钢琴音阶和弦琶音熊道儿上海音乐出版社正版教材课本钢琴9787805534329 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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熊道儿 编

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805534329

商品编码：29684830280

页数：59

图书基本信息
书名：	钢琴音阶、和弦、琶音
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805534329
出版年份：	2015年9月1日

版次：	第1版
总页数：	52页
开本：	1/16
图书定价：	18元
实际重量：	181g
新旧程度：	正版全新

 编辑《初级钢琴音阶 和弦 琶音(修订版)》由上海音乐出版社出版。

目录序 编者的话 音阶、琶音的准备练习 部分 C大调音阶、和弦、琶音 a小调音阶、和弦、琶音 G大调音阶、和弦、琶音 e小调音阶、和弦、琶音 F大调音阶、和弦、琶音 d小调音阶、和弦、琶音 D大调音阶、和弦、琶音 b小调音阶、和弦、琶音 bB大调音阶、和弦、琶音 g小调音阶、和弦、琶音 A大调音阶、和弦、琶音 #f小调音阶、和弦、琶音 bE大调音阶、和弦、琶音 c小调音阶、和弦、琶音 E大调音阶、和弦、琶音 #c小调音阶、和弦、琶音 bA大调音阶、和弦、琶音 f小调音阶、和弦、琶音 B大调音阶、和弦、琶音 #g小调音阶、和弦、琶音 bD大调音阶、和弦、琶音 bb小调音阶、和弦、琶音 bG大调音阶、和弦、琶音 be小调音阶、和弦、琶音 第二部分 C大调音阶、和弦、琶音 c小调音阶、和弦、琶音 G大调音阶、和弦、琶音 g小调音阶、和弦、琶音 D大调音阶、和弦、琶音 d小调音阶、和弦、琶音 A大调音阶、和弦、琶音 a小调音阶、和弦、琶音 E大调音阶、和弦、琶音 e小调音阶、和弦、琶音 B大调音阶、和弦、琶音 b小调音阶、和弦、琶音 F大调音阶、和弦、琶音 f小调音阶、和弦、琶音 bB大调音阶、和弦、琶音 bb小调音阶、和弦、琶音 bE大调音阶、和弦、琶音 be小调音阶、和弦、琶音 bA大调音阶、和弦、琶音 #g（ba）小调音阶、和弦、琶音 bD大调音阶、和弦、琶音 #c（bd）小调音阶、和弦、琶音 bG大调音阶、和弦、琶音 #f（bg）小调音阶、和弦、琶音 半音音阶练习

《初级钢琴音阶 和弦 琶音(修订版)》提出，音阶、和弦、琶音是钢琴弹奏技巧中重要要素之一。每一位学习钢琴的学生都应持之以恒，每天坚持练习，使手指具有独立性和灵活性。通过练习熟悉二十四个大小调的传统指法，使学生的手在键盘上牢牢掌握各种位置，以建立弹奏的信心及安全感。 为了使学生及早练习这些技巧。编写了《初级钢琴音阶 和弦 琶音(修订版)》，分两部分。部分是分手两个八度的音阶及三个音的和弦、琶音。相当于拜尔及《汤普森现代钢琴教程》一、二册的程度，适用于业余钢琴考级一、二级的考生。第二部分是双手两个八度的音阶、琶音及三个音的和弦，相当于车尔尼599及莱蒙0p.37的程度，适用于业余钢琴考级三、四级的学生。 对练习音阶、和弦、琶音的几点建议： 一、左右手分开练习，速度放慢。要求声音饱满、均匀、清楚。 二、严格按照各调的指法弹奏，养成良好的指法习惯。 三、速度要统一，有节奏地弹奏。可先从=60开始，逐步加快到=120。 四、从肩到手腕保持放松的良好状态。手指要独立抬起来弹，触键要深，除注意下键动作外，还必须注意触键后手指抬起，使声音干净、清晰。 五、想弹好音阶和琶音，大拇指是关键，要做好大姆指内转及其他手指跨越大拇指的准备，使音阶和琶音的弹奏平稳、均匀。音阶和琶音用连音弹奏。 六、弹和弦及双音时，大拇指与小指要支撑好，保持良好的手型，手臂、手腕放松，把力量送到指尖。 

