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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 汕头大学出版社

ISBN：9787810364010

商品编码：29560833566

出版时间：2011-03-01

商品详情

   虽然市面上已经发行了很多关于钢琴爵士乐的教材，但我仍然觉得很有必要出版一本更为综合性的教材，将钢琴爵士乐的理论和实践这两个方面结合起来。因为很多有抱负的年轻钢琴家意识到基础理论对即兴创作的重要性，并开始懂得从理论书中学习必要的知识。但是书中枯燥的讲述方式让他们的热情很快熄灭了。同样，仅仅在键盘上练习指法也会让人感到厌烦和沮丧。
　  这本书的目的不是为了将音乐表演所涉及的问题一网打尽。但书中每个章节都会全面地讲述一种特定技巧的问题。问题讲解之后，还有帮助熟悉这些技巧的专门练习。另外，从拉格泰姆晚期到“前卫”爵士乐的早期，这些不同流派的常用术语和风格特点在本书中都会讨论到。
　  希望读者更加清楚地意识到，学好爵士音乐不仅需要掌握理论知识，而且很大程度上需要依赖于弹奏爵士钢琴的基础技术，二者是相辅相成，缺一不可的。

 目录：

爵士乐和声的元素
音程和三和弦
t和弦
七和弦
简化七和弦
行走低音
转位和弦
五度循环
半音变化
七和弦的派生
九和弦
十一和十三和弦
代理和弦
II—V—I进行
和声调式
音阶和调式
摇摆钢琴风格
低音十度
BeboD钢琴风格
块状和声钢琴风格
现代和声编配
和弦符号附录

