正版 莫扎特《钢琴四手联弹曲集》中外文对照 (奥) 莫扎特. 作曲 上海教育出版社 音乐教材 莫 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李曦微 译

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• 莫扎特
• 钢琴四手联弹
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• 中外文对照
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• 古典音乐
• 钢琴曲
• 上海教育出版社
• 音乐

店铺： 鑫舟启航图书专营店

出版社： 上海教育

ISBN：9787544429603

商品编码：29564626565

丛书名： 莫扎特钢琴四手联弹曲集(中外文对照)

开本：8开

出版时间：2010-06-01

 

 

商品基本信息,请以下列介绍为准
商品名称：	莫扎特《钢琴四手联弹曲集》
作者：	乌尔里赫·莱辛格 等；李曦微 著 [译者]李曦微 译
译者：	李曦微
市场价：	68元
ISBN号：	9787544429603
出版社：	上海教育出版社
商品类型：	图书

其他参考信息（以实物为准）
装帧：平装	开本：8开	语种：多语
出版时间：2010-07-01	版次：1	页数：
印刷时间：2010-06-28	印次：1	字数：

 

 

内容提要

 

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《莫扎特：钢琴四手联弹曲集（中外文对照）》为两架键盘乐器写的作品从17世纪后期就开始盛行，而早的四手联弹钢琴曲却是18世纪下半叶才出现的。这并不令人吃惊，因为如果想两个人能自如地坐在一起弹奏一个键盘。那么它的音域就必须大于四个八度，尤其是通常演奏者之一是女士.而当时的风尚女士的服装很宽敞。联系到一封已遗失的利奥波德·莫扎特写于1765年7月9日的信，乔格·冯·尼森将这种体裁的发明归功于沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特：“年轻的沃尔夫冈在伦敦写了他的首四手联弹曲。在那以前，从未有人写过四手联弹奏鸣曲。”对这首曲子的确认一直有争议，不过小莫扎特1765年在伦敦逗留斯间以及在回萨尔茨堡的路上，他确实与姐姐那诺尔在一架和两架键盘乐器上合作公开演出过。查尔斯·伯尔尼的《德国，尼德兰联邦的音乐现状》（伦敦，1773年）中有一段有关沃尔夫冈与那诺尔于萨尔茨堡在“同一架拨弦键琴上表演重奏的”简短的记述；约翰·尼波穆克·德拉·克罗斯作于1780-1781年那幅的画中表现的是莫扎特与其姐姐坐在同一架键盘乐器前，这表明四手联弹曲目在这个家庭中的重要地位。

 

 

目录

 

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前言
演奏评注
Vorwort
Hinweise zur Interpretation
Preface
Notes ointerpretation
Preface
Notes sur l’interpr&ation;
Quellenkurzel Sigla of the sources Sigles des sources
Facsimilia
Kritische Anmerkungen

