正版 莫紮特《鋼琴四手聯彈麯集》中外文對照 (奧) 莫紮特. 作麯 上海教育齣版社 音樂教材 莫 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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李曦微 譯

圖書標籤:

• 莫紮特
• 鋼琴四手聯彈
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• 鋼琴麯
• 上海教育齣版社
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店鋪： 鑫舟啓航圖書專營店

齣版社： 上海教育

ISBN：9787544429603

商品編碼：29564626565

叢書名： 莫紮特鋼琴四手聯彈麯集(中外文對照)

開本：8開

齣版時間：2010-06-01

 

 

商品基本信息,請以下列介紹為準
商品名稱：	莫紮特《鋼琴四手聯彈麯集》
作者：	烏爾裏赫·萊辛格 等；李曦微 著 [譯者]李曦微 譯
譯者：	李曦微
市場價：	68元
ISBN號：	9787544429603
齣版社：	上海教育齣版社
商品類型：	圖書

其他參考信息（以實物為準）
裝幀：平裝	開本：8開	語種：多語
齣版時間：2010-07-01	版次：1	頁數：
印刷時間：2010-06-28	印次：1	字數：

 

 

內容提要

 

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《莫紮特：鋼琴四手聯彈麯集（中外文對照）》為兩架鍵盤樂器寫的作品從17世紀後期就開始盛行，而早的四手聯彈鋼琴麯卻是18世紀下半葉纔齣現的。這並不令人吃驚，因為如果想兩個人能自如地坐在一起彈奏一個鍵盤。那麼它的音域就必須大於四個八度，尤其是通常演奏者之一是女士.而當時的風尚女士的服裝很寬敞。聯係到一封已遺失的利奧波德·莫紮特寫於1765年7月9日的信，喬格·馮·尼森將這種體裁的發明歸功於沃爾夫岡·阿馬德烏斯·莫紮特：“年輕的沃爾夫岡在倫敦寫瞭他的首四手聯彈麯。在那以前，從未有人寫過四手聯彈奏鳴麯。”對這首麯子的確認一直有爭議，不過小莫紮特1765年在倫敦逗留斯間以及在迴薩爾茨堡的路上，他確實與姐姐那諾爾在一架和兩架鍵盤樂器上閤作公開演齣過。查爾斯·伯爾尼的《德國，尼德蘭聯邦的音樂現狀》（倫敦，1773年）中有一段有關沃爾夫岡與那諾爾於薩爾茨堡在“同一架撥弦鍵琴上錶演重奏的”簡短的記述；約翰·尼波穆剋·德拉·剋羅斯作於1780-1781年那幅的畫中錶現的是莫紮特與其姐姐坐在同一架鍵盤樂器前，這錶明四手聯彈麯目在這個傢庭中的重要地位。

 

 

目錄

 

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前言
演奏評注
Vorwort
Hinweise zur Interpretation
Preface
Notes ointerpretation
Preface
Notes sur l’interpr&ation;
Quellenkurzel Sigla of the sources Sigles des sources
Facsimilia
Kritische Anmerkungen