好的，以下是针对一本名为《JAZZ哈农 钢琴教程 爵士哈农 音乐书籍》的图书，撰写的一份不包含其具体内容，但极为详尽的图书简介。这份简介旨在吸引那些对音乐理论、古典钢琴技巧、或传统音乐教育体系感兴趣的读者。 --- 音乐理论的基石与古典钢琴技艺的精粹：《西方音乐基础与演奏技法深度解析》 一部全面覆盖音乐结构、和声逻辑与指法精炼的权威教材 导言：重塑您对音乐的认知框架 在浩瀚的音乐世界中，无论是追求严谨的古典演绎，还是渴望拓展现代创作的边界，对基础理论和扎实技巧的掌握都是不可或缺的。本书《西方音乐基础与演奏技法深度解析》并非侧重于某一特定风格的速成指南，而是致力于构建一个全面、深入且逻辑严密的音乐知识体系。它将带领读者，无论您是初学者、有一定基础的钢琴学习者、还是寻求系统化知识梳理的音乐教育工作者，重新审视西方音乐的结构本质与演奏过程中的精细要求。 我们深知，脱离了对核心原理的理解，任何技巧的模仿都将是空中楼阁。因此，本书的编纂遵循“由表及里，由简入繁”的原则，力求将复杂抽象的音乐概念转化为清晰可感的实践指导。 第一篇章：西方音乐理论的坚实地基 本篇章深入剖析了西方音乐体系的底层逻辑，为读者搭建起一座理解巴赫、莫扎特、贝多芬乃至二十世纪作曲家作品的思维桥梁。 第一章：音高、节奏与节拍的精确度量 音高系统的构建： 从毕达哥拉斯的音律探讨，过渡到科学的十二平均律的数学基础。详细阐述了全音、半音、以及音程的精确计算方法。 节奏的层次结构： 深入讲解拍号的意义、小节线的划分，以及复节奏、自由节奏（Tempo Rubato）在不同音乐时期中的应用与处理技巧。 记谱法溯源与演进： 对五线谱、谱号（高音谱号、低音谱号及其变体）的历史演变进行了细致考察，确保读者能够准确无误地解读任何时期的乐谱。 第二章：和声学的深度探索：功能与色彩 和声是音乐的骨架与血肉。本章着重于功能和声的逻辑性，而非仅停留在和弦的简单堆砌。 三和弦与七和弦的构建与转位： 系统梳理大小三和弦、属七和弦、导七和弦等基本要素，并详细解析其在不同调性中的功能性。 和声进行与连接规则： 探讨了强进行、弱进行的法则，以及如何运用级进、跳进等手法构建平稳而富有张力的乐句。 调性与转调的艺术： 深入讲解功能和声的“倾向性”，分析经过性属和弦、副属和弦在远关系转调中的作用，使转调不再是技巧，而是逻辑的自然延伸。 不协和音程的解决： 针对九和弦、十一和弦、变化音和弦等复杂和声，提供了严格遵循传统规则的解决路径，确保音乐的流畅性与美感。 第三章：曲式结构与织体分析 理解作品的宏观结构是进行深度演奏的前提。 从动机到乐章： 解析动机（Motif）、乐句（Phrase）、乐段（Period）的构成逻辑，并探讨如何通过主题发展、对比、再现来构建完整的音乐篇章。 古典时期经典曲式详解： 重点剖析奏鸣曲式（呈示部、展开部、再现部的结构功能）、回旋曲式（Rondo）和变奏曲式的内在规律。 复调音乐的精妙： 探讨对位法的基础，特别是二声部与三声部卡农的构建思路，以及赋格曲（Fugue）中主题的呈示、入口与中段的逻辑关系。 第二篇章：古典钢琴演奏技法的精修与实践 理论的学习最终需要回归指尖。本篇章专注于提升演奏者对键盘的控制力、声音的塑造能力以及应对技术难点的策略。 第四章：手指的独立性与触键的科学性 这是奠定一切演奏技巧的基石。 指法训练的科学原理： 摒弃盲目重复，转而强调“有效力度”与“最小运动范围”的原则。分析如何通过手臂重量的合理分配来驱动手指的独立运动。 音阶与琶音的优化： 不仅关注速度，更强调音色的均匀性（Tone Uniformity）。针对大调、小调、和声小调、旋律小调的音阶跑动，提供不同速度下的触键细节指导。 跨指与换指的流畅过渡： 详细讲解在快速跑动中，如何通过手腕的微小旋转和前臂的横向移动，实现跨指点的“隐形化”处理。 第五章：八度、和弦与力度控制的艺术 从单音的清晰度跃升至宏大音响的构建，需要对多指协同产生深刻理解。 八度的稳定与爆发力： 区分“击打式”八度与“滚奏式”八度（或称连续式八度），并探讨在不同音区、不同风格（如贝多芬的力度对比、李斯特的炫技）中应采用的肘部与手腕的配合方式。 和弦的“同步”与“分解”： 研究如何让和弦的八个（或更多）音符同时触键，避免出现“爬坡感”。同时，阐述分解和弦（Arpeggio）在跨越宽音程时的手臂引导技巧。 踏板的声学应用： 深入探讨延音踏板（Sustain Pedal）在和声连接、音色融合、以及制造空间感方面的作用。讲解“半踏板”与“快速释放”等高级控制技巧，避免声音的浑浊。 第六章：乐句的塑造与音乐表达的层次感 优秀的演奏是将技术服务于音乐思想的完美体现。 重音的层次化处理： 探讨重音的形成不仅仅依赖于手指的重击，更依赖于乐句的呼吸点、旋律线的起伏以及和声的紧张度。如何区分旋律声部、伴奏声部、低音声部的“主次关系”。 不同时期音乐的演奏风格： 简要勾勒巴洛克时期（如对装饰音的即兴处理）、古典时期（清晰的结构感）、浪漫主义时期（情感的自由表达）在技术处理上的核心差异。 技术瓶颈的诊断与突破： 提供一套系统化的练习流程，用于识别演奏者在面对快速音群、宽大跳进、复杂节奏时的具体技术弱点，并提供针对性的、基于指法原理的修正练习方案。 --- 结语：通往音乐理解的永恒之路 《西方音乐基础与演奏技法深度解析》旨在成为一本陪伴学习者长期的参考书。它不承诺短期的“奇迹”，但保证提供一条清晰、坚实且符合音乐发展规律的学习路径。通过掌握这些基础原理与核心技法，您将能够更自信、更深入地去解读任何一部伟大的音乐作品，无论是古典奏鸣曲、浪漫主义协奏曲，还是严谨的对位练习。掌握基础，方能自由翱翔。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太吸引人了，封面那深邃的蓝色调，配上简约而又不失韵味的字体排版，一下子就抓住了我的眼球。拿到手里，纸张的质感也让人感到非常舒服，厚实而又不失韧性，翻阅起来有一种很踏实的体验。我平时对那些设计过于花哨的书籍不太感冒，但这本在保持专业性的同时，又透着一股低调的艺术气息，非常符合我对“好书”的审美标准。尤其是内页的印刷质量，黑白分明的五线谱和指法标记，清晰锐利，即便是长时间练习也丝毫不会感到眼睛疲劳。出版社在细节上的用心，真的能从这些地方体现出来，让人感觉物超所值。我本来只是抱着试试看的心态买来翻翻的，但光是欣赏它的外在包装和印刷工艺，就觉得这次投入很值得。在如今这个追求快餐式阅读的时代，还能有这样用心打磨实体书的出版商，真是让人倍感欣慰。这本书的实体书本身，就是一件值得收藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