经典重现：二十世纪西方音乐的辉煌与探索 导言：一个充满变革的音乐时代 本书聚焦于二十世纪西方音乐的广阔图景，旨在为读者提供一个全面而深入的视角，理解这一时期音乐在观念、技法和表现力上所经历的革命性飞跃。不同于以往专注于特定作曲家或流派的传统编年史，本书采用主题串联的方式，穿梭于两次世界大战的阴影、技术飞速发展的背景以及社会结构深刻变革的浪潮之中，考察音乐是如何应对和反映这些宏大时代命题的。我们将细致剖析从新古典主义的回归到十二音体系的建立，从序列音乐的严谨结构到电子音乐的崭新领域，以及偶然音乐的哲学思辨，最终触及后现代主义的多元并蓄。 第一章：战后思潮下的音乐重塑——新古典主义与序列主义的崛起 二十世纪上半叶，欧洲音乐界经历了对浪漫主义晚期过度情感化的反动。新古典主义（Neoclassicism）的兴起，代表了一种对巴洛克和古典时期清晰结构、平衡形式的回归，但这种回归并非简单的模仿，而是用现代的和声语言和节奏活力对其进行重新诠释。拉威尔的晚期作品、斯特拉文斯基从早期“原始主义”向更内敛、更清晰的线条过渡，都是这一思潮的典型体现。 然而，更为彻底的革命来自于阿诺德·勋伯格及其追随者阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）、阿班·贝格（Alban Berg）和安东·韦伯恩（Anton Webern）所构建的“第二维也纳乐派”。本书将详细阐述十二音体系（Dodecaphony）的理论基础，解析其如何试图在无调性（Atonality）中建立起新的组织原则，从而取代传统的大小调功能和声系统。韦伯恩的音乐，以其极度的简洁和对音色、时值、力度等要素的精细控制，被视为序列主义（Serialism）的纯粹典范，其作品中的“点描式”的音响布局，预示着未来音乐发展的诸多可能性。 第二章：从功能到结构——严谨的序列控制与机会的边缘 二战结束后，序列主义的理念得到空前的发展，尤其在法国的“声音之环”（Groupe de Recherches de Musique Concrète）和达姆施塔特的国际夏季课程中。皮埃尔·布列兹（Pierre Boulez）将十二音的组织原则扩展到所有音乐参数——音高、时值、力度、音色，构建出全序列音乐（Total Serialism）。我们将在本章分析这一时期作品的内在逻辑，它们追求绝对的理性控制，旨在将作曲家的主观意志从音乐创作中最大限度地剥离。 与这种极端控制相对立的，是约翰·凯奇（John Cage）所倡导的“机会音乐”（Aleatoric Music）。凯奇受到东方哲学，特别是禅宗思想的影响，主张将音乐创作过程中的不确定性引入作品本身。从他著名的《改变的记谱法》到《4分33秒》，本书将深入探讨这些作品背后的哲学动机：音乐是否必须是“被制造出来的作品”？声音的本质究竟是什么？这种对“非意图性”的拥抱，极大地拓宽了人们对音乐边界的认知。 第三章：声音的拓扑学——具体音乐与电子合成的革命 二十世纪的音乐进步，与电子技术的飞速发展密不可分。本章将回顾“具体音乐”（Musique Concrète）的诞生，皮埃尔·谢弗（Pierre Schaeffer）如何将录制下的日常环境声——火车的轰鸣、水流的声音、人声的片段——作为“声音物体”（Sound Objects）进行剪辑、变速、反放和拼贴，从而创造出全新的听觉景观。 紧接着，我们将探讨“电子音乐”（Electronic Music）的兴起，特别是德国科隆电子音乐工作室（WDR Studio for Electronic Music）所代表的纯粹电子合成路径。卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）的贡献是本章的核心。他不仅探索了声波本身的合成与调制，还尝试将空间性（Spatialization）融入音乐结构中，使听众不再被固定在单一的聆听位置。通过对磁带音乐和早期合成器的分析，我们将看到音乐如何脱离传统乐器和记谱法的束缚，直接在时间与空间中进行雕塑。 第四章：音色的解放与极简主义的呼吸 进入六十年代末和七十年代，一股反思前卫复杂性的浪潮兴起，催生了极简主义音乐（Minimalism）。这股潮流在很大程度上是对序列主义过度复杂性的“矫枉过正”。我们重点分析美国作曲家如特里·莱利（Terry Riley）、史蒂夫·赖希（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）的作品。 极简主义的核心在于过程、重复和微小渐变。通过对“移相”（Phasing）技术（如赖希的《敲击器》）的详细解构，读者将理解音乐如何通过物质性的、听得见的进程自我生成，从而产生一种催眠般的、甚至宗教性的听觉体验。这一时期的音乐更注重时间本身的感知，而非传统意义上的戏剧性发展。 第五章：后现代的熔炉——多元风格的并存与融合 二十世纪末，音乐界进入了后现代阶段，其特征在于对“宏大叙事”的解构和对风格界限的模糊。本章探讨了不同音乐领域之间的交融。 首先是谱系学（Genealogy）的回归：一些作曲家，如乔治·潘德雷斯基（Krzysztof Penderecki），虽然早期作品极富推力，但随后转向了对传统调性或新浪漫主义手法的探索。