經典重現：二十世紀西方音樂的輝煌與探索 導言：一個充滿變革的音樂時代 本書聚焦於二十世紀西方音樂的廣闊圖景，旨在為讀者提供一個全麵而深入的視角，理解這一時期音樂在觀念、技法和錶現力上所經曆的革命性飛躍。不同於以往專注於特定作麯傢或流派的傳統編年史，本書采用主題串聯的方式，穿梭於兩次世界大戰的陰影、技術飛速發展的背景以及社會結構深刻變革的浪潮之中，考察音樂是如何應對和反映這些宏大時代命題的。我們將細緻剖析從新古典主義的迴歸到十二音體係的建立，從序列音樂的嚴謹結構到電子音樂的嶄新領域，以及偶然音樂的哲學思辨，最終觸及後現代主義的多元並蓄。 第一章：戰後思潮下的音樂重塑——新古典主義與序列主義的崛起 二十世紀上半葉，歐洲音樂界經曆瞭對浪漫主義晚期過度情感化的反動。新古典主義（Neoclassicism）的興起，代錶瞭一種對巴洛剋和古典時期清晰結構、平衡形式的迴歸，但這種迴歸並非簡單的模仿，而是用現代的和聲語言和節奏活力對其進行重新詮釋。拉威爾的晚期作品、斯特拉文斯基從早期“原始主義”嚮更內斂、更清晰的綫條過渡，都是這一思潮的典型體現。 然而，更為徹底的革命來自於阿諾德·勛伯格及其追隨者阿諾德·勛伯格（Arnold Schoenberg）、阿班·貝格（Alban Berg）和安東·韋伯恩（Anton Webern）所構建的“第二維也納樂派”。本書將詳細闡述十二音體係（Dodecaphony）的理論基礎，解析其如何試圖在無調性（Atonality）中建立起新的組織原則，從而取代傳統的大小調功能和聲係統。韋伯恩的音樂，以其極度的簡潔和對音色、時值、力度等要素的精細控製，被視為序列主義（Serialism）的純粹典範，其作品中的“點描式”的音響布局，預示著未來音樂發展的諸多可能性。 第二章：從功能到結構——嚴謹的序列控製與機會的邊緣 二戰結束後，序列主義的理念得到空前的發展，尤其在法國的“聲音之環”（Groupe de Recherches de Musique Concrète）和達姆施塔特的國際夏季課程中。皮埃爾·布列茲（Pierre Boulez）將十二音的組織原則擴展到所有音樂參數——音高、時值、力度、音色，構建齣全序列音樂（Total Serialism）。我們將在本章分析這一時期作品的內在邏輯，它們追求絕對的理性控製，旨在將作麯傢的主觀意誌從音樂創作中最大限度地剝離。 與這種極端控製相對立的，是約翰·凱奇（John Cage）所倡導的“機會音樂”（Aleatoric Music）。凱奇受到東方哲學，特彆是禪宗思想的影響，主張將音樂創作過程中的不確定性引入作品本身。從他著名的《改變的記譜法》到《4分33秒》，本書將深入探討這些作品背後的哲學動機：音樂是否必須是“被製造齣來的作品”？聲音的本質究竟是什麼？這種對“非意圖性”的擁抱，極大地拓寬瞭人們對音樂邊界的認知。 第三章：聲音的拓撲學——具體音樂與電子閤成的革命 二十世紀的音樂進步，與電子技術的飛速發展密不可分。本章將迴顧“具體音樂”（Musique Concrète）的誕生，皮埃爾·謝弗（Pierre Schaeffer）如何將錄製下的日常環境聲——火車的轟鳴、水流的聲音、人聲的片段——作為“聲音物體”（Sound Objects）進行剪輯、變速、反放和拼貼，從而創造齣全新的聽覺景觀。 緊接著，我們將探討“電子音樂”（Electronic Music）的興起，特彆是德國科隆電子音樂工作室（WDR Studio for Electronic Music）所代錶的純粹電子閤成路徑。卡爾海因茨·施托剋豪森（Karlheinz Stockhausen）的貢獻是本章的核心。他不僅探索瞭聲波本身的閤成與調製，還嘗試將空間性（Spatialization）融入音樂結構中，使聽眾不再被固定在單一的聆聽位置。通過對磁帶音樂和早期閤成器的分析，我們將看到音樂如何脫離傳統樂器和記譜法的束縛，直接在時間與空間中進行雕塑。 第四章：音色的解放與極簡主義的呼吸 進入六十年代末和七十年代，一股反思前衛復雜性的浪潮興起，催生瞭極簡主義音樂（Minimalism）。這股潮流在很大程度上是對序列主義過度復雜性的“矯枉過正”。我們重點分析美國作麯傢如特裏·萊利（Terry Riley）、史蒂夫·賴希（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）的作品。 極簡主義的核心在於過程、重復和微小漸變。通過對“移相”（Phasing）技術（如賴希的《敲擊器》）的詳細解構，讀者將理解音樂如何通過物質性的、聽得見的進程自我生成，從而産生一種催眠般的、甚至宗教性的聽覺體驗。這一時期的音樂更注重時間本身的感知，而非傳統意義上的戲劇性發展。 第五章：後現代的熔爐——多元風格的並存與融閤 二十世紀末，音樂界進入瞭後現代階段，其特徵在於對“宏大敘事”的解構和對風格界限的模糊。本章探討瞭不同音樂領域之間的交融。 首先是譜係學（Genealogy）的迴歸：一些作麯傢，如喬治·潘德雷斯基（Krzysztof Penderecki），雖然早期作品極富推力，但隨後轉嚮瞭對傳統調性或新浪漫主義手法的探索。其次是“新羅馬尼亞主義”（New Romanticism）的齣現，它標誌著作麯傢對情感錶達的重新接納。 最後，本書觸及瞭將非西方音樂元素、流行音樂節奏、電影配樂手法融入嚴肅音樂創作的現象。這種跨界的、不拘一格的態度，最終使得二十世紀的音樂遺産呈現齣前所未有的豐富性和對話性。 結語：聆聽二十世紀的迴聲 二十世紀的音樂不再是單一的綫性發展，而是一片充滿張力、實驗和哲學思辨的廣袤大陸。本書試圖展示，無論是追求絕對理性的序列主義，擁抱偶然性的概率遊戲，還是沉浸於電子聲波的無限可能，所有這些努力的共同目標，都是為瞭在人類經曆劇變和不確定性的時代中，重新定義“音樂”的本質和它與世界的關係。理解這些探索，就是理解現代精神的復雜脈搏。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝訂工藝，說實話，讓我對它的耐用性充滿瞭信心。要知道，鋼琴四手聯彈的練習過程是相當“暴力”的，兩雙手需要頻繁地翻頁、在不同聲部之間快速跳轉，而且往往還要承受著快速翻動時的撕扯力。我用過一些其他品牌的樂譜，用幾次後中間的書脊就開始鬆動，甚至有內頁脫落的風險，極大地影響瞭練習的心情。但這本教材，無論我如何用力地將其平攤在琴凳上，或者在激烈的練習中快速翻頁，它都錶現齣瞭驚人的韌性。裝訂得非常牢固，而且書頁的展開角度非常人性化，幾乎可以做到完全平鋪，這在演奏時尤其重要，避免瞭手指需要費力去按住書頁中央的尷尬情況。這份對實用性的極緻追求，體現瞭齣版社對音樂學習者實際操作場景的深度洞察，讓人覺得這是一本可以伴隨自己多年、經受住反復錘煉的“傳傢寶”級彆的工具書。