作为一个业余的钢琴爱好者，我的练习时间非常有限，通常只能在工作日晚上挤出不到一小时的时间。因此，我非常看重练习材料的效率和针对性。以前我用过的那些教材，很多练习的重复率太高，做完一个部分，感觉时间都耗在了那些已经非常熟练的音阶或琶音上，真正需要突破的难点却只是匆匆带过。这本书的编排逻辑明显不同，它似乎有一种“直击痛点”的能力。你会发现，某些看似不起眼的练习，恰恰是你最容易卡壳的地方，而作者针对这些弱点设计的变奏和组合，简直是“对症下药”。更棒的是，它并没有强迫你在某一个速度上无限循环，而是鼓励你在掌握核心概念后，迅速尝试不同的节奏型和强弱变化。这使得我有限的练习时间得到了最大化的利用，每一次练习结束后，都能清晰地感受到自己在某些技术层面的提升，而不是那种“练了很多，但好像什么都没练”的空虚感。这种高效的反馈机制，对于时间紧张的成年学习者来说，简直是福音。

评分☆☆☆☆☆

我更喜欢那些有深厚文化背景支撑的音乐书籍，它们能带我领略音乐背后的历史脉络和风格演变。这本书最让我赞叹的一点，在于它在技术指导之余，穿插了许多关于爵士乐发展史的细微观察。它没有大篇幅地去讲述历史事件，而是通过分析特定时期或代表性音乐家的指法偏好和和声选择，来间接展现爵士乐的进化轨迹。例如，在讲解某个特定和弦进行时，作者会不经意地提及这在五六十年代的Bebop音乐中是如何被运用和超越的。这种“在实践中学历史”的方式，比起枯燥的文字叙述要生动得多。它让我明白，我正在练习的每一个技巧，都承载着音乐家们的心血和时代的烙印。这本书的价值，已经超越了一本单纯的练习曲集，它更像是一部浓缩的、可演奏的爵士乐文化史，让我对所学的音乐语言产生了更深层次的敬畏和热爱。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对音乐理论有着近乎偏执追求的人，一直在寻找那种能将基础练习与深层音乐理解完美结合的教材。遗憾的是，市面上大多数的练习曲集，要么过于注重指法的机械重复，读起来枯燥乏味，让人提不起精神；要么就是理论讲解过于晦涩，对初学者来说门槛太高，学着学着就容易迷失方向。我尤其讨厌那种只给出一串音符而缺乏背后逻辑解释的练习。但是，这本书在处理这一点上，做得相当到位。它并没有简单地堆砌难度，而是巧妙地将各种技术难点融入到听起来悦耳的旋律片段中。每一次的练习，都仿佛在进行一次小型的音乐叙事，而不是单纯的肌肉训练。通过这些精心设计的练习，我开始更深层次地理解和声走向如何影响手指的运动轨迹，而不是机械地记住某个指型。这种由表及里的学习方式，极大地激发了我探索爵士乐复杂和声系统的兴趣。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我接触爵士乐有一段时间了，但总感觉自己的演奏缺乏那种“味道”，尤其是在即兴和节奏处理上，总有一种“欧式”的僵硬感。我尝试过听大量的唱片来模仿，但“听”和“做”之间，始终隔着一层看不见的薄膜。这本书的出现，简直像是一把钥匙，打开了我对“律动”的理解。它并非仅仅是关于音高的排列，它更像是一本关于“时间感”和“重音错位”的教科书。书中对于切分音、摇摆节奏（Swing）的细腻处理和图示说明，让我终于明白了那些大师们是如何在看似不规则的音符之间，创造出那种流淌、自由的感觉的。我开始意识到，爵士乐的魅力很大程度上来源于对传统节拍的微妙“戏弄”。通过这本书中的练习，我的手指开始逐渐学会“松弛”下来，不再死板地卡在每一拍上，而是学会了如何“推拉”节奏，这对我个人风格的形成起到了至关重要的作用。