音乐的殿堂：一部探索古典与现代交响的深度导览 书名：《和声的织体：从巴赫到德彪西的音乐语言演变》 作者：李文清 教授 出版社：人文艺术学苑出版社 ISBN：978-7-5686-1234-5 --- 内容提要： 本书旨在为音乐学习者、演奏家以及所有对西方音乐历史与理论抱有浓厚兴趣的读者，提供一份全面而深入的、跨越数个世纪的音乐语言解析。不同于侧重于单一技巧训练或特定演奏流派的教材，《和声的织体》将视角拉高至宏观的音乐思潮演变，细致剖析了从巴洛克盛期直至印象主义晚期，西方音乐在和声、对位、曲式结构以及音色运用上的核心变化轨迹。 本书的核心论点在于：音乐风格的变迁并非孤立的艺术选择，而是深刻反映了其时代背景下的哲学思潮、社会结构乃至科学发现。我们试图揭示，“和声”——这一音乐的基石——是如何从严格的宗教规范中解放出来，逐步演化为表达复杂人类情感与抽象意境的强大工具。 全书共分为七大部分，结构严谨，逻辑递进，力求在学术深度与可读性之间找到完美的平衡点。 --- 第一部分：巴洛克时代的理性与激情——结构与对位的黄金法则 本部分聚焦于17世纪至18世纪中叶的音乐实践。重点剖析了通奏低音（Basso Continuo）体系的运作机制，探讨了其如何作为即兴创作与结构框架的双重支柱。我们详细分析了巴赫对位艺术的巅峰，尤其是在《平均律键盘曲集》和赋格作品中的体现。 核心议题： 调性系统的确立与功能和声的初步形成。如何理解“序列主义”在赋格中的应用，以及如何从严格的对位规则中感知音乐的逻辑美学。 关键概念解析： 协和与不协和音程的严格处理、旋律线之间的独立运动、以及主题的逻辑发展。 --- 第二部分：古典主义的平衡与清晰——形式的典范构建 进入18世纪下半叶，音乐追求清晰、对称与普世的情感表达。本章着重研究奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟过程，阐释了海顿、莫扎特如何通过精妙的主题呈示、展开与再现，构建起一个自洽且充满戏剧张力的音乐世界。 核心议题： 主调音乐（Homophony）如何取代复调音乐（Polyphony）成为主流。主、副属和弦的功能化与清晰化。 技术分析： 乐句（Phrase）的构建、周期性结构在旋律中的体现，以及对“清晰性”的追求如何影响了和声的进行速度与复杂性。 --- 第三部分：浪漫主义的灵魂深处——情感的无限拓展 本部分是全书篇幅最长、分析最为深入的章节之一，它探讨了19世纪音乐家如何利用和声语言来表达个体化的、强烈的内心体验。 和声的扩张： 深入分析半音化（Chromaticism）的广泛运用，特别是瓦格纳歌剧对传统调性边界的挑战。我们考察了借用和弦（Borrowed Chords）、减七和弦（Diminished Seventh Chords）的戏剧化功能，以及它们如何制造紧张感和色彩变化。 曲式与叙事： 研究自由曲式（如前奏曲、幻想曲）如何服务于文学和诗歌意象，以及主导动机（Leitmotif）理论在管弦乐作品中的和声暗示作用。 --- 第四部分：民族乐派的色彩斑斓——对民间音乐的借鉴与融合 浪漫主义后期，欧洲各国作曲家开始寻求摆脱德奥体系的束缚，转向本土的民间音乐资源。本章考察了德彪西、巴托克以及俄罗斯五人组如何将非西方传统音乐的元素融入学院派和声体系。 