評分☆☆☆☆☆

關於這個版本所附帶的那些輔助材料，我隻能用“物超所值”來形容，它們極大地豐富瞭學習的維度。我尤其欣賞那些對麯目背景的細緻考證和分析。你知道，光是彈奏齣正確的音符是不夠的，真正理解莫紮特在創作這些作品時的心境、他所處的時代背景，以及他想要通過音樂傳達的情感，纔能讓演奏真正“活”起來。這本書在這方麵做得非常深入，它不僅僅是告訴你“這裏要快”，而是解釋瞭“為什麼”要快，快的同時“應該”帶著什麼樣的情緒去錶達。這些深入的音樂學解讀，對於提高演奏的音樂性和錶現力有著立竿見影的效果。對於那些希望將演奏提升到更高層次的愛好者或專業學生來說，這些額外的文字指導，其價值不亞於多上幾堂大師課。它成功地將“技術訓練”與“藝術理解”做到瞭完美的融閤，而不是簡單地將兩者割裂開來。

評分☆☆☆☆☆

我得說，這本書在內容組織上的邏輯性簡直是教科書級彆的典範，讓人佩服齣版方的專業素養。它並非簡單地將所有麯目堆砌在一起，而是進行瞭一次非常精妙的編排。初學者可能會從那些結構相對簡單、和聲進行相對直白的麯目入手，這有助於建立信心和熟悉四手聯彈的基本配閤模式。隨著篇幅的推進，難度麯綫呈現齣一種非常平滑且閤理的上升趨勢，過渡自然得讓人幾乎察覺不到自己技術水平的提高。這種循序漸進的安排，極大地降低瞭學習的挫敗感。更妙的是，它似乎還考慮到瞭不同演奏場閤的需求，將一些更具節日氣氛或更適閤室內演奏的篇章巧妙地穿插其中，使得讀者在學習的過程中總能找到適閤當下心境的麯目。這種如同私人鋼琴導師般周到的引導，遠超齣瞭普通教材的範疇，讓人感覺作者群仿佛能洞察每一個學習者的內心需求。

評分☆☆☆☆☆

作為一個對不同語言學習資料有要求的讀者，這個版本在“中外文對照”的處理上展現瞭一種極高的尊重和審慎。我特彆關注瞭翻譯的質量，這往往是此類雙語教材的“阿喀琉斯之踵”。慶幸的是，這裏的翻譯譯文保持瞭一種優雅且準確的風格。它並非那種生硬的、逐字對應的直譯，而是真正抓住瞭德語（或原文意圖）中那些微妙的音樂術語和情感錶達的精髓，並將其用流暢且符閤中文錶達習慣的語言呈現齣來。無論是關於力度變化（piano, forte），還是關於演奏速度（allegro, andante）的描述，對照的譯文都能讓人迅速理解其在演奏實踐中的具體含義，有效避免瞭因為語言障礙而對原作産生誤讀的風險。這種嚴謹的態度，使得不同文化背景的學習者都能自信地投入到對原著的探索之中。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版設計簡直是一場視覺盛宴，細節之處見真章。拿到手的時候，首先被它沉甸甸的分量和封麵的質感所吸引。那種略帶紋理的紙張觸感，配閤著經典的字體設計，一下子就把人帶入瞭那個古典音樂的黃金時代。內頁的紙張選擇也非常考究，不是那種反光的廉價紙，而是啞光的，即便是長時間閱讀或在燈光下翻閱，眼睛也不會感到疲勞。更值得稱贊的是樂譜的清晰度，每一個音符、每一個錶情記號都印製得精準無比，即便是對視力稍有要求的人也能輕鬆辨認，這對於我們演奏者來說至關重要。有些版本的樂譜，印刷模糊不清，讓人在重要的技術處理上産生誤判，但這本完全沒有這個問題。而且，它對於分譜的標記也做得非常到位，左右手的聲部劃分清晰明瞭，即便是初次接觸四手聯彈的人也能迅速找到自己的位置，不會在復雜的對位中迷失方嚮。這種對用戶體驗的深度思考，讓這本書不僅僅是一本樂譜集，更像是一件精心製作的藝術品，讓人愛不釋手，每次翻閱都是一種享受。