其次是“新罗马尼亚主义”（New Romanticism）的出现，它标志着作曲家对情感表达的重新接纳。 最后，本书触及了将非西方音乐元素、流行音乐节奏、电影配乐手法融入严肃音乐创作的现象。这种跨界的、不拘一格的态度，最终使得二十世纪的音乐遗产呈现出前所未有的丰富性和对话性。 结语：聆听二十世纪的回声 二十世纪的音乐不再是单一的线性发展，而是一片充满张力、实验和哲学思辨的广袤大陆。本书试图展示，无论是追求绝对理性的序列主义，拥抱偶然性的概率游戏，还是沉浸于电子声波的无限可能，所有这些努力的共同目标，都是为了在人类经历剧变和不确定性的时代中，重新定义“音乐”的本质和它与世界的关系。理解这些探索，就是理解现代精神的复杂脉搏。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对不同语言学习资料有要求的读者，这个版本在“中外文对照”的处理上展现了一种极高的尊重和审慎。我特别关注了翻译的质量，这往往是此类双语教材的“阿喀琉斯之踵”。庆幸的是，这里的翻译译文保持了一种优雅且准确的风格。它并非那种生硬的、逐字对应的直译，而是真正抓住了德语（或原文意图）中那些微妙的音乐术语和情感表达的精髓，并将其用流畅且符合中文表达习惯的语言呈现出来。无论是关于力度变化（piano, forte），还是关于演奏速度（allegro, andante）的描述，对照的译文都能让人迅速理解其在演奏实践中的具体含义，有效避免了因为语言障碍而对原作产生误读的风险。这种严谨的态度，使得不同文化背景的学习者都能自信地投入到对原著的探索之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计简直是一场视觉盛宴，细节之处见真章。拿到手的时候，首先被它沉甸甸的分量和封面的质感所吸引。那种略带纹理的纸张触感，配合着经典的字体设计，一下子就把人带入了那个古典音乐的黄金时代。内页的纸张选择也非常考究，不是那种反光的廉价纸，而是哑光的，即便是长时间阅读或在灯光下翻阅，眼睛也不会感到疲劳。更值得称赞的是乐谱的清晰度，每一个音符、每一个表情记号都印制得精准无比，即便是对视力稍有要求的人也能轻松辨认，这对于我们演奏者来说至关重要。有些版本的乐谱，印刷模糊不清，让人在重要的技术处理上产生误判，但这本完全没有这个问题。而且，它对于分谱的标记也做得非常到位，左右手的声部划分清晰明了，即便是初次接触四手联弹的人也能迅速找到自己的位置，不会在复杂的对位中迷失方向。这种对用户体验的深度思考，让这本书不仅仅是一本乐谱集，更像是一件精心制作的艺术品，让人爱不释手，每次翻阅都是一种享受。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书在内容组织上的逻辑性简直是教科书级别的典范，让人佩服出版方的专业素养。它并非简单地将所有曲目堆砌在一起，而是进行了一次非常精妙的编排。初学者可能会从那些结构相对简单、和声进行相对直白的曲目入手，这有助于建立信心和熟悉四手联弹的基本配合模式。随着篇幅的推进，难度曲线呈现出一种非常平滑且合理的上升趋势，过渡自然得让人几乎察觉不到自己技术水平的提高。这种循序渐进的安排，极大地降低了学习的挫败感。更妙的是，它似乎还考虑到了不同演奏场合的需求，将一些更具节日气氛或更适合室内演奏的篇章巧妙地穿插其中，使得读者在学习的过程中总能找到适合当下心境的曲目。这种如同私人钢琴导师般周到的引导，远超出了普通教材的范畴，让人感觉作者群仿佛能洞察每一个学习者的内心需求。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装订工艺，说实话，让我对它的耐用性充满了信心。要知道，钢琴四手联弹的练习过程是相当“暴力”的，两双手需要频繁地翻页、在不同声部之间快速跳转，而且往往还要承受着快速翻动时的撕扯力。我用过一些其他品牌的乐谱，用几次后中间的书脊就开始松动，甚至有内页脱落的风险，极大地影响了练习的心情。但这本教材，无论我如何用力地将其平摊在琴凳上，或者在激烈的练习中快速翻页，它都表现出了惊人的韧性。装订得非常牢固，而且书页的展开角度非常人性化，几乎可以做到完全平铺，这在演奏时尤其重要，避免了手指需要费力去按住书页中央的尴尬情况。这份对实用性的极致追求，体现了出版社对音乐学习者实际操作场景的深度洞察，让人觉得这是一本可以伴随自己多年、经受住反复锤炼的“传家宝”级别的工具书。

评分☆☆☆☆☆

关于这个版本所附带的那些辅助材料，我只能用“物超所值”来形容，它们极大地丰富了学习的维度。我尤其欣赏那些对曲目背景的细致考证和分析。你知道，光是弹奏出正确的音符是不够的，真正理解莫扎特在创作这些作品时的心境、他所处的时代背景，以及他想要通过音乐传达的情感，才能让演奏真正“活”起来。这本书在这方面做得非常深入，它不仅仅是告诉你“这里要快”，而是解释了“为什么”要快，快的同时“应该”带着什么样的情绪去表达。这些深入的音乐学解读，对于提高演奏的音乐性和表现力有着立竿见影的效果。对于那些希望将演奏提升到更高层次的爱好者或专业学生来说，这些额外的文字指导，其价值不亚于多上几堂大师课。它成功地将“技术训练”与“艺术理解”做到了完美的融合，而不是简单地将两者割裂开来。