总会忍不住思考，是什么让它如此引人入胜？《音乐理论基础》这本书，恰恰满足了我这种探究的欲望，并且以一种非常有趣的方式，揭示了音乐背后的规律。 这本书最吸引我的地方，在于它将音乐理论与实际的音乐作品巧妙地结合起来。作者在讲解每一个乐理概念时，都会引用具体的音乐片段作为例子，让我能够立刻感受到理论在实际中的应用。比如，在讲解“旋律进行”时，它会分析莫扎特的某个乐句，告诉我为什么这样的旋律听起来会如此流畅优美，这让我感到非常直观。 书中对“配器”和“织体”的讲解，也给了我全新的视角。我以前只是觉得乐器越多，音乐就越丰富，但这本书让我了解到，不同的乐器组合、不同的声音层次，是如何共同作用来创造出独特的音乐效果的。它让我开始理解，为什么有些乐曲听起来如此饱满，而有些则显得轻盈。 我尤其喜欢书中关于“音乐的表情”的讨论。它不仅仅停留在技术层面，而是深入探讨了如何通过音乐的元素，比如音量、速度、力度变化等，来表达作曲家的情感和意图。这让我发现，音乐不仅仅是声音的组合，更是一种情感的载体。 而且，这本书的语言风格非常活泼，充满了智慧的火花。作者善于运用比喻和类比，将抽象的乐理概念变得生动形象。比如，它用“音乐的语言”来比喻乐谱，用“音乐的骨骼”来比喻曲式结构，这些都极大地降低了学习的门槛。 总而言之，《音乐理论基础》这本书，不仅为我打开了音乐理论的大门，更让我对音乐的理解上升到了一个新的层次。它让我不再是那个只会“听”音乐的人，而是能够“理解”和“感受”音乐的本质。