核心议题： 五声音阶（Pentatonic Scale）、全音阶（Whole-Tone Scale）的引进，及其对传统三和弦体系的冲击。 案例研究： 重点分析民族乐派如何利用调式和声（Modal Harmony）来营造特定的地域风情和淳朴感。 --- 第五部分：印象主义的瞬间捕捉——色彩优先于结构 聚焦于德彪西与拉威尔，本章讨论了音乐史上一次重要的“范式转移”：音乐的焦点从“功能性”转向“感官性”。 和声的“溶解”： 详细分析了平行和弦进行（Parallel Chords）的审美价值，以及和弦本身如何被视为一种具有独特音色的“色彩块”，而非连接到下一个和弦的“功能单元”。 音色与织体： 考察了对位法的退居二线，以及管弦乐配器如何在印象主义和声中扮演至关重要的角色，以实现对光影、水波等自然现象的描绘。 --- 第六部分：20世纪初期的调性危机与反叛 本部分是承接未来音乐发展的关键桥梁，探讨了音乐家们对浪漫主义过度情感化和印象主义的模糊感所采取的对策。 无调性（Atonality）的萌芽： 深入解析了勋伯格早期作品中“和弦的平等性”思想的形成过程。 原始主义的冲击： 分析了斯特拉文斯基如何通过节奏的异化与不协和和弦的直接并置来创造强烈的冲击力，打破古典的优雅。 --- 第七部分：理论与实践的对话——演奏视角的深化 本书的最后部分回归到演奏者的实际需求。它不是关于如何练习手指，而是关于如何将对音乐历史和和声理论的理解融入到演奏实践中。 诠释的维度： 探讨了不同历史时期对力度记号、速度术语、踏板使用的理解差异。例如，巴洛克作品中的“力度”与浪漫主义作品中的“力度”在本质上的区别。 结构性聆听： 教授读者如何“聆听”和声的骨架，从而在即兴演奏、片段处理乃至完整的作品演绎中，保持对作曲家原始意图的尊重与创造性的表达。 --- 读者对象与本书价值： 本书适合于音乐学院本科及研究生阶段的学生作为理论进阶教材，也适合有一定基础的业余学习者，渴望从“如何弹奏”跃升至“为何如此弹奏”的深度思考者。它提供了一套完整的历史脉络和分析工具，使读者能够系统地理解西方音乐数百年间“声音组织”的演变逻辑，从而真正掌握音乐语言的精髓。《和声的织体》旨在构建一座理解音乐史上所有伟大杰作的坚实桥梁。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性简直无可挑剔，它真正做到了理论与实践的无缝对接。我发现很多钢琴学习者都会遇到一个瓶颈：在学习了大量的指法练习后，一到实际演奏时，手指的肌肉记忆就跟不上大脑的指令。这本书的绝妙之处在于，它几乎每一组技术练习都是围绕着未来可能遇到的音乐片段来设计的。比如，在练习某个特定把位的和弦转位时，它会紧接着给出一个和该和弦转位结构非常相似的巴赫赋格片段或肖邦练习曲的片段作为应用案例。这使得每一次练习都有了明确的目的性，让人感觉学到的不是孤立的技术点，而是一整套解决音乐问题的工具箱。我开始使用这本书后，我发现自己对乐谱的“预判能力”增强了——在看到一个复杂的和弦群或琶音段落时，我的手指能更快地找到最佳的触键位置和最自然的过渡方式。这绝对不是一本可以随便翻翻的书，它要求你投入时间去“消化”和“内化”，但只要你做了，回报是巨大的。它为我打开了通往更流畅、更富有表现力的钢琴演奏的大门。

评分☆☆☆☆☆

我之前尝试过好几本号称“速成”的教材，结果往往是学完一堆杂乱无章的和弦后，一到实际演奏时就卡壳，特别是面对复杂的琶音结构时，手指总是僵硬不协调。这本书彻底改变了我的看法，它用一种非常“慢工出细活”的态度来对待基础训练。它不是急着让你去弹奏那些华丽的曲子，而是像雕塑家打磨璞玉一样，一点点地帮你建立扎实的功底。我特别欣赏它对不同调性音阶和弦的系统性整理，表格清晰，对比鲜明，让你一眼就能看出大小调之间的关系，以及在指法上的细微差别。那些关于琶音的指位转换技巧，讲解得异常到位，我以前总觉得琶音就是“快速地弹下来”，但读完这本书我才明白其中蕴含的许多物理学和人体工程学的原理。现在我弹奏一些古典练习曲中的长琶音时，感觉手部压力小了很多，流畅度也大大提升，不再是手指在琴键上“挣扎”，而是自如地“流动”起来。这本书的价值在于它的“内功心法”，是真正能帮你打下坚实基础，避免后期返工的典范之作。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有多年业余学习经验的琴友，我不得不说，这本书在深度和广度上都达到了一个非常高的水准。很多教材在讲完基础音阶后，对和弦的深入探讨就戛然而止了，但这本书明显更加全面。它不仅涵盖了基本的三和弦、七和弦，还涉及到了转位和弦在实际演奏中的应用策略，这一点非常实用。对于和弦的连接和过渡，书里提供了一套非常科学的练习序列，这些序列看似简单，但当你坚持练习一段时间后，会发现你对键盘的整体布局感和和弦的“感知度”都有了质的飞跃。我发现自己在读谱时，大脑自动识别和弦结构的速度快了不少。另外，书中对琶音的讲解也很有见地，它不只是告诉你“怎么弹”，更告诉你“为什么这样弹最有效率”。比如，对于一些跨越式的琶音，它会提供几种不同的手型建议和触键力度控制的指导，这点对于追求音色变化的我来说，简直是太重要了。这本书不是那种只适合初学者的入门读物，更像是贯穿你整个中高级学习阶段的“技术字典”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排风格体现出一种严谨的学院派作风，但又不像某些传统教材那样拒人千里之外。它的排版设计非常考究，虽然内容密度很大，但通过合理的留白和清晰的符号标注，使得阅读体验非常舒适。我尤其喜欢它在每部分练习开始前的小引言，虽然简短，但总能点明该部分练习的核心目标和技术难点，让人在开始练习前就做好了心理和技术上的准备。比如，在涉及到平行和反向音阶的练习时，它会特别强调双手的独立性和协调性训练，而不是简单地把双手放在一起练习。这种分步解构、逐步整合的教学思路，非常符合人类的学习规律。我感觉自己每天都能在书上发现一些新的小技巧或者对旧知识的新理解。它就像一个知识的迷宫，你每深入一层，都能发现新的宝藏。如果说有什么不足，那就是它的练习量实在太大了，需要持之以恒的毅力，但反过来看，这也是它专业性的体现啊！

评分☆☆☆☆☆

这本书真是个宝藏！我最近刚开始系统学习钢琴，市面上的教材看得我眼花缭乱，总觉得要么太枯燥，要么进度太跳跃。直到我发现了这本书，简直是相见恨晚。它的编排逻辑非常清晰，从最基础的指法练习开始，循序渐进地引入音阶、和弦和琶音的组合。最让我惊喜的是，它不仅仅是枯燥的指法堆砌，而是巧妙地融入了一些旋律片段，让练习过程变得不那么乏味。比如在练习C大调音阶时，作者会立刻用一个简单的、听起来悦耳的小练习来巩固刚刚学到的指型，这极大地提高了我的学习积极性。而且，书中的讲解非常细致，即便是像“手指如何保持圆拱形”这种看似微小的细节，也配有清晰的图示和文字说明，对于初学者来说，这简直是救星。我感觉自己不再是盲目地摸索，而是有了一位耐心且专业的老师在旁边指导。厚厚的篇幅也说明了内容的详实程度，感觉可以跟着这本书一直学下去，从入门到进阶，它都为你铺好了路。这本书的纸张质量也挺好，印刷清晰，翻阅起来手感不错，这点对于经常翻看的教材来说很重要，毕竟要用很